《美的滥用》经典读后感有感

　　《美的滥用》是一本由[美]阿瑟·丹托著作，江苏人民出版社出版的平装图书，本书定价：15.00元，页数：168，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。

　　《美的滥用》精选点评：

　　●没人吐槽这个翻译？

　　●美和艺术是否一定是相伴而存

　　●不怎么好读

　　●有点绕

　　●在就没有艺术史储备的时候，看了这本书，至少觉得跟彭锋老师课上的人名可以混个脸熟了。。。如果我说这可能是我的美学启蒙，会不会显得自己很low很低端。。。。

　　●强烈要求重译以及改成彩色插图。

　　●艺术成为某种程度上属于一切人的属性

　　●意义之美

　　●虽然作者一直在说康德和黑格尔，但我满脑子都是现象学。对美的滥用破坏了艺术作品在传统中被赋予的透明性：艺术作品理所当然表现美，是美的理念的具体化。在现代艺术中，美和艺术被分离。而对于美的考察，其实是作者对于何为艺术的考察，最终他的落脚点是“崇高”。非常古典。我看到的是，艺术成了每个人都可以去谈论和制作的东西，呼应着整个社会的“平等、自由”之趋向。每个个体都渴望成为形式，普遍和特殊的界限不断受到挑战，而战场从生活世界，一直蔓延到每个个体自身内部的矛盾。艺术的问题，同普遍的哲学问题一样，在现代最终成为伦理问题。与之相呼应的，是在自由平等的大趋势下，看似给每个人以更广阔的实践空间，而实际上是把更加沉重的生存负担不知不觉地压在了每个人的肩膀之上；现代艺术即是其表现。【只是我的胡言乱语…咩哈哈…】

　　●读了一半

　　《美的滥用》读后感(一)：什么是美

　　判断艺术品的标准是什么？摩尔说艺术是美的，康德说好的艺术是一种无关利害的愉悦。当你面对一幅画时，你被打动是因为这幅画本身，你感到赏心悦目，心情愉快，而这种愉快与功利无关。这就是美学家们探讨的艺术的价值，艺术是美也是善的。然而，杜尚却把美拉下神坛，这个把小便池放入博物馆当作艺术的人，这个在蒙娜丽莎脸上画了两撇小胡子而当作艺术的人。他将讨论了上百年的艺术的真谛弃之不顾，宣称美绝不是世界上伟大艺术的精华，美与艺术是分开的。

　　丹托在《美的滥用》里提出一个驳论，摩尔说，艺术是美也是善的，这种审美意识构成人际交往的载体，这是体现了文明，艺术代表着文明的高度。而问题是，为什么高文明的国家竟进行野蛮持久的战争？杜尚是一种颠覆，我们经历了一场可怖的战争，而艺术还表现为正义，真实以及美。我们要将人类从这个时代的疯狂中解救出来，打破美，打破秩序，塑造新的可能。

　　《美的滥用》读后感(二)：误译举隅

　　本人无英文版，google book提供的预览页面很少，仅举几个明显的例子。总之，最好大幅度修订一下。

　　序言P2 “莫奈《草地上的午餐》”【是马奈】

　　正文P2“美学隐匿在哲学与艺术之间的乌有乡（no-man's land）里备受磨难。”【no man's land是指两军交战时中间的无人地带，不好翻，可译成“无人区”】

　　19 “莫奈的《奥林匹亚》……”【马奈】

　　22 “兰波的《地狱中的季节》”【兰波原作法文为：une saison en enfer，saison前有阴性不定冠词une，而非复数形式，故现行翻译为《地狱一季》。】

　　22，Paul Verlaine刚刚翻译为“魏尔兰”，几行之后翻译为“维兰纳” 【应统一“魏尔伦”】

　　27 “格林伯格将莫奈看作第一个现代主义画家”【马奈】

　　71“画的不是事物，而是去追求效果（Peindre non la chose mais l'effet qu'elle produit）” 【马拉美这句话实际上是：不要去画事物，而是去画它产生的效果。王的翻译直接省略了que' elle produit，而且“追求”属于意译。】

　　84 “她没有通过所有的隐性测试，这是这样的一个纪念碑的设计者都应满足的。”【此句不通，查到英文是：she failed all the tacit tests the designer of such a memorial was supposed to meet.应该是：这样一个纪念碑的设计者该有的潜在资质她都不具有。（这句话指的是接着上面一句来说的，指的是她才21，太年轻；有东方血统，实际上她是林徽因的侄女，来设计越战纪念碑有些不妥；她在这场战争中并没有失去任何亲人。）】

　　《美的滥用》读后感(三)：“美”和“艺术”是两回事，别再滥用美了

　　对于一个没有正儿八经进行过美学、艺术和哲学研究的人来说，丹托的《美的滥用》不得不说给我带来了很多的启发，尤其是对现当代艺术的思考，有了更多的理解。

　　所以，根据我个人对于本书的理解和思考，和大家分享我所看到的内容。

艺术的，就是美的吗？

　　很多人天然会把“艺术的”和“美的”划上等号，简单来说就是，艺术都是好看的，好看的就是艺术。

　　按照这样的看法，也就让很多人对现当代作品产生困惑，很多作品一点都不好看，甚至非常难看。

　　就算一些非常经典的作品，也很多人觉得一点也不好看（例如我就觉得毕加索的《阿维农的少女》不好看，王羲之的《兰亭集序》也不好看），但并不妨碍经典的作品成为经典。

　　所以，可以说“艺术的”和“美的”，在本质上没有任何关系。

　　那“艺术”到底应该是什么样的？

　　安迪·沃霍尔的《布里洛盒子》（其实就是一个肥皂盒）、杜尚的《泉》（其实就是一个小便池）这样的艺术作品，让大家重新思考，艺术到底是什么？

　　如果我们承认《布里洛盒子》和《泉》是艺术作品的话，那答案就很明显了：艺术从一开始的模仿（绘画、雕塑），到技艺上的创新和精进（透视、光影等绘画技巧和电影这样的艺术形式），最终艺术成为了艺术家表达自我理念的方式。

“美”又是什么？

　　如果说，“艺术”和“美”之间没有本质上的关系，那到底是什么让我们觉得它们之间有联系呢？或者说，当我们说到“美”的时候，我们实际上是在说什么？

　　当我们看到山川大地、日月星辰、虫草花鸟，乃至于看到美女的时候，我们会觉得那是美的。当我们看到毕加索的《阿维农的少女》、王羲之的《兰亭集序》，有些人会觉得是美的，有些人则觉得不以为然。

　　这就是“外在美”和“内在美”的区别，或者说“自然美”和“艺术美”的区别。

　　外在美是一种生物本能的感觉、一种感官上的满足，我们可以通过高超的技艺来加强这种美（例如PS摄影作品、给美女化妆和整容）。这种美是让人觉得赏心悦目的美，让人觉得舒适和愉悦，不带有其他功利性目的的美。

　　但内在美，则需要拥有相应的文化和知识背景，去进行深入的理解和诠释。例如，对艺术史没有背景知识的人，就很难理解杜尚的《泉》美在哪里；对书法没有研究的人，也很难理解《兰亭集序》美在哪里。

　　所以说，审美能力是有高低之分的，这个高低在于对被审作品的相关知识的了解程度。但“美”本身是没有优劣之分的，只有个人喜好之分，纵使一个人对书法有再深的研究，也完全可以觉得《兰亭集序》是不美的。

　　而现当代的艺术品，往往追求的都是这种内在美，其外在不仅可能是不美的，甚至可能是令人恶心的，例如达明·赫斯特的《一千年》（由腐烂的牛头、苍蝇和蛆组成）。

　　当我们在讨论“美”的时候，往往把这两者混为一谈，甚至把美的表象、美的品质、人类的崇高之情和深邃的思想都称之为“美”，最终导致了美的滥用，也导致了很多人高举“美学”的大旗攻击现当代的艺术。

　　既然如此，也就能够明白丹托为什么希望把“艺术的美”从“美学”中分割出来，称之为“艺术哲学”了。

　　实际上，现当代艺术家，致力于通过艺术来传达自己的理念，引发观众的思考和情绪上的共鸣，让艺术成为一种思想的象征，已然属于“哲学”的范畴，称之为“艺术哲学”也是极为恰当的了。

　　《美的滥用》读后感(四)：美、美学、艺术

　　很清晰地记得某一次跟某位同学聊天时，不经意间说到什么是美，我说这是美学问题，探讨起来比较复杂，但很有意思，没想到对方很不屑地回我一句，说：“我才讨厌它呢，说什么丑也是美，简直是自欺欺人。”我哑然。

　　确实，把丑说成美在平常人看来是有些毛病，可是，我们都知道，当代艺术却往往愿意把丑的、甚至恶心的东西拿出来展览，作为时髦的艺术品，和艺术理念。比如杜尚拿小便池去展览，还比如雕像《世界王子》背部的蛆虫、如粪便状的塑料展览……这些都成为了艺术作品或者说艺术行为。这些被称作艺术品的东西令人恶心，我们会说它很美吗？不美，但它是艺术品啊，不美的东西怎么可以够得上艺术呢？

　　带着这样的问题，我们已经纳闷了很多次，如今我介绍一本书，它可以帮我们提供一种解释，让我们安心的接受，而不至于混乱我们的美丑感，以至于重拾我们对于自己眼睛很审美能力的自信。这就是丹托的《美的滥用》。

　　丹托这人我就不介绍了，他只是一个艺术哲学家而已，其余的都是符号，因为对于不认识他的我们，再多的文字介绍始终都是停留在文字上的符号而已。他写过一系类的书，都是探讨美、美学与艺术的问题。如我们一样，对于当代艺术表现丑陋和恶心的事物感到很纳闷，但他迎难而上，选择了哲学，去探讨这样一个非常实用的问题，今天我们看他的书，好像捡了便宜，阅读起来难免要偷偷地乐。

　　丹托告诉我们，艺术不一定是美的，美学也不只是研究美的艺术。现代艺术不是为了美，而是为了不美。他们在反对美，比如波德莱尔以及兰波的诗，还比如达达派的艺术理念，还比如杜尚的一系列艺术品……他们不是为美而来的，美成为了他们的大敌，他们要击毁它、诅咒它，彻底抛弃美的艺术。因此，他们的作品是一种不美的艺术品，他们要的就是恶心，就是丑，要的就是观众的反感和厌恶感，如果哪一位观众对着爬满蛆虫的“世界王子”说它很美，那不是它的作者想要的观众，当然更不是常人可以接受的类型，因为他们实在变态。

　　但这就遇到一个问题，创造恶心的作品难道就是为了捣毁传统观念吗？一开始的作品可能有这种打算。但是，在现代主义的长久历史阶段中，这却始终是一种时髦，为什么呢？丹托说这些艺术品不表现美，而是表现思想。他引用了康德等人的传统思想，说明了艺术作为艺术它具有的“内在美”，即思想，观念。现代艺术给我们呈现恶心的东西，目的无非就是让活在看似光鲜的生活里面的人们认识到这个世界本质上的丑和恶心，认识到丑和恶心的时刻存在，认识到人生命的最终死亡和肉体的最终爬满蛆虫……或者是有某些政治意见的表达，或者是某种审美观念的希望革新……艺术家们才不管丑还是美，有了一个思想需要表达，那么他就需要呈现出任何一个东西，这东西可以是日常生活中常见的包装纸箱、小便池、肥皂盒，甚至毫不起眼的梳子；也可是让人恶心的呕吐物、粪便、毛发，甚至被扭曲成形态各异的生殖器……

　　丹托用一个内在美，区别了自然美，我们常人提到的美通常是他称之为自然的美，比如大自然的壮观、田野的静谧、古典画的逼真和高雅、苗条的年轻女子……这些东西是美的，但这是自然美，不需要审美教育即可获得，或者说不需要很专门的艺术修养才能感觉到。但是，内在美，用丹托的比喻，是波伏娃热恋着萨特，并不是萨特外表英俊，而是他的才智；雅典人崇拜奇丑的苏格拉底，也是因为他的智慧。艺术也一样，艺术不代表美，它可以是丑的，是令人恶心的，但它具有内在美，这种内在美不是我们眼睛观察到的，不是触动我们视网膜兴奋的，而是需要我们去发觉它的内在美，这种内在美不是美，而是思想，是理念。

　　有丹托的观点，今后我们要是遇到一个奇丑无比的艺术作品，我们尽可以立刻远离它，可以发出厌恶的尖叫，再不需要像弗莱样，看着恶心的东西，却盯着它看硬说它美，或者说艺术家为了表现美而呈现恶心，我们尽可以大胆地说：它是丑的，是恶心的！但我们在描述完它的丑陋和恶心之后，似乎还可以去听听它的主人想通过它说些什么。

　　《美的滥用》读后感(五)：这本书不是为当代艺术辩护。。丹托只是说正经事儿的正经人。。

　　丹托一直在说“艺术终结”了，这是因为，20世纪以来，人们不得不借助于一些观念或者所谓的“知性框架”来认识艺术作品。但是，在前两部讨论艺术合法性问题的书里，丹托似乎没有把问题说透，于是又动手写了这本《美的滥用》，试图解决我们对于“艺术”“美”“艺术品”的混乱认识。然后，试图构建“我们这个时代的艺术哲学”。（丹托是赤果果的黑格尔控。。）

　　首先，现代艺术很少是“美”的。这个问题真是纠结了不少人。但是，问题不是我们如何对现代艺术下定义，问题是，我们如何去反思我们面对现代艺术时候的陈腐观念。在柏拉图、亚里士多德、黑格尔、康德那里，我们彻底放弃了自己的感觉（真没自我），倾向于把“艺术”和“美”等同起来。康德关于“美是道德的象征”的律令，在今天看来也坑爹。这不是在为现代、后现代的disgusting的艺术辩护，而是要去发现我们自身的问题：多大程度上，我们被自古以来的审美观念也框死了？多大程度上，我们遗忘了自己处于多种复杂媒介的世界中？多大程度上，我们们忘了我们向世界敞开的方式了？

　　现代艺术在杜尚的眼中是“一个知性的艺术，不带有任何的感官满足”（7）。而丹托自己也干脆“把难以驾驭的前卫艺术看作是向前迈出一大步的哲学。它有助于说明美不是艺术观念的一部分，美可以出现，也可以不出现，而一些东西仍然是艺术。”在丹托这样的学者来看“美”啊“崇高”啊神马的，都是一种“功能主义”的说法，它们作为激发“审美情感”的工具。人们一开始接受现代艺术的观念是这样的：首先，可能它不够“美”，但是它“可以美”。（还是上了什么知性框架或者知性脚手架的套啊。。）其次，一件东西被认为是“艺术品”之后，人们就为它找“它之所以是”的理由。但是，丹托从黑格尔那里受到启发，认为艺术品的意义是一种知性产品，它是由除了艺术家之外的某个人通过解释来掌握的，艺术品的美（如果确实美的话）能够被看到是由其意义决定的【13】。

　　意义来源自何方？这种解释会不会有危险？是的，当美和道德捆绑在一起的时候，它就进入到了一种“美学政治”的语境中：“美”经常被冠以“普遍的”前缀；“美”经常被嵌入一个以“摹仿”为发端的艺术史观之中。这样，一切的问题又成了康德式的问题：我们能不能认识“美”？不能，我们只能知道它的表象。于是，“艺术品”和“美”的关系的问题被“道德”和“美”的关系问题所掩盖了。纷繁复杂的现代艺术在这些混乱的观念中，变得难以驾驭。所以，一切的问题在“区分”：一定要把这些混乱的观念一缕一缕梳清楚 。事实上，整个20世纪的艺术一个重大的贡献也在于此：它产生了一大堆现代的复杂的审美观念，比之前几个世纪的加在一起还要复杂。

　　区分：

　　丹托认为，以罗杰•弗莱为代表的“布鲁姆斯伯里”们体现了上面说到的“一开始接受现代艺术的观念”的态度：可能它不够“美”，但是它可以“美”。这是因为，弗莱的形式批评把“摹仿”和“美”区分开了，我们不必再把“美”的艺术看做“摹仿”的艺术。但是，他们还是在“美”这个问题上做文章，他们认为一件艺术品一开始开起来也许不“美”，但是借助于一些框架（像弗莱知性脚手架什么的。。），它会被认为是“美”的。这种说法对取消“美”和“丑”在艺术中的对立起到了一定的作用——他们丝毫没有放弃艺术“美的领地”，说到底还是康德控。

　　而在丹托看来，真正的杜尚式的前卫艺术就打破了“美”和“艺术”的隔阂，艺术终于不用被“美”给绑架了。前卫艺术一开始就是“丑”的。关键是，它们是艺术——作为一种有明确立场的艺术（me：我觉得，它们之所以在艺术史里有一席之地的原因，就是它们背后的这个立场）：它们反对将“美”和“意识”框在一个圈里。Too simple and sometimes naïve.这个立场的出现，代表了美的观念政治化的过程。（美学政治和“美”的观念政治化不太一样，但一般可以认为前者比后者的内涵更丰富。）因为“这个社会重视‘美’的价值，也因为美而重视艺术本身。”【32】

　　是启蒙运动赋予了美至高无上的地位•••而事实上，美既不属于艺术的本质，也不属于艺术的定义。【43】美是艺术的选择，并非是必要条件。但它不是生活的选择。它是生活的必要条件，因为我们希望有这样的生活。那就是为什么美不像其他美学特征（包括崇高）那样，是一种价值观。【146】

　　中间省略的一百页，丹托在区分“内在美”和“外在美”：内在于意义中的“美”和外在于意义中的“美”。潜台词是，人就是追寻意义的动物，对“美”的追求很大程度上是对某种意义的构造和追求，所以才会有这么多“美学政治”出现。另外，丹托还提出了“美化”的术语，并把它当做“美”的第三领域：类似于“美容”——任何一种对艺术品的“屈折”，都伴随有象征意义（不一定是“美”的意义）。从“美化”的角度说，这种美是“人工美”，构成一种“仿饰”，一种“矫然”，但是，它不是“伪造”，因为这种“美化”，是有意义的。

　　而“美”与政治的共生关系通常是这样的，且特别体现在当代艺术中：它被期待表现一种反对的、不和谐的声音，并引起某种变革，就像杜尚说的“视网膜的颤动”。而且，它所表现的“内容”（不论是“美”的或是“恶心”的），能让人们非常清楚地明白现实和其“内容”的差距。这个差距拉得越远，其象征的动力系统就转得越快：这就是为毛那些东西让人产生无尽阐释欲望的原因。另外，策展人也在其中拨弄“美”和政治的关系，每一种我们为当代艺术下定义的尝试，背后都站着策展人来push大家潜入深水区。