The Age of Insight读后感100字
《The Age of Insight》是一本由Eric R. Kandel著作，Random House出版的Hardcover图书，本书定价：GBP 30.00，页数：656，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。
《The Age of Insight》精选点评：
●: B842.7/K162
●艺术心理学课的指定书目，还要求写读书报告。有空再po读书报告。
●艺术鉴赏，心理分析及生物学的交汇; 从生物学的角度来鉴赏19世纪末维也纳画派；以画家对人性的洞察来丰富弗洛伊德的精神分析学说。
●看看
●语言非常通俗易读，信息量挺新，挺大。
●坎神的科普之作。和很多neuroscientist一样，拿艺术作品做了个引子，泛泛地介绍脑科学研究的共识性成果，有挂羊头卖狗肉之嫌。（不是说神经科学营养不丰富，而是觉得在一些关键问题，比如风格的个体差异，价值判断的来源以及标准上，神经科学可以做更多的工作）
●今年到现在为止读过的最精彩的书了。我一直以为对艺术作品的感受和理解都是高度私人化的，也许至多能有统一的心理学解释；但这本书展示了它的神经学基础被一步步发掘出来的过程。 真是一个迷人的话题呢，让我第一次觉得用科学来理解艺术但又不瓦解艺术的感染力是可能的。或者说，神经科学帮我们理解的就是对这些感染力的理解本身。 队长同学请看过来，你可能会喜欢~~
●其实里面涉及的心理学知识也没有太复杂，简单易懂
●放弃了，英文太差，实在读不下去了。坐等翻译
●内容繁复
《The Age of Insight》读后感(一)：读书笔记
我把写的读书笔记的“总结”部分粘贴在下面，算是对本书的一种概括。
Eric R. Kandel在这本<The age of insight>中，试图分别从艺术史家和心理学家的角度入手，在陈述了关于奥地利表现主义的三位画家克里姆特、柯克西卡、席勒之后，结合近来的认知心理学、脑科学、生物学的相关研究成果，从自下而上和自上而下两条思路，对三者绘画风格的总体特征、独特的情绪表现技巧进行了深入的、比较令人信服的探讨，同时也在论述之中展现了他们三人各自的特点，最后讨论了画家的创造性这个艺术中最为神秘的话题之一，由此希望对1900年前后的维也纳的艺术变革作出新的解读，也期待能够以这次解读为起点、重新建立起艺术与科学之间早已失落的联系。
作者虽然无意要写一本关于艺术心理学的书，但这本书却是让我们重新开始思考艺术心理学的本质和当前任务。艺术史——精神分析的时代早已过去，艺术史——格式塔心理学也因为自身的弊病而逐渐式微，当下的艺术心理学正是要迎来一个新的时代，一个将艺术史研究与认知心理学、脑科学、生物学相结合的时代。当然，这并不是要让人忽略掉艺术本身的美，而是因为确实有一些已经被艺术史家反复讨论的话题可以从认知心理学、脑科学、生物学的角度重新找到生物性的基础，从而让论证的过程更为坚实有力，同时也有一些让艺术史家迷惑不解的问题其本质更可能是一个心理学的问题，可以通过认知心理学、脑科学、生物学来找到一个令人更加信服的、更加简洁的、更加有力的答案。
最后，Eric R. Kandel的这一场对话、这一座桥梁是建立在当下的认知心理学、脑科学、生物学与20世纪初的奥地利表现主义之间的。这种连接的方式是远远不够的，我们还需要当代艺术与当代科学的对话。这是因为，我们需要不仅是认知心理学、脑科学、生物学单方面的支持艺术，更需要像20世纪初发生在奥地利的社会文化思潮一样——艺术与科学齐头并进。
最后，特别感谢楼上natsukage的“说说内容”，一边看他的总结，一边写作业，收益颇多。
《The Age of Insight》读后感(二)：说说内容
发售前在网上订的，现在读完了，随便说两句吧：
总体来说这本书不如他的自传In search of memory写的好。我觉得是因为
(1)Kandel想要写的东西可能太多太杂了些，内容杂很难揉合成一个有机的整体，不太好平衡广度和深度。读来略感章节间重复较多；章节内部有时候逻辑联系不是很强。
(2)视觉，艺术史和认知心理学毕竟不是Kandel专攻的领域，如果说自传里Kandel可以把早期neuroscience与learning&memory研究的来龙去脉娓娓道来并把个人经历很好的融入其中，这本书里就只能限于介绍一下结果了。
(3)艺术认知是个新领域，实验证据不是很多，谈起来还是比较“玄”，主观成分比较大。其实相关研究，比如关于emotion的生物学基础的研究，目前也还处于非常初级的阶段。 关于意识&潜意识的研究就更加初级了。
总之，如果读者对表现主义艺术，vision，emotion这些话题本来就有比较多的了解，可能会觉得这本书没有多少新鲜的东西，因为大部分内容都是介绍性的，难免有一种左拈右拈，浅尝辄止的感觉。。。
值得一提的是，Kandel认为在接下来的50年里，研究艺术的neurobiology会产生很多有趣的成果。他以个人经历说，在他开始研究学习记忆的时候，别人都认为不可能研究出来多少东西。。。所以艺术的neurobiology研究正处在他开始研究学习记忆前学习记忆研究的状态。。。
不过我个人认为这方面的研究50年内达到如今Learning&Memory研究的程度不大现实。
原因主要是没有合适的动物模型来研究这个问题。用人研究的话，现有功能成像手段的分辨率还是低了些，不大可能达到cellular水平。
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那么这本书到底写了哪些东西呢？
全书分为五个部分
第一部分以art&science of unconciousness为主题，包括第1-10章：
这一部分首先介绍了1900年前后维也纳的社会文化思潮（第1章）和维也纳学派医学（第2章）&精神病学（第4章）的成就。第3章描写了知识分子圈子内活跃的思想交流。
第5-6章介绍了弗洛伊德是如何从研究脑的生物学转变到研究心理分析的，以及他的主要观点。有意思的是，Kandel本人早年是从学习精神分析转到basic neuroscience研究的，因为他认为精神分析的大多数观点很难用实验来支持。在这里Kandel虽然仍指出了精神分析学说的局限，却用更多的笔墨写了精神分析在神经科学发展中的历史地位——精神分析是心理学与biological brain science的间的桥梁，也是认知心理学的原型。
第7章介绍了施尼茨勒的文学作品在表现人心理方面的成就。
第8-10章分别介绍了克利姆特，科柯施卡和席勒的生平与
艺术。着重强调他们对emotion和sexuality的表现。
第二部分从cognitive psychology的角度讨论观众是如何主动地欣赏画作的，主要介绍了艺术史学家李格尔，克里斯和贡布里希的格式塔心理学观点。包括第11-13章。
第三部分包括14-21章，介绍了视觉认知，这部分科普为主。
第14章科普了一下CNS的结构，强调了视觉并不是简单再现外部世界。
第15章介绍了low level视觉，科普了Kuffler的工作。
第16章继续科普了Hubel&Wiesel的工作，以及intermediate leve视觉的其他方面。最后谈了艺术家是如何利用low-intermediate leve视觉的原理的。
第17章介绍了人脸/身体的视觉感知，主要介绍了近几年Doris Tsao等人在猴子上的工作——发现专门识别脸的各个特征的patch。
第18章讲memory是如何被用于top-down processing的。
第19章是关于emotion的general科普。
第20章通过三位维也纳艺术家的画作举例介绍艺术家是如何通过面部表情、手、身体和色彩来表达情感的。
第21章科普了关于emotion processing的理论，还科普了一下杏仁核在emotion加工和社会互动中的作用。
第四部分包括22-26章，讨论观众对画作的反应的生物学基础。
第22章主要科普了prefrontal cortex。
第23章介绍了一些关于美丑认知的生物学证据，谈了对称和夸张的作用，也讲了有关脑区，回路的成像研究。
第24章通过维米尔、委拉斯卡兹和席勒的三幅带镜子的画讲画家如何表现自己以及画中人的内心世界。
第25章科普了theory of mind。
第26章科普了主要的modulation系统。多巴胺，内啡肽，催产素-加压素等。。。
第五部分包括27-32章，主题是艺术与科学的对话。
第27章试图讨论艺术的universality。首先探讨了为什么存在艺术？艺术有何作用？之后讨论了所有艺术的共同性，譬如夸张本质特征，吸引注意力等。最后谈了下这种共性如何体现在三位维也纳艺术家身上。
第28-31章讨论了创造力。
第28章谈了创造力的本质，人和电脑的区别，拥有创造力的条件，创造力与智力的关系，以及创造力的发展过程。
第29章科普了意识和潜意识。
第30章谈了创造力相关的回路。主要谈了左右脑的区别以及相关的成像证据。
第31章谈了大脑发育与创造力。举了自闭症，阅读障碍症和躁郁症的例子。
第32章简短地讨论了艺术与科学的融合。
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最后推荐几本比较经典有趣的相关读物：
Livingstone（Hubel的学生，Doris Tsao的老师)的Vision and Art: The Biology of Seeing
Marr的一代经典：
Vision: A Computational Investigation into the Human Representation and Processing of Visual Information
贡布里希的经典：
Art and Illusion
2012年4月3日
《The Age of Insight》读后感(三)：Wien1900
在现代主义思潮的影响下，维也纳的美术、建筑、心理学、文学和音乐都进入了一个“与过去断裂，由外到内”的探索过程。从弗洛伊德的理论和实操，施尼茨勒的小说，克里姆特，科柯施卡和席勒的画里，我们都能看到对人心理、本质和本能的窥探。
1848年，受法国二月革命的影响，维也纳的资产阶级改革在5月也取得胜利。一系列变化就开始了：奥皇下令拆除旧城墙和设防以修建Ringstrasse，也就是今天的戒指路/环城大道；在Ringstrasse两旁修起了议会、市政厅、歌剧院、国家历史博物馆etc；同时这条大街也促进了外围郊区的手工业者、劳动阶层和市中心的联系。这些进步趋势给一个群体带来了前所未有的影响--Jews：1848年犹太人的宗教活动实现了合法化，之前须缴纳的特殊稅也一并被废除；Jews第一次被允许从事专业性的、政府性的职业；犹太人的教育、基督犹太平民的通婚都得到了立法保护。总之，在奥地利的这一小段历史时期上，anti-Semitism反而是不受欢迎的。自由的另一个表现是哈布斯堡王朝Habsburg Empire间人口流动限制的废除；维也纳便凭借那极具活力的文化生活和经济优势吸引了大量人才，尤其是犹太人的流入。开放的结果就是，1869-1890期间，维也纳的犹太人口从6.6%增到了12%；学术和科学界的文化交流不断增加，教育进入现代化，维也纳大学因此成形--这也是Vienna Modernism能够涌现的重要原因。
这些人才中有各个领域里的现代先锋：
哲学界里，维也纳学派（Moritz Schlick, Rudolf Carnap, Herbert Feigl, Ludwig Wittgenstein）尝试着用逻辑分析的方法探讨哲学，解释现象；经济学上，Carl Menger门格尔, Ludwig von Mises冯·米塞斯创办维也纳经济学院；音乐界，Gustav Mahler率领Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton Webern等人从Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms的古典音乐中实现了传承和创新；建筑上，Otto Wagner, Adolf Loos等人发展出了简洁、实用功能为主的建筑风格，（也为1920s德国包豪斯Bauhaus学校的成立铺了路）；Otto Wagner强调建筑的现代和原创，并且十分注重交通和城市的规划（看看维也纳城的铁路系统、隧道、桥梁吧，会发现Wien的基础设施理念真的比较先进）；设计界，Josef Hoffmann（Wagner的学生）偏爱方形和立体形，其设计格外简洁，现代感超前；文学上，Arthur Schnitzler, Hugo von Hofmannsthal等创办青年维也纳Jung-Wien，文学创作开始告别自然主义，象征、印象派的作品出现了。（顺便科普一下，库布里克的大开眼界剧本就是基于Schnitzler的梦幻记Traumnovelle!); 当然，更重要的领域还发生在科学界，从Carl von Rokitansky到Freud，科学家们关于人类心理psyche崭新的阐释极大改变了人们对思维mind的认知，医学和生物学里的乐观态度正好补充了当时人们的精神危机。世纪之交的维也纳社会出现了大量沙龙和咖啡馆，给科学家、艺术家、文学家等提供了思想交流的平台。人们也逐渐意识到，科学不仅仅属于科学家，更是维也纳文化生活的重要组成部分。这一态度的发展就促使了humanity与science的紧密结合。所以说，1900的维也纳，可以说是欧洲现代主义的首都，是中世纪的君士坦丁堡，是16世纪的佛罗伦萨。
维也纳的现代主义有三个特征：
1、irational。对human mind的认知改变，即认为人们的思维天生就是不理性的。维也纳的现代主义者觉得啊，人们的日常行为中充满了许多无意识的冲突，社会并不是像以前认为的那样基于理性人类的理性行为；通过这些对思维的讨论，modernists挑战着传统价值观念，促使人们去思考行为产生的深层原因，也就是刚才在前面提到的“往内走”。
所以，当同时代世界其他地方的人们试图努力掌握外部世界的时候(eg工业), 维也纳的modernist反而往里看，去理解人类本质中的irrationality，去搞明白irrational的行为是怎样体现在人与人之间的关系的；他们发现，在人们那看起来优雅、文明的装饰下面，存在的不仅仅有无意识的性欲，还有无意识的暴力倾向，也就是Freud讲的death instinct，毁坏冲动, 攻击本能, 侵犯本能。除了他之外，同时代的Schnitzler，Klimt，Kokoschka，Schiele也都进行着自己的探索；从这些人的小说和画作能看出来，他们至少比Freud更了解女性本能，比方说Schinitzler在梦幻记中塑造女主Else体现出的思想就甩同样情境下Freud对Dora的失败治疗不止几条街…
当然，对unconscious思维活动的反思自古就有, Plato, Schopenhauer, Nietzsche, von Helmhlotz etc对吧, 但是弗洛伊德等人发展并且统一了这些想法，使其变得现代和连贯，并且厉害在对这些观点的大众普及和实操上，尤其是对女性思维的认识。
2、自我检视。Freud, Schnitzler, Klimt这些人除了研究他人，还下了很多的功夫来检验自我；不仅仅包括外表上，还有内心世界，特殊癖好，私密想法etc。比方说弗洛伊德在父亲死后就开始把自己当对象进行分析，开始研究countertransference移情（即病人对他的影响); Kokoschka和Schiele的画儿也都是基于自己的体验，尤其是Schiele，画了无数自个儿的肖像，这跟他的苦痛开始的比较早也有关吧；Schnitzler同样如此，但他的小说和其人反而是矛盾的，他给人感觉是通过文字purify了自己。总之，通过自我分析，这些人沉到自己的psyche里，理解并且描绘了一些本能的冲突和感觉，同时创造出了了不起的作品。
3、跨学科。个人觉得这是最重要的特征。前面说到，文化开放促使维也纳立起了一所综合大学，逐渐设置了医学、艺术、建筑、艺术评论等学科；文理之间的对话使得维也纳的科学有了新的发展，尤其是医学。维也纳大学医学院重要的领头人是Rokitansky（此人喜欢Darwin），他有个很大的创新就是，将病人活时的临床观察和死后的尸检结合起来！因为在他之前这两个操作是完全独立的，而且医生普遍认为人死后得出的检查结果是没有分析效用的，所以R的做法是一个很大的突破，可以拿到更准确的病理分析对吧，真是聪明！这一做法可以说是Vienna1900“往里走 往下走 往深层次走”思想的先驱，接着从医学传播到了其他各个领域，那么这个传播怎么起来的？跟Rokitansky的徒弟很有关系：
Freud和R虽然没有很多的直接联系，但Freud1873进入维也纳大学学医的时候，正好是R影响的巅峰时期，所以Freud的早期思想很受R的塑造；R退休之后，其俩徒弟von Brücke和Theodor Meynert正好是弗洛伊德的导师。
Emil Zuckerkandl，R之后维大医学院比较重要的角色，Schnitzler（他一开始也是个医僧噢）就和Zuckerkandl一起工作过。Zuckerkandl在解剖学上是有蛮大的贡献的，他大概研究过嗅觉，解剖鼻子，我们头里有个脑沟还是以他命名的哈哈。
重点要说一下Zuckerkandl他老婆Berta，生物学和达尔文演化论的学生，嫁给了学解剖的Zuckerkandl，是维也纳当时最有影响的沙龙女主人、评论家、作家、萨尔茨堡音乐节联合创始人etc，反正就是很厉害。Berta的艺术鉴赏力使她成为了当时很多艺术家的伯乐，她的沙龙里聚集了各路人才：Schnitzler、Max Reinhardt、Gustav Mahler，etc。当然，Klimt更是常客。
Zuckerkandl夫妇真是拿Klimt当苗子来培养：Zucker先是请Klimt去旁观他解剖大体，从中Klimt学习了很多人类机体“内”的东西；之后Klimt又建议Zucker给自己在内的一群艺术家、作家和音乐家们上了几堂关于生物和生理学的课，那么在讲课中，Zucker就解释了很多生命产生发展的过程，比方说一个卵子是如何受精并且发展成胚胎和胎儿的etc，给了这群艺术家，尤其是给了Klimt很大的启发。胚胎学之外，Zucker还将达尔文演化论介绍给了Klimt。然后Klimt自己去看了很多达尔文著作；从此这俩主题贯穿Klimt的创作。
Klimt1862年生于维也纳，金匠之子，从小就表现了超凡的绘画技巧。直接跳过高中，小小年纪去维也纳艺术学校学建筑装饰画去了。维也纳环城大道（就最开始提到的那条街）快要修完的时候，他毕业了。修街的那个人Hans Makart，当时传统画画得很好，Kilmt特崇拜人家。Makart1884去世之后，Klimt和他兄弟被邀请去完成Ringstrasse最后两栋建筑的装饰。其中的一副已经展现了Klimt独特的视角和对传统的脱离--作为剧院墙壁的装饰画，Klimt描绘的是舞台下各观众及其反应。
1892年，Klimt的父亲和兄弟相继去世，他开始扶持兄弟的遗孀Helene，便结识且爱上了Helene的妹妹Emilie，也是个艺术家。这些事儿无疑对Klimt的绘画表现有很大的影响，尤其是那些女人素描。1894年他受政府邀约来装饰维也纳大学的展厅，来庆祝医学系、法律系、哲学系的创办；见下图。Klimt大胆的风格显然不是所有人立马都能欣赏的，“我们不是反对裸体，我们反对的是丑陋！”--这三幅壁画受到了猛烈攻击--不仅仅是因为内容，而且因为它们打破了文艺复兴以来正统绘画的所有传统，比方说没有立体感、层次感，何况这壁画儿是放在正八经儿台面上的，你竟然画成这副鬼样--所以你Klimt就是heresy，就是异端；Berta，我们伟大的沙龙女主，此时当然站出来支持Klimt；作为回击，Klimt又以贝多芬第九交响乐为主题画了一副Beethoven Frieze，要表现出对幸福、对爱的挣扎和渴望--当然，对那些批评家来讲，Klimt又玷污了伟大的贝多芬。
然而，Klimt这种对愤怒、对变形、对挣扎、对疼痛“由内到外”的真实般的弗洛伊德般的揭示，极大影响了同代画家Kokoschka和Schiele。
Klimt有很多情人。女性也一直是他画中的重要对象。当中最特殊的应该是下面这位Adele。
Adele Bauer出身名门，其父亲是维也纳银行家且掌管铁路。1890s和Klimt认识，并且比较有可能曾是恋爱关系。在父母安排下，1899年Adele和Ferdinand Bloch，一个银行家和糖果生产商，结婚。她18他35。俩人都热爱艺术，也是好几个艺术家的伯乐，并且Adele也有自己的salon哟。
Klimt给Adele画了两幅肖像(1907/1912), 第一幅是应Adele老公Ferdinand的邀请而创。这幅画在二战期间被纳粹偷走，直到2006年才被Bloch-Bauer的后人追回来，关于这段曲折的故事还有个电影--Helen Mirren爵士主演的《金衣女人》，评分一般，但还原了历史真相；找了一堆德国演员，包括Daniel Brühl，可惜只是来打酱油的。
Adele I 中，对黄金的大胆运用直接体现了Klimt金匠出身的精细技巧；这幅画的第二个特点是二维平面化，Klimt将古典肖像强调的写实和立体一巴掌拍平，各个边界是融合的，这让观者很难注意到其实画中人是坐在椅子上的，黄金椅和黄金衣的界限难以辨认啊--这其实跟他在1903年作这幅画前去了一趟意大利有关，Klimt在Ravenna研究了拜占庭的马赛克艺术，尤其受下面这幅Empress Theodora（查士丁尼一世的老婆）的影响，认为二维带给图像一种抽象的永恒感，这种充满韵律的二维结构不同于自然主义的写实；第三点，同马赛克一样，Klimt的Adele I中也充满几何形状，并且对几何形状的运用，Klimt完全有自己的主意，充分反映了现代生物学对他的影响--Adele裙子上和两旁的图形不是单纯的装饰，而代表着两类细胞，长方形的精子和椭圆形的卵子。生殖细胞代表的旺盛繁殖力也恰好对应着被画者充满诱惑力的脸。上面这幅从wiki档下来的阴沉沉的图片展示不出啥细节，大家有机会在扭腰看看真迹吧。
Adele II 中，我们还能看到一点东方元素，体现出日本画对Klimt的影响。还有值得一提的是：这幅画Oprah Winfrey曾买入，2016年卖给了一位中国买家，所以这幅现在仍然是私人藏品。
关于Klimt和Adele是否有私情，没有啥定论；不过Klimt的其他画的确有极强的暗示，比方说这幅很有名的The Kiss--画中两人被长衣包裹，彼此间的衣服乍一看也是融合的，衣物缀满方形和圆形的象征符号，脚下的花丛更是展现着female fertility; 除了这些，更隐晦一点的是画中人代表的形象--观者肯定会去猜想，这男的是Klimt么，女人是Adele吧，你看她右手的那根畸形手指简直跟Adele I中的那根一模一样鸭！
Klimt的女体素描也有内向的突破，画中人完全无视画外的观者，沉浸在自我的世界中，展现的是自我满足和无意识的精神表现，而不是对照相机、对摄影师的刻意和造作。这恰是Klimt应对photograph普及以来对画家所造成挑战的方法。
