美的情绪：西洋画派十二讲读后感10篇
《美的情绪：西洋画派十二讲》是一本由丰子恺著作，北京日报出版社丨阳光博客出版的平装图书，本书定价：78.00元，页数：288，文章吧小编精心整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。
《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(一)：佛心婴行：艺术的最终出口与人生的无尽世相
丰子恺（1898年11月9日－1975年9月15日）文/宝木笑
艺术与境界仿佛是天生的情人，因为“文无第一”的缘故，让他们注定不能直接堂而皇之地在一起，但也因为这个缘故，让人们对艺术与境界的关系充满着各种猜测与揣度，同时在心里早已认定他们就是天生的一对儿。是的，虽然到底什么样的作品才能算作更高层次的艺术并没有定论，但人们心照不宣的是，更高层次的艺术必然身边相伴着更高层面的境界。纵观整个人类的艺术史，这确实是一个敏感而充满争议的问题，因为“高”与“低”本身就意味着原罪，“阳春白雪”和“下里巴人”之争代表着人类“轰轰烈烈”的艺术观革命史。然而，人类永远不可能结束对艺术最终出口的思考，但其实艺术早已对境界以身相许，等待的只不过是艺术家自己的破茧成蝶。
正是在这个意义上，丰子恺先生的艺术人生在今天更值得我们回望和深思。这位被称为“现代中国最像艺术家的艺术家”走过清末，跨越民国，经历解放，遭遇浩劫，沧海桑田，身世浮沉，如果艺术注定要与境界在一起，那丰子恺先生无疑用一生擦肩而过的无尽世相见证了那个最终出口的存在。最近的这套丛书《丰子恺艺术四书》更像是丰子恺先生音容笑貌的再次呈现，《慈悲的滋味:丰子恺散文漫画精选集》是将老先生最为人熟知的艺术作品进行回顾，而《认识绘画：丰子恺绘画十六讲》、《认识建筑：丰子恺建筑六讲》和《美的情绪：西洋画派十二讲》实为老先生当年艺术启蒙的讲义。这套丛书在选题上的妙处恰在此处，人们既可以感受先生的作品魅力，又可以领略到其美学主张和艺术思想，由此通过由外而内的作品，加之由内而外的主张，两相对照，便使进一步感知丰子恺先生艺术境界的表象和实在成为了可能。
1898年，清光绪二十四年，那正是戊戌变法的山河之秋，中国毕竟没有再向幻想中的“中兴维新”迈出半步。11月9日，距离六君子血洒菜市口一月余，风口浪尖上的中国仍然纷扰，远在数千里之外的浙江嘉兴桐乡石门镇却并未感受太多那些政治的风潮，那一天，家境殷实的丰家终于迎来了一枚男婴。丰子恺父亲只有妹一人，之前仅是六个女儿，在当时延续香火为最重的社会环境下，丰子恺的降生让整个丰氏家族欢喜异常。从此，丰子恺便被浓浓的宠爱所包围，祖母、父母、姑姑、姐姐们都把丰子恺视为宝玉一样的存在，故丰父为其取乳名“慈玉”。江南本就水温情柔，加之这样的家庭环境，丰子恺因此从小便在温情中成长，虽无数人对这样环境中成长的人往往无法抑制地心存芥蒂，甚至百般讥讽和蔑视，然而我们愤怒的往往正是自己不曾拥有的，不然为何如今“快乐童年”高于一切，“爱的教育”轰轰然大行其道？
家庭的爱让丰子恺拥有了让人羡慕的童年，也让他格外珍视家庭和孩子，丰子恺共有七个子女，其爱孩子在当时的文化界就相当出名，他从来都不是也不愿做什么“严父”，他只想与孩子们一起度过美好的人生。人生无尽世相，丰子恺独爱“童心相”，进而将自己的美学主张和艺术追求付诸于此，一直以来，丰子恺以其“童心之境”得到学界和世人的认可。丰子恺一生爱孩子、写孩子、画孩子，他的创作也以“童心相”为最主要的素材，而他的一群儿女则是他诸多经典随笔与漫画的主角和原型。《瞻瞻的车》画的是他的长子，《阿宝赤膊》描的是他的长女，此中种种在《慈悲的滋味:丰子恺散文漫画精选集》中展现得尤为突出。
这背后是丰子恺对“童心”的真诚尊重和赞美。丰子恺曾给孩子们写过一封著名的家书叫《给我的孩子们》，他十分赞赏长子瞻瞻是一个“身心全部公开的真人”，生活里的小小失意，比如花生米打翻了，嚼舌头了，小猫不肯吃糕了，瞻瞻都要哭得嘴唇发白。再如丰子恺在漫画里画得最多的是大女儿阿宝，有一回，阿宝拿了自己的鞋子给凳子穿，还得意地叫：“阿宝两只脚，凳子四只脚”，她母亲连忙喊：“龌龊了袜子！”丰子恺却很赞同女儿的调皮，反倒觉得自己的太太“何等杀风景而野蛮”。
而这也让丰子恺慢慢形成了自己独特的艺术风格和艺术语言。既然“童心相”以儿童为宗主，那么在笔法方面必然需要线条简洁而概括，在色彩方面需要单纯而亲和，在整体的画风方面往往显得朴拙可爱。丰子恺的散文亦多这样的风格，《慈悲的滋味》中的《闲居》、《塘栖》、《梧桐树》等“人间世”，以至“山水间”到“众生相”都无不带着浓浓的旧时沉静的味道。或者可以这样说，丰子恺一直在用孩童的眼光看待这个世界，感受丰子恺的《西洋画派十二讲》、《绘画十六讲》，我们有理由相信，如果丰子恺愿意，他完全可以以当时中国最前卫的画家姿态收获无数粉丝。亦或凭借其对外国文化的深刻理解（此处可见《建筑六讲》），像当时很多围着长长围巾的时髦青年一般充当一回文化领袖。
然而，丰子恺一直保持了自己的“童心相”，而且终其一生，一直以“温柔敦厚”为文化界所深深尊重。从丰子恺的身世看，如果说“童心相”能否伴随人的一生，这多少有些天数的味道，毕竟“善”的种子在这个世界上也不是普惠播撒的。那么，丰子恺后来的求学历程则让我们相信，甚至颇为感慨，如今的中国，大师近乎绝迹，实在是因为断了传承。1914年，丰子恺考上了浙江省立第一师范学校，正是在那里，丰子恺结识了对他的一生产生重大影响的两位老师——李叔同和夏丏尊。李叔同即后来的弘一法师，其多才多艺闻名天下，于文学、戏剧、书法、篆刻、音乐、美术无一不精，夏丏尊乃鲁迅、叶圣陶挚友，新文化运动的扛旗者之一，为当时影响很大的文学家、语文学家、出版家和翻译家。
在这样的大师熏陶下，加之丰子恺的父亲本身就为清末举人，丰子恺虽学贯中西，但内里仍然带着浓浓的中国标准读书人的风致，即《礼记•经解》所云“温柔敦厚，《诗》教也”。世人皆说丰子恺由“童心相”直入“慈悲相”，其实并不尽然，这中间还有丰子恺的“儒者相”，丰子恺从来不是“铜琵琶、铁绰板”的大汉，他是宽带博冠、灵气似水的江南读书人。“温柔敦厚”完全可以作为丰子恺艺术主张的注脚，在《丰子恺艺术四书》中关于建筑、绘画和西洋画派的三本当年讲义中，我们没有看到任何偏激的观念，对各家艺术和主义，丰子恺总是娓娓道来，不愠不火。他在《认识绘画》中比较中国画与西洋画，仅仅从二者的不同切入，并不武断分别高下，本本分分地探讨两者的艺术差别和各自的短长。即使是在其中的一篇《中国美术的优胜》中谈论印象派受东洋画风影响一节，也仅仅说因为中国画的“清新”和西洋画的“切实”，以至在人的心灵最妙处的活动上，“西洋画毕竟让中国画一筹”。这一个“让”字也许是丰子恺在当时讲座时无意为之，但这一个“让”字却让满满民国范儿的读书人形象跃然纸上，何为读书人的“温柔敦厚”，实在是应如此“文质彬彬”。
不过，这种传统读书人的“儒者相”因为各种各样的原因早已湮没在二十世纪的人间世之中。然而，如今回首，我们仍然不免震撼于丰子恺的“全才”之学，画家、散文家、美术教育家、音乐教育家、漫画家、书法家、翻译家，这简直是超乎想象的一件事情，但在“儒者相”的世界中却是一种必然，“礼、乐、射、御、书、数”的六艺虽然是太古之事，但这种“全才”的方向仍然是大师诞生的土壤。如果说《丰子恺艺术四书》中的认识绘画和西洋画派的内容权可算作我们认为的丰子恺的“本业”，那么丰子恺的《建筑六讲》确实深得这种“全才”之要。在这六讲中，从埃及时代最伟大的建筑——坟墓，到希腊时代的神殿，再到中世纪的寺院，及至近代的宫室和现代的商店，桩桩件件，深入浅出，不仅涉及希腊建筑视觉矫正这样的专业，更将建筑的发展与经济、政治、宗教、文化的深层关系抽丝剥茧，其中貌似毫不费力的信手拈来的背后，正是历经无数推翻打倒后仍然不会死去的“儒者相”。
值得注意的是，往往带着如此“童心相”和“儒者相”的读书人最后都迈向了“慈悲相”，这是一种善缘累积的必然，更是一种思想境界的升华。这好像又回到我们开篇所提到的，艺术和境界仿佛是天生的情人，单纯在“术”的方面追求极致，那无非是缘木求鱼，往往只有在“道”的层面上破茧成蝶，方才有着以境孕艺的可能。而人生如若常怀赤子之心，坚守温柔敦厚，机缘所致自会遇见慈悲的妙莲，一旦越过这一重，境界只是水到渠成。对于丰子恺来说，他的机缘在很大程度上来自恩师李叔同，在浙江省立第一师范学校的时候，丰子恺就和李叔同亲近，1918年李叔同出家为僧，而到了1927年丰子恺29岁生日那天，丰子恺则拜弘一大师为师，皈依佛教，法名婴行。“婴行”，也即“婴儿行”，为《涅盘经》列举菩萨所修的五种行法之一，丰子恺一直以来崇尚“童心”，行为温柔敦厚，此法名确实甚为妥当。
更由此，丰子恺对于艺术的思索发生了量变到质变的升华，那艺术最终出口的终极问题在丰子恺的艺术实践中呼之欲出。“慈悲相”源于“慈悲心”，慈爱众生并给予快乐，称为慈，同感其苦，怜悯众生，并拔除其苦，称为悲，佛陀之悲乃是以众生苦为己苦的同心同感，故称同体大悲。而在艺术上，这实际上是一种“无功利”和“同情感”相互杂糅的艺术理念。丰子恺的时代正是西方艺术理论大量引入中国的时代，丰子恺和其好友朱光潜都是赞赏“审美无利害性”这一西方美学命题的。同时，丰子恺对于德国美学家利普斯的“移情说”是非常推崇的，在理解和吸收了利普斯“审美的移情作用”基础上，丰子恺在坚守一直以来所强调的艺术的情感本质的同时，也开始关注艺术的道德功能，明确提出“艺术要以仁为本，艺术家必为仁者”的论断。
正因此，我们透过《丰子恺艺术四书》丰富的内容，可以感受到其背后的一种统一。前面我们说到在《绘画十六讲》中，丰子恺对于中西方的画作几乎均未在高下方面给予言说，而在《西洋画派十二讲》中，丰子恺更是采取一种包容和欣赏的态度给予详细解说。其实，“审美无利害性”或者“无功利”的进一步就近似佛家的“无差别心”，“慈悲心”当然包容，故而，即使在谈到完全没有内容，绘图都是图式的达达派虚无主义艺术的时候，丰子恺也并未给予轻率地否定。相反，丰子恺从基督教地下礼拜堂的壁画说起，当年那些壁画也全无绘画的形式美，在基督徒以外的人看来也全然无味，然而基督徒看了都会认出这画是救世主的“记号”。同样的道理，丰子恺觉得达达派的绘画也是这样，我们可以不理解，但我们不必忙着去否定和攻击，因为“我们倘加入了达达的团体，同化于达达的精神中”，也就可能会“悟得这等画的意义，而承认其画的存在价值”。
在丰子恺将“无功利”升华为这种“包容心”的同时，他并未像个别人所攻讦的那样，成为了艺术界的“老好人”，相反，丰子恺一生推崇“童心”，践行“婴行”，他对于自己的态度和意见往往会直言其事。这种佛心慈悲和金刚怒目的调和，在《认识建筑》中表现得尤为突出，丰子恺在建筑六讲中，赞叹了埃及金字塔和神庙的“高、大、厚”、希腊神殿空前绝后的优美造型、哥特教堂庄严的“尖与高”、近代宫室的美轮美奂、现代商业建筑的富丽堂皇，因为这些都是美的，审美归根到底是人的感情，不需要戴什么有色眼镜。但同时，丰子恺也一针见血地指出这些建筑背后的道德短板，庙宇、教堂、宫殿的高大威严，无非想让“人民望见这种建筑时，感情上先受压迫，大家畏缩、震慑，不敢反抗他的专制”，商业化的建筑更是在埃及坟墓的“大”和中世纪教堂的“高”之外加上了现代的“新”和“奇”，无非是夸示资本势力的广告，以至“坐在银幕面前而把高层建筑看作墓碑时，便见纽约市墓碑林立，好像一个公墓”。
也正是在这种“无功利”和“同情感”相互杂糅的艺术理念实践中，丰子恺渐渐找到了那个艺术的最终出口：艺术并不是空中楼阁，更不是哗众取宠，艺术是心之所向，心所在的位置，就是境界所在的层面，境界所在的层面，就是艺术所在的高度。而这个艺术的最终出口，更像是一种经历了人生无尽世相后的顿悟，在丰子恺这里，他将这种顿悟归结为“慈悲”。如何实现这种慈悲？丰子恺用一生修为给出的答案便是寥寥四字——“佛心婴行”，用一颗慈悲之心像孩子一般去做自己想做之事。大道至简，所谓修行并不神秘，无非洗衣砍柴，困时则眠，饥来则食。还原到艺术，则有了《丰子恺艺术四书》，所以老先生才会从最基本的铅笔、橡皮、纸张讲起，才会从最普通的光线、色彩、形状道来，才会从最原始的石块、柱子、浮雕说话，才会有了《儿女》、《物语》、《西湖船》、《梧桐树》……
只是，这种借以晓悟艺术最终出口的人生无尽世相，却是丰子恺历经太多坎坷和磨难换得的。“七七事变”后，家国难存，丰子恺只能率全家逃难，目睹了同胞苦难，只能长歌当哭，1937年编成《漫画日本侵华史》出版，之后辗转颠沛难以详述。1966年6月，丰子恺被人贴了大字报，罪名是他的随笔《阿咪》中“猫伯伯”有映射“毛伯伯”之嫌，从此，厄运接踵而至，他的漫画和文章被接二连三的检举，罪名铺天盖地。丰子恺幼女丰一吟女士在文章《苦酒》中曾回忆道：
“有一天，父亲面色阴郁回到家里，坐在食桌旁要求家人给他一杯酒，然而端起杯子时，却又眉头紧蹙，良久不饮，心事忡忡。母亲惶恐地问他何以如此。父亲忽然哽咽道：‘他们逼我承认反D反SH主义，说如果不承认，就要开大规模的群众大会来批斗我……我实在是热爱D，热爱新中国，热爱SH主义的啊!可是他们不让我爱，他们不许我爱……’话未说完，早已老泪纵横，溅落杯中。”《阿咪》中的插画佛心不是无心，婴行不是愚行。在丰一吟女士说到的这件事发生后不久，丰子恺便仿佛在那杯苦酒中彻底涅槃，他偷偷翻出过往在弘一法师身边记录的片语只言，阅后即焚。从此好像换了一个人似的，冷眼旁观那个狂欢季节周围的无尽世相，留在人间世的仿佛只是他的肉身。画家俞云阶当时与丰子恺同住“牛棚”，他是这样回忆当年的丰子恺的：
“当时，国无国法，‘棚’却有‘棚’规。每天，我们必须清晨五点到‘牛棚’，去作早请示；回家时，胸口挂的‘牛鬼蛇神’标志牌不让摘下，以便使我们的‘资产阶级思想’让路人皆知。我可受不了，一出‘牛棚’便把牌子扯下塞入口袋，免得让家人心惊胆颤。丰先生似乎永远戴着牌子。一次，我乘26路电车，恰逢他从陕西路站上车，胸前赫然挂着‘反动学术权威丰子恺’的标志牌，车上许多人围着他起哄，有人高喊打倒他；丰先生并不在意，自管自紧拽车顶扶杆，纹丝不动，眼睛定定地眺望窗外，人站得笔直，像块厚实的木板。我想，他也许真的四大皆空了。”每每看到此处，不禁总是会想丰子恺先生“眼睛定定地眺望窗外”是在看什么呢？也许是两旁匆匆而过、亢奋异常的土色的人群，也许是四周披红挂绿的熟悉而陌生街景……也许先生望向了更远的地方。在那里，他以“护生”为集，规劝世人枝头一朵美丽的鲜花，请不要随手摘下来揉碎，一条美丽的小鱼，在缸里游来游去煞是可爱，请不要从缸中拿出来玩弄致死，“护生”实为“护心”，心无所护，艺无所出；也是在那里，他曾携家带口隐居缘缘堂，读书作画，写文赋诗，山妻稚女悉迎到，时列绿樽酣酒歌；是啊，在那里，江南好，风景旧曾谙，日出江花红胜火，春来江水绿如蓝。
1975年，乙卯，中国仍然多事之秋。邓公复出，全面整顿，却又被批，国内形势急转直下，蒋中正去世，中原逐鹿终成台岛一梦，世界最大的水库垮坝人为惨剧——河南驻马店垮坝事件发生，1015万人受灾，超过2.6万人死难……从戊戌年一路走来的丰子恺感觉有些累了，8月,丰子恺先生手臂麻木,低烧不退，8月15日,病情转重,随即住进大华医院，9月15日,先生在上海与世长辞,享年七十七岁。丰子恺先生的外孙和外孙女回忆，在人生的最后半个月，老先生一直话语困难，但却在弥留之际突然轻轻哼诵陆游的《示儿》：“死去元知万事空，但悲不见九州同。王师北定中原日，家祭无忘告乃翁。”
不乱于心,不困于情。不畏将来,不念过往。如此,安好。 深谋若谷,深交若水。深明大义,深悉小节。已然,静舒。 善宽以怀,善感以恩。善博以浪,善精以业。这般,最佳。 勿感于时,勿伤于怀。勿耽美色,勿沉虚妄。从今,进取。无愧于天,无愧于地。无怍于人,无惧于鬼。这样,人生。——丰子恺•《不宠无惊过一生》—END—
《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(二)：首先要有绘画鉴赏的素养
《美的情绪》
对于绘画类的书籍，我是第一次接触，所以书中的文字看起来着实有些混，看的也不是一般的慢，对于没有艺术细胞的人来说，可以是最想翻完的书了。
丰子恺先生说：“绘画是以时代精神与文化为背景的，是一时代的人的人生观、自然观、世界观的表现，是画家的思想、人格的表现。故各画派的分别，不仅是表面的差异，不能用一两句话来说明，不是向来不留意于画的人所能一望而知的。所以要获得鉴别画派的能力，必先具有一点绘画鉴赏的素养。这素养越多，对于绘画的理解越深。”
说起绘画，我首先想到的是达•芬奇的《蒙娜丽莎》，这幅画是耳熟能详的了，但要说画派，我就一窍不通了。书中说，要说画派，必须从时代文化说起。文艺复兴，经济、社会、精神一齐发达，这种精神的跃进，为近代文化的第一步。第二步便是法兰西大革命，个人解放与社会解放，为文艺复兴以后的、近代人类精神上的两大潮流。第三便是十九世纪的科学昌明，什么都拿科学来解决。文艺复兴之后，产生了巴洛克与洛可可的艺术。法兰西革命后便有所谓的“古典派”“浪漫派”，这只能说是“现代绘画的先驱”。入科学昌明的现代后，就是极端的“抽象派”“达达派”。
入了十九世纪的自然主义时代，始有独立的风景画，这是画派最显著痕迹。写实派是米勒、库尔贝，重形的写实，印象派的莫奈、马奈重光与色的写实，新印象派首领为修拉与西涅克，后期印象派的主旨是以人格征服自然，这派的画家在当代最有名，即塞纳，梵高，高更三大家，野兽派的大作家是马蒂斯，注重内心的运动，立体派的首领是西班牙人毕加索，不重形似，把形解散，重新组织起来，未来派的主将是意大利诗人马里内蒂，主张以为凡物动的时候，其形常常变动，抽象派是俄国人康定斯基昌立的，全抽象的线与色，表现派的主导者是佩克斯坦，以意力表现为第一要义，达达派的主导者是特里斯唐•查拉，用记号的、图式的表现。
《美的情绪》——西洋画派十二讲就是讲述这几大画派。
《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(三)：我们为什么非要了解艺术 ——《丰子恺艺术四书》编辑手记
1.当我们聊艺术的时候，我们在聊些什么
今年我们恐怕很难不聊艺术。前有国博的大英博物馆特展，精挑细选的100件文物中不乏艺术精品；后有故宫博物院展出《千里江山图》火爆京城，“排队两小时，看画五分钟”的参观体验也浇不灭大家的热情，据说展览最后一天观众排队直到晚上11点多；年末又有电影《至爱梵高》用前所未有的方式，将梵高的故事和作品呈现在大银幕上。在这样一轮又一轮的信息轰炸后，关于艺术，我们随随便便都能聊上几句：“葛饰北斋的《神奈川冲浪里》没来参展真太可惜了！”“18岁就能画出这样的作品，王希孟真天才少年啊！”“所以，梵高到底是怎么死的……”
是不是我们对这些高大上的艺术家越了解，说起他们的八卦轶事就像在说某个邻居家的大兄弟，就代表我们站得离艺术越近？
恐怕……还真是。
丰子恺说过，有一类艺术家，“我们要理解他的作品，先须理解他的性格与生活。不能离开了其人生而仅看其作品……梵高的作品，都是其热狂的全生涯中的苦恼、忧愁、愤激、铭感、欢喜、活悦的发现，都是热血所染成的人生记录。换言之，在梵高，生活是作品的说明文”。
看来，对于梵高这类燃烧生命去创作艺术的人，了解他的轶事对于理解他的作品来说简直至关重要！
更何况，不管从哪个点切入，八卦也好，猎奇也罢，哪怕只是为了增加谈资，亲近艺术本身就是一个积极的开端。
只是，我们决不能止步于此。那些我们出于兴趣而了解到的点点滴滴，如果没有一个整体框架把它们关联起来，就会像一把散珠子，串不成一条完整的项链。想象一下，如果你的孩子问你：“《千里江山图》和《星空》哪个更厉害？”你会不会大手一挥告诉他说，“宝贝，它们不同时代不同国家，没法比较。它们之间压根儿没关系”？
梵高《星空》2. 建立基本的艺术观，跟着大师走就对了
对于对艺术感兴趣、却没有受过系统教育的大多数人来说，为自己的艺术格局搭建起大框架非常有必要，这也是我们从丰子恺先生的众多文章中选编入《丰子恺艺术四书》的考量标准。
以《认识绘画》为例，书中不仅讲了绘画的入门知识，更有美术与文学之间的跨领域对照，以及中国美术和西方美术的横向对比。丰子恺充满艺术自信地提出“中国美术优胜于西洋美术”，这与我们现在普遍更关注、更推崇西方美术的倾向刚好相反。
即便你没有挤在故宫的人潮里去看《千里江山图》真迹也会知道，中国画没有背景，大多数水墨画甚至没有颜色，至于每个初学画者第一课就会接触到的透视关系，在中国画里根本不存在！丰子恺随手挑了一张《仇文合制西厢记图册》里的插画，自己动手用正确的透视关系将它重新画了一遍，你立刻能看出差别有多大！
用正确的透视关系“修正”后的中国画左图这种丝毫不讲事实的平面化、畸形化画风，正是中国画的典型特征之一。想想包括《千里江山图》在内的那些山水长卷，你不仅不会觉得它有什么问题，反而很容易联想到“关山万叠”“云树千重”这样的诗句。这是因为中国画家所描绘的根本就是“一个想象的世界，换言之，就是诗的境地……作画时用诗的看法，便是用空间性的工具来表现时间性的境地，用平面的工具来表现立体的境地”。可以说，中国画是一种“诗画交流的艺术”。
王希孟《千里江山图》（局部）你可以在《认识绘画》第三章的“中国画与远近法”一节中，了解丰子恺所举的更多有意思的例子和更加详尽的分析。你可以不同意他的结论“中国美术的艺术价值远远高于西方美术”，但你会清晰地看到中国画对日本画，乃至对西方美术产生了怎样强烈的影响——线条出现了，构图夸张了，世界变形了……以梵高、高更、塞尚等为代表的后印象派画家们，彻底改变了他们之前“用艺术表现客观世界”的做法，着力于表现主观世界——用自己的眼睛、内心看到的世界。正是这个变化，直接解锁了以毕加索为代表的立体派、以马里内蒂为代表的未来派、以康定斯基为代表的抽象派乃至我们今天直呼看不懂的达达派等，完全改变了后世艺术之河的流向。
了解到这些，你还能笃定地说《千里江山图》与《星空》没有半毛钱关系吗？其实艺术的精神早就突破了地域和时间的限制，以我们想象不到的方式传承并发展了！
说到艺术的传承发展，《美的情绪》这本书里体现得更加直观。丰子恺选择了文艺复兴时期绘画主题由“神”转向“人”的那一刻为起点，开始讲述一部风起云涌的近代西方美术发展史。其中各个画派的争鸣、更迭，某种思潮如何兴起又如何被更新的思潮所淹没，环环相扣，节奏紧张，用豆瓣网友柴犬妹妹豆肉包的话来说，就好像看见“老先生站在台上，把讲义合上，半倚着讲桌，气宇轩昂”，也不需要一份死板的稿子，对所有学生都讲一样的话，而是“今天我跟你说A，我顺便给你再说个B。有空我再给你说说C？”
3.这是一位教育者的自觉
作为一位被自己的散文和漫画成就耽误了的教育家，丰子恺讲起艺术简直是信手拈来。他能把宏大而高雅的命题，拆解成一个个具体的、容易被普通人理解并接受的有趣话题，再借助他自身深厚的艺术积淀，旁征博引、行云流水地讲出来，所以才会有上面那位网友所说的仿佛上了一堂精彩的艺术公开课的感觉。我在编辑书稿的同时也在忍不住脑补，当年丰子恺开设“艺术史”这门课，会是怎样一幅教室内外人头攒动、一座难求的场面。
如果你对丰子恺的经历稍有了解，便会知道他能做到这一点丝毫不奇怪。他本就毕业于师范学校，后来的几十年间更是在上海专科师范学校、上海艺术大学、浙江大学、重庆国立艺专等多所高校讲授艺术。钱锺书先生在《围城》中曾言：“教授成为名教授，有两个阶段：一是，讲义当著作；二是，著作当讲义。”丰子恺的讲义就曾先后出版为多部艺术专著——《西洋美术史》(开明书店/1928年)、《西洋建筑讲话》（开明书店/1935年）、《艺术丛话》（上海良友/1935年）……《丰子恺艺术四书》便是源于这些著作。这些著作对当时的青年学生是极好的艺术启蒙，也充分体现了丰子恺作为一位教育者的自觉。
艺术大师丰子恺先生4.“天下竟有这么实心的先生”
丰子恺讲艺术的风格除了“博”，还有“实”。有这样一条评价令我深以为然：“天底下竟有这么实心的先生。”
丰子恺是一位在建筑、音乐、美术、文学等多方面卓有成就的文艺大师，这自不必说。但当大师为普通读者提供看待艺术的宏观视角、架构艺术观的整体框架之余，却也不忘从琐碎细致的问题上切入，用极尽朴实的表达方式，做最具体的艺术解读。一些在我们看来有点傻，甚至有点不好意思问出口的问题，或是从艺术大师的角度来看根本不成问题的问题，丰子恺都诚恳而细致地作了分析。
比如在《认识建筑》中，丰子恺介绍到希腊神殿之美，要说明希腊的建筑师为了让体积庞大的神殿显得横平竖直、稳如泰山，是如何对视错觉进行纠正的，于是给出一张超详细的说明图，对着图中的细节一点点地阐释说明，就连“为什么神殿石柱上会有一道道细沟”这样细节化的问题也做了回答。
超详细的“视觉矫正”说明图再比如他在《认识绘画》中介绍调色板的使用，会细致到给出“颜色在调色板上排列规则”的建议。在介绍素描的入门知识时，不仅解答了“为什么要画人体石膏像”，甚至还解释了“人体石膏像为什么要做成白色而不是肉色的”“为什么看似简单的人体躯干反而比人脸更难画”等五花八门的问题。
我猜想，也许这些都是课上课下丰子恺的学生们向他提出过的问题，而老先生也实打实地在讲义和著作中，把他的回答一一加了进来。在几十年教与学的互动中，艺术就这样变得通俗易懂、容易亲近，这是一位老师实心实意要把自己毕生所学全部传授给学生的心情啊。
5.这四本书究竟是什么样子的
丰子恺已经将他毕生积累全部化成了这样一本本含金量极高的讲义著作，那我们又该如何让它更好地为今天的读者所接受呢？
我们首先为丰子恺提到的画作找到了完整清晰、质量过关、没有色差的图片，其中很多是原画所在的博物馆官网上提供的最准确的高清大图。针对丰子恺提到的建筑物，我们选择了角度最美、最能体现建筑物特点的照片。在设计排版时，我们找来了获得过“最美图书”设计奖的设计师熊琼来做。她将图片与对应文字自然地结合起来，让读者读到这部分时可以马上对照图片、一目了然，既不用到处翻找，又尽量避免图片打扰阅读节奏。
其次，我们决定用最适合表现图片的哑光涂层纸来印刷内文，让精挑细选的图片呈现在你眼前时仍是准确的，细腻的，美的。
在装订方式上，我们当然选择能180度平摊的锁线装，让那些跨页大图能毫无保留地舒展在你眼前。考虑到你可能会一边阅读，一边做做读书手帐什么的，可平摊的装订方式也能轻松解放你的双手。
可以完全平摊的装订设计四本书的封面，我们在与设计师反复商量和修改后，还是决定用最能代表印象中民国风的清新淡雅的色调。至于其他的设计巧思，就留给你自己去发现吧！
6.我们为什么非要了解艺术
现在很多人都喜欢从不那么严肃、晦涩的角度去诠释看起来高大上的东西，用简单粗暴接地气的方式去消弭那种不太友好的隔阂感。但一味娱乐化、通俗化，又必然会使真正有价值的部分在嘻嘻哈哈当中被忽略掉。在这两个问题的平衡上，丰子恺是做得比较早、也比较好的一位，你甚至可以认为，现在常见的以朋友式聊天、非专家视角解读艺术的做法，就源于以丰子恺为代表的一批民国艺术教育家们。他们有趣，但决不止步于有趣，他们一定要你知道美在哪里，怎么个美法，它是怎么来的，为什么它就是美的。
你可能也会反问：“我为什么非要知道这些？”丰子恺在《认识绘画》中说过的一段话，也许可以作答：
人生不一定要画苹果、香蕉、花瓶、茶壶。原不过要借这种研究来训练人的眼睛，使眼睛正确而又敏感，真而又美。然后拿这真和美来应用在人的物质生活上，使衣食住行都美化起来；应用在人的精神生活上，使人生的趣味丰富起来。这就是所谓“艺术的陶冶”。《丰子恺艺术四书》《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(四)：人间的情味——读“丰子恺艺术四书”有感
人间的情味——读“丰子恺艺术四书”有感
文/程瑶注：本文为没有豆瓣账号的书友写的书评，小编帮忙代发。
冬日的暖阳下，小心翼翼地揭开“丰子恺艺术四书”的塑封，好像生怕毛毛躁躁会打扰到丰子恺先生。童年时就知道这是一位大家，真正有了十分明晰的仰慕，缘于我高中时的一位语文老师。老师是弘一法师李叔同的拥趸，至今我的语文课本上还留有当年听着她声情并茂地描述中摹写的“悲欣交集”四个字，而丰子恺先生就是弘一法师的弟子。这样的老师，这样的弟子，足以让人“高山仰止”。
丰子恺（1898－1975），浙江省嘉兴市桐乡市石门镇人。原名丰润，又名仁、仍，号子觊，后改为子恺，笔名TK，以中西融合画法创作漫画以及散文而著名。他是中国现代画家、散文家、美术教育家、音乐教育家、漫画家、书法家和翻译家。他的著作颇丰，既有《艺术概论》《音乐入门》《西洋名画巡礼》这样的艺术普及读物，又有《缘缘堂随笔》《缘缘堂再笔》《活着本来单纯》《无用之美》之类的文学散文。既有孩童般天真的漫画图像，又有小、巧、精、秀、拙的书法作品。他被朱光潜赞为“从顶至踵，浑身都是艺术家”，他的著作被俞平伯誉称“一片片的落英，都含蓄着人间的情味”。
尽管丰子恺先生的著作既多流传又广，但是失散也很多，不少都绝迹于市场，让人颇为遗憾。为了让更多的人们能有机会跟随这位“现代中国最像艺术家的艺术家”感受美和艺术，这就有了北京日报出版社和阳光博客打造的这套“丰子恺艺术四书”。
《慈悲的滋味——丰子恺散文漫画精选集》《美的情绪——西洋画派十二讲》《认识绘画——丰子恺绘画十六讲》《认识建筑——丰子恺建筑六讲》，这四本书可谓囊括了丰子恺先生的散文、漫画和美术与建筑方面的艺术启蒙读物，翻开书页，就如同走进了丰子恺的艺术殿堂，走进了丰子恺那被“天上的神明与星辰，人间的艺术与儿童”四件事所占据的内心世界。
《慈悲的滋味——丰子恺散文漫画精选集》精选丰子恺先生散文58篇、画作59幅，从“人间世”“山水间”“众生相”三个面向，充分展现了一代艺术大师既洒脱又悲悯的人生情味。
是的，身处“人间世”，“我仿佛看见世间有一个极大复杂的网，大大小小的一切事物都被牢结在这网中”。是的，穿行“山水间”，“自然的命令何其严重：夏天不由你不爱风，冬天不由你不爱日。自然的命令又何其滑稽；在夏天定要你赞颂冬天所诅咒的，在冬天定要你诅咒夏天所赞颂的”。是的，面对“众生相”，“世间的人，本来都有像你那样的天真明净的生命，一入人世，便入了乱梦，得了狂疾，颠倒迷离，直到困顿疲毙，始仓皇地逃回生命的故乡”。读着这样有情怀的文字，看着寥寥数笔勾勒出的画作，散文与漫画融合的恰到好处，在喧嚣的都市中日复一日浮躁的内心得以沉静。
《美的情绪——西洋画派十二讲》是丰子恺先生参考森口多里著《近代美术十二讲》、一氏义良著《近代艺术十六讲》、中井宗太郎著《现代艺术概论》、板垣鹰穗著《表现与背景》、Richard Muther著《十九世纪法兰西绘画史》（太田正雄日译本）等诸多书籍后，系统梳理了现代西方绘画流派递变的步骤，所著的为近代西洋画各种流派作说明的解说文。这其中有润物无声的缓步更迭，也有长久蓄势后的颠覆性爆发。
绘画是艺术的重要门类，而艺术又是一个时代人们艺术观、自然观、世界观的表现，画家的思想与人格的呈现都有赖于此，所以，研究画派的分别意义重大。既然这些表面的差异与深层的区别都不是那么容易可以知晓的，那就让我们顺着艺术的潮流，随着丰子恺先生的笔触，先慢慢具有一点绘画鉴赏的素养，再获得鉴别画派的能力，体会这件兴味深长的事。
《认识绘画——丰子恺绘画十六讲》是丰子恺绘画类文章首次结集出版，是一本大师级的绘画素养进阶书。作为艺术大家，这一次丰子恺要回溯到启蒙阶段，讲讲如何向绘画这门艺术跨出第一步，他不仅介绍了形体，色彩，构图，工具等等绘画入门的基础知识，还从宏观角度讲解了如何正确的认识和欣赏绘画艺术，为读者培养艺术素养打下坚实基础。他像一位导师站在你的面前，不断让你思考：为什么学习绘画都要从素描开始？如何判断一幅画的优劣，画得越像就越好吗？为什么说西方美术靠努力就可以，中国美术却全凭天赋？
还记得数月前在故宫火爆非常的书画特展吧。为了一睹王希孟《千里江山图》的风采，午门外排着比巨幅长卷还要长数倍的队伍，人头攒动，却只能匆忙一赏，且不说有多少人是来看热闹的，真的爱好者不做足功课又能看懂多少？如果能早点得到丰子恺先生的指点，想必能更深地领悟到“绘画的学习，西洋画有一定的方法，而中国画没有定论，因为西洋画容易学，中国画不容易学，学西洋画可以用功而成就，学中国画用功不相干，全靠天才。”
特别让人拍案叫绝的是这么一段话“图画原不过是看看的，但因为眼睛是精神的嘴巴，美术是精神的粮食，图画是美术的本位，故看看这件事在人生竟有了这般重大的意义。”真的是说到心坎里了。
《认识建筑——丰子恺建筑六讲》是在绝版十余年后，单行本重新面世，新配图片百余幅。在丰子恺先生深厚的艺术积淀的作用下，将建筑的发展与经济、政治、宗教、文化的发展关系细细分析，从坟、殿、寺、宫到殿，娓娓道来。“从埃及时代到现代，世间最伟大的建筑的主题，经过五次的变更；在埃及时代，最伟大的建筑是坟墓，在希腊时代是神殿，在中世时代是寺院，在近代是宫室，到了现代是商店。人类最初热心地建造坟墓，后来变成热心地造店屋。”多么精辟的语言就把古今建筑的艺术魅力剖析了一番，从建筑的背景、建筑的样式、建筑的演变、建筑的意义，“窥察其间人心的变化，很有兴味”。
为什么古埃及帝王要耗费巨大心力来建造庞大而笨重的金字塔？为什么希腊神殿的柱子上有一道道细沟？为什么早期的基督教堂都建在地下？为什么宫室建筑可以不顾外部形式的美观？为什么玻璃建筑有普及于全世界的可能？建筑“不复是少数人的建物，而是为多数人的建物。未来的建筑的形式，大约不复为畸形的，而为合理的。到那时，现在的摩天楼就会同金字塔一样成了过去时代的遗迹”。阅毕掩卷，你不仅会得到答案，还能证实丰子恺先生充满睿智的预言。
我有一套友人所赠丰子恺先生的故居缘缘堂的门票，票面上是寥寥几笔勾勒的生活情趣，真想带着这套“艺术四书”，去缘缘堂聆听先生的启蒙课。忽然忆起了周作人说过这样的一段话，列在文末，权且希望我们的生活更艺术吧！我们于日用必需的东西以外，必须还有一点无用的游戏与享乐，生活才觉得有意思。我们看夕阳，看秋河，看花，听雨，闻香，喝不求解渴的酒，吃不求饱的点心，都是生活上必要的。虽然是无用的装点，而且是愈精炼愈好。
《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(五)：随丰子恺先生感受西洋画派之美
本图来自百度百科曾经喜欢过一位干净清秀的少年，他不仅弹得一手好钢琴，更在书画上特别有才华。可是，那时候的我并没有接触过什么艺术知识，而他每每说起的某某画家，某某画派，在我听来如同天书一般。
如果那时能够读到丰子恺先生的这本《西洋画派十二讲》，或许，我和他的交流过程就会充满乐趣，也或许，这段感情不会仓促终结。
丰子恺先生的这本书，在遣词造句上最是充满灵气，既能撩动起读者的情绪和兴味，又呈现出自然的灵动，不矫情不做作，读来倍觉亲切、舒畅，在介绍西洋美术知识的同时，也展现出不同画派的独特美感。
比如，在介绍“写实派”这一西洋画派时，丰子恺不仅说明写实派的艺术特色就是，“同照相一样”，但是，丰子恺又指出，写实派的绘画作品，有美丽、老练的笔法，还有协调的色彩和优美的线条，除了这些元素之外，画面还呈现出一种精神和灵魂，而这些，都是摄影作品所不具备的美感。
在剖析这些西洋画派的艺术特色时，丰子恺总会结合着该画派，具有代表性的画作。比如，在介绍写实派时，丰子恺静心挑选了该画派的代表作品，《拾穗者》、《碎石工》、《晚钟》等。这些画作，我们或许并不陌生，欣赏它们的时候，内心会生起平静安宁的感受。但是，在没有读到丰子恺的这本书时，我们可能并不知道，为什么这些画会让自己觉得内心平静，或者带来其他的一些感觉。
当画家带着不同的情感、心境和精神，去创作美术作品时，自然就会引发欣赏者的内心出现各种不同的感受。即便是同一位画家，他带着不同的情感绘画出的作品，也会引发我们不同的情绪。比如说，梵高有两幅著名作品，分别是《向日葵》和《罗纳河上的星空》，这是两幅色彩和意境都迥然不同的画作，它们带给欣赏者的感受，也是完全不同的——前者让我们感受到如火焰一般的生命活力，而后者则让我们产生出清凉平静的感觉。
通过丰子恺先生的这本书，我们可以确定，欣赏一幅美术作品，能够引起我们情绪上的变化。当我们看到有着“印象派领导者”之称的法国画家莫奈的代表作品《夏莲》，我们的心中，便顿觉清爽，这种安详静谧的境界，让我们的心也柔软下来。而我们看到19世纪法国画家夏凡纳的《田园诗》时，内心便会涌动着快活、欢乐的情绪。
除了介绍西洋画派知识，丰子恺还让我们了解到这些代表性画家的生平，他带领我们透过画家们的人生历程，从而知晓这人生历程对画家们的作品的艺术特色的影响。
比如，在介绍“表现派”的诸位代表画家时，丰子恺提到了一位叫莫尔克纳的画家，这位画家自小性情孤独，喜欢在自然中散步，尤其喜欢来到田野中寻找创作灵感。他的代表作品《磨小刀的人》，便弥散着一种孤独的境味。
再比如说，我们比较熟悉的画家，出生于巴黎的高更，他憎恶所谓的“现代文明”，并且在塔希提岛上生活过一段时间之后，更是爱上了这种原始、单纯的生活。所以，他在画作《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》中，就渲染出一种原始、纯粹的美感。高更的这幅画，不仅展现出了他内心的困惑，更描绘出他心之向往的极乐园。这幅画作充满了异国情调和神秘感，整个画面引发起我们对于生死问题的思考。
丰子恺先生在书中说：“绘画的流派的展进，好比春夏秋冬四季的递变，又好比婴孩、儿童、青年、壮者的人生的递变，其间的变化往往没有明显的界限。”也正因此，我们才需要一位导师，引领着我们徜徉在美的世界，了解艺术知识，用艺术来浇灌心田。
作为现代著名的画家、翻译家和艺术教育家，丰子恺在《西洋画派十二讲》一书中，系统梳理了现代西方绘画流派的递变，更用平易亲切的文字，让我们领略到艺术的力量，这种力量，看似无声无息，却足以撼动我们的灵魂，引发我们情绪上的变化。
可见，欣赏一幅美术作品，我们不仅要留意那色调和线条，更要留心一下，自己在欣赏画作时，产生出的情绪，因为这时候产生的情绪，往往能促进我们更深刻地去理解艺术作品。
《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(六)：丰子恺与艺术
丰子恺1898年11月9日生于浙江省崇德县石门湾，父亲是清朝末代举人，家有祖传的染坊。他于1914年秋考进浙江省立第一师范学校，在这所学校里，他受到中国近代文艺先驱者李叔同的艺术熏陶和影响，决定了以后的艺术生涯。1921年春，他游学日本10个月，学习西画和音乐。回国后在上海、杭州、重庆、桂林、贵州等地从事美术和音乐的教学。建国后，曾任上海画院院长、中国美术家协会上海分会主席等职，不停译著和绘画创作，直到1975年9月15日病逝。 丰子恺的一生跨越了清朝末年到新中国建国以后的新旧社会的历史交替。由于他生活的特定历史时期，使他先是完整地接受了中国传统文化的思想，又接受向西方现代文明学习的新思想。正是这样的思想历程塑造了丰子恺这样一位文化巨匠。 在很多人的印象中，丰子恺是一位漫画家。而实际上，早在二、三十年代，丰子恺的散文就和他的漫画作品一起产生了比较深远的影响。丰子恺的散文作品充溢着浓郁的漫画意趣，这正是他区别于其他散文家的独到之处。也正源于此，才使得丰子恺真正成为现代散文史上有独特风格的作家。 而他的随笔散文就更加具有深遂的思想性和精湛的艺术性了。其语言风格简练传神、素朴亲切、率真自然，虽不加雕饰，但句句都自然平易地从内心真实地流淌出来，因此越发显得生动形象、富于表现力。同时他的漫画又能很好地把握事物的形体气韵，用丰富变幻的线条和一定的构图方式表现事物的空间形象及内涵意义，其间运用包括具象、取意、略笔、夸张、变形、幽默等手法。可以说，丰子恺的漫画思维对其散文创作则有着直接的影响，而且在其散文内容中有所呈现。这一特点在他的散文漫画集《慈悲的滋味》一书中得以体现。 比如漫画《爸爸回来了》中，孩子戴着爸爸的礼帽，穿着爸爸的大马甲、大皮鞋，一手拿着爸爸的拐棍，一手提着爸爸的皮包，一脸的调皮和喜气，虽然父亲没有出现在画面中，但可以想象得出父子之间的感情一定是极为融洽的。与之搭配的散文《儿女》，便写到这样一个场景：有一个炎夏的下午，他回到家中。第二天的傍晚领了四个孩子到小院中的槐荫下，坐在地上吃西瓜。“夕暮的紫色中，炎阳的红味渐渐消减，凉夜的青味渐渐加浓起来。微风吹动孩子们的细丝一般的头发，身体上汗气已经全消，百感畅快的时候，孩子们似乎已经充溢着生的欢喜，非发泄不可了。最初是三岁的孩子的音乐的表现，他满足之余，笑嘻嘻摇摆着身子，口中一面嚼西瓜，一面发出一种像花猫偷食时候的ngam ngam的声音来。这音乐的表现立刻唤起了五岁的瞻瞻的共鸣，他接着发表他的诗：瞻瞻吃西瓜，宝姐姐吃西瓜，软软吃西瓜，阿韦吃西瓜。这诗的表现又立刻引起了七岁与九岁的孩子的散文的、数学的兴味，他们立刻把瞻瞻的诗句的意义归纳起来，报告其结果：四个人吃四块西瓜。”简简单单的叙述，却描述出一副极为恬淡的儿女绕膝的天伦之乐，温馨的画面便立即展现在读者眼前。 古希腊西摩尼德斯说：“画是无声的诗，诗是无声的画。”换言之，文学是时间艺术，绘画是空间艺术。从表面来看两者间也确有时空的对立之分，若要把文和画揉在一起，确实不易。不过丰子恺轻易地解决了这一问题。作为一位漫画家和散文家，他善于融绘画、文学两种艺术于一炉，他的漫画中融入了诗的意境，散文中表现着画的趣味，漫画艺术已经深深地浸润了他的散文创作。 作为一位学养丰厚的艺术家，丰子恺参与引进翻译了大量的有关于西方艺术的论著。在其诸多论著中，《西洋画派十二讲》一书文笔流畅，内涵丰厚，采用的艺术史写作线索和描述策略颇为值得深入研究。该书无处不展现着丰子恺本人丰厚的学养。作为一个中国画家，丰子恺对西洋绘画作出了最直观的评述，他敢于在具体绘画描述中渗透出自己的观点，而并不是一味迷信于西方的解读。他以中国人自身的视角带领大家去审视西方，用近乎商量的口气和读者沟通，并非一副高高在上的教导者的姿态。在《美的情绪——西洋画派十二讲》里，丰子恺用“十九世纪的西洋艺术集中于巴黎，二十世纪的艺术中心在于何处？现在尚未可知。最可主义者：德意志想来在美术上是后进的、顽固的国……”的观点对未来艺术中心做了大胆的推测。 又说到创造后期印象派的四大画家塞尚、梵高、高更、卢梭，在分析他们的作品的同时，总结了四人的生涯“同他们的艺术一样——都是奇特的：第一个是绘画狂者；第二个是拿剃头刀割耳朵的疯人，且终于自杀的；第三个是逃出巴黎，到未开化的岛上去做野蛮人的；第四个是世间的珍客。”正是因为类似以上的评价，使《美的情绪——西洋画派十二讲》读来不觉得枯燥，集中反映了丰子恺的艺术修养，渗透了大量丰子恺本人的艺术观点，对于大众有着极强的启蒙意义。 作为一个文人画家对美术史的研究，与自己的创作实践、艺术理念及对当时艺术思潮的看法密切相关。编译和论著是他个人内在的需要，更是当时社会文化的需要，所以他的文字深入浅出，即便编译，也是经过自己反复咀嚼消化后，自然吐露出来的。这对三四十年代的美育、绘画思想和创作的普及，提高民众的艺术修养祈祷重要作用。 同样是讲绘画，另一部著作《认识绘画：丰子恺绘画十六讲》讲的则是图画对人有什么用处？就是做人为什么要描图画？就是图画同人生有什么关系？提出了这些问题之后，他又回答道:这问题其实很容易解说，图画是给人看看的。人为了要看看，所以描图画。图画同人生的关系，就只是“看看”。作为艺术大家，丰子恺回溯到启蒙阶段，讲讲如何向绘画这门艺术跨出第一步。他不仅介绍了形体、色彩、构图、工具等绘画入门的基础知识，还从宏观角度讲解了如何正确地认识和欣赏绘画艺术，为读者培养艺术素养打下坚实基础。 丰子恺曾说过：“一切美术，以图画为本位，所以人人应该学习图画。原来美术共有四种，即建筑，雕塑，图画，和工艺。”可见，在丰子恺心目当中，建筑是美术分类里相当重要的一部分。在《认识建筑：丰子恺建筑六讲》里，丰子恺与读者讨论了世界建筑艺术，包括六讲：从坟到店、坟的艺术、殿的艺术、寺的艺术、宫的艺术、店的艺术。他认为，从埃及时代到现代，世间最伟大的建筑的主题，经过五次的变更：在埃及时代，最伟大的建筑是坟墓，在希腊时代是神殿，在中世时代是寺院，在近代是宫室，到了现代是商店。人类最初热心地造坟墓，后来变成热心地造店屋。窥察其间人心的变化，很有兴味。古埃及的人看见人死了，确信他将来一定会复活；于是设法把他的死骸好好地保存，以便将来复活时灵魂仍旧归宿进去。他们又确信人死后依旧生活着，不过不是活的生活而是“死的生活”；于是设法给他建造“死的住宅”，好让他死后依旧安乐地生活。他们以为这是人生重要不过的大事，把全部精力集中在这工作上。 而说到伟大的宗教建筑，往往能从直感上给人一种启示，使人心暂时远离颠倒梦想的苦恼，而回顾生命的本源。后来，“由教堂建筑变成宫室建筑，是世界文化的一大转机。若以古今二字把历史划分为二时期，则教堂以前的可称为古代的建筑，宫室以后的可称为今代的建筑。自从宫室文化时代以后，建筑都以人生为题材，都为人生现世的幸福而建造。”最重要的是，说到未来，丰子恺大胆预测：“未来的建筑的主要题材，大约不复是为少数人的建物，而是为多数人的建物。未来的建筑的形式，大约不复为畸形的，而为合理的。到那时，现在的摩天楼就会同金字塔一样成了过去时代的遗迹。”现在看来，我们的建筑艺术或许正是将丰子恺的设想一步步变为现实的。 当今科学技术、网络媒体的迅速发展以及快节奏的现代生活，使得人们对精神的追求不断“删繁就简”，导致了便捷的图像媒介占据了我们生活的方方面面。换而言之，图像代替了语言文字，语言文字成为了图像。对于图像的泛滥给社会大众带来的负面影响，国内外思想者们纷纷提出了文化危机、社会危机、文学危机之说，但这些说法在中国似乎有些过于杞人忧天、耸人听闻。幸福的国人可以通过丰子恺的文学与绘画来补充精神养分。在这些精神养分中，人们可以找到不失艺术本真的、且能担当社会责任、导航健康生活取向的那些难得的东西。
《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(七)：读西洋画派十二讲有感
丰子恺先生在这本书里介绍了12个现代画派的产生背景、风格特征以及主要代表人物及其画作。他将12个画派又按内容实质归成了三大类，分别为理想主义（注重形式美）、自然主义（注重客观写实）和表现主义（注重主观感受的表达）。古典派和浪漫派所属的理想主义大多以王室生活、贵族肖像、革命烈士为主题，讲究画面的美感和严谨细腻，但只注重形式美，如同虚空的装饰画，缺乏个性。写实派、印象派和新印象派所属的自然主义注重客观写实、题材上不似从前的专于选择贵的、美的东西，而近取之日常的人生自然，捕捉客观的存在。后期印象派、野兽派、立体派等所属的表现主义则注重主观感受的表达，几乎不顾及任何题材和内容，也不追求精确地描画所见之物，以抒发内心的情绪为主。
在这里，我谈谈给我感触比较深的自然主义和表现主义。比如印象派和写实派，作画手法和题材不尽相同（前者追求光的效果、色的变化，喜好用点状和条状描绘模糊的印象，对题材不加以选择，后者笔触更加细腻和写实，多以描绘农民劳作为主），但两者的主旨都在于还原眼睛所见之物，是按照原物忠实地描绘贴近人民日常生活的所见所闻，只是创作手法不同，因此都归为了自然主义。反观印象派和后期印象派，虽然作画手法没有太大差别，都叫印象派，但前者注重客观地描画光与影，还原日光下的人物和景色，后者主张用主观感受去塑造客观形象，重视在作品中传达个性和感受。一个以真为美，一个以心为美，因此前者归为自然主义，后者归为表现主义。正如你在印象派莫奈的画作中大多感受到日光、淡然和宁静，而在后期印象派梵高的画作中大多感受到强烈的主观情绪。另外大家所熟知的毕加索的立体派，画中的事物之所以形不似形，扭曲畸变，其原因是画家想要将看到的事物的客观形象与心中对于该事物的其他印象或联想全部反应在画作中，因此他把物体分解、重构，应自己的要求将其内容交错混杂地表现出来，画面中有对事物客观写实的部分，但更多地是对其引发的意象和感受，追求不同空间不同物象的同时性和同存性。该画派和后期印象派的画风虽然大相径庭，但内容都是注重对于主观情绪地表达，只是程度不同，因此二者都归为了表现主义。
丰子恺先生说，“绘画是以时代精神与文化为背景的，是一时代的人的人 生观、自然观、世界观的表现，是画家的思想、人格的表现。 故各画派的分别，不仅是表面的差异，不能就一两句话来说明，不是向来不留意于画的人所能一望而知的。所以要获得鉴别画派的能力，必先具有一点绘画鉴赏的素养。这素养越多， 对于绘画的理解就越深。” 我深以为然，画派与它所处的时代背景息息相关，要理解每个画派的风格，光从画作的表象出发是远远不够的，还必须了解它的时代背景、人文思想。你掌握的背景知识越丰富，对于绘画的理解才越深。
最后附上我比较喜欢的画家及画作：我果然还是喜欢美女，哈哈哈
拉裴尔前派：
1.但丁·加百利·罗塞蒂
2. 约翰·埃弗里特·米莱斯
3.沃特豪斯
印象派：
1、德加
2.雷诺阿
后期印象派：梵高
立体派 洛郎桑
《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(八)：美的诠释
提到艺术，人们总把它当作是一个严肃的话题，并且总是觉得它离常人的生活非常遥远。艺术家给我们的感觉就是，长头发，穿着奇怪，说着有哲理的话……其实不是的，艺术在我们的日常生活中处处都存在，一样东西之所以被称作是艺术品，正是因为人们有认识艺术的眼睛。最直观的艺术形式之一就是绘画了，每个大城市都一定会有标志性的艺术馆建筑，其内部珍藏着世界上传承了几个世纪的名画与古迹。好的绘画作品会给人带来一种视觉冲击，色彩与线条勾勒出来的平面图画虽然看似简单，但是想要真正看懂一幅作品可是需要很深的研究的。
对我来说艺术是生活中必不可少的东西，艺术也是存在于身边每一个角落的，丰子恺对于艺术的研究则使我看到了很多艺术的本质，对于相关的历史演变他都有深入的了解和自己独特的见解，从他的文章中更可以以最直接的方式汲取这些有用的知识。对于不同的人而言艺术的定义都是不同的，有的人说一件不起眼的东西就是艺术品，而有的人则跟风说那些在艺术展上出现的作品都是艺术品，可是我们真的懂什么是艺术么。
作为一位多方位人才，丰子恺不仅懂图像的构造，也有专业的文学素养，同时还翻译过很多作品，这是没有丰富的生活阅历之人所根本做不到的。我最开始接触他的作品其实是漫画，凡事我都喜欢从简单的角度去入手了解，后来发现丰子恺的所有作品入手都不难，因为他会考虑正常读者的感受。艺术的视野不应该被局限，丰子恺的思想早就走向了世界，这也让我们从他的作品中能够了解到很多难得的知识。
丰子恺在这本书中并没有以传统的方式来写西方的绘画史，而是通过一种夹杂自己见解的方式由外而内地剖析一个个画派。也许我们自己去看这些作品永远都了解不到更深的层面，这其中的学问并不像一个平面的图像那么简单，丰子恺则是把平面变成立体化的东西去讲。
这本书中收录的作品都很美，再加上充满艺术气息的装订，使得这本书成为了一件艺术品。我之前经常看对于名画家的介绍，也去过很多画展，总以为自己懂了很多，却发现我原来什么都不懂。我们的视野有时仅限于身边的作品，这是无法得到进步的，当学会了如何去欣赏艺术的同时，也能够对生活产生不同的看法。
从另一个角度来看，这本书也能够帮助我们放松心情，艺术是让人看了之后心情舒畅的，但如果不懂得欣赏也就无法体会到这一点。
《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(九)：丰子恺艺术四书，跟随一代艺术大家认识美与慈悲
他画孩子，画猫，画晚上乘凉天上的月亮。见到他的画，就像见到他的人，笑眯眯地，温柔和气。
他是丰子恺。美学家朱光潜形容他“从顶至踵，浑身都是个艺术家”，日本学者吉川幸次郎赞美丰子恺是“现代中国最像艺术家的艺术家”。
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“从顶至踵，浑身都是个艺术家”
丰子恺丰子恺少年时学习美术和音乐，老师是后来成为弘一法师的李叔同，青年时代东渡日本学习画画，凭借过人的语言天分阅读大量的西方美术书籍，遇上日本著名漫画家竹久梦二的画之后，丰子恺决心改画漫画。
回国后，丰子恺一边画画，一边教书编写课本，他的“小画”温柔有趣，人人看后忍俊不禁，他的朋友夏丏尊、朱自清、叶圣陶、郑振铎等人都极爱他的画作。
朱光潜说他，“是个从顶至踵是个艺术家，他的胸襟，他的言动笑貌，全是艺术的，全都是至爱深情的流露。”
在丰子恺那里，猫儿打架了、看蚂蚁搬家、春困的懒腰都可入画，市井的闲情、孩子们的梦话和窗前的梧桐树也都可以写成散文。
他爱孩子，以儿童为世界上最天真完整的人，他也爱猫，作为著名猫痴，他无数次地画猫写猫，对猫咪的宠爱无人能敌。
丰子恺画作丰子恺先生的一生中遭遇过家道中落，过了十几年颠沛流离的逃难生活，而世事浮沉中，丰子恺先生始终作至纯至善之画，应答沧桑变化的人间。他的艺术，就是他给时间的答案。
真正的丰子恺，就像他评价夏目漱石那样，一生是为了做“一个最像人的人”。
无宠不惊过一生，和他画笔后的大世界
在每个平凡的人生里，艺术有什么用？丰子恺先生曾在一次演讲里说：“我以为人的生活，可以分作三层：一是物质生活，二是精神生活，三是灵魂生活。这就像人生的三层楼一样，有些人一辈子只满足物质生活，而有些人却还有力气，爬到精神生活那层楼看一看，那么他的世界就会大不一样。”
这些书，有些是丰子恺为了在课堂上教授给年轻人写下的讲义，有些是为了把艺术说给更多普通人听而写就的著作。它们作为经典的开明书店读本，给青年人带来了美和艺术的光芒。
这便是“丰子恺艺术四书”的由来。
丰子恺先生在创作中除了开一代风气之先的漫画家，丰子恺先生的另一个重要身份是艺术教育家。他创办过中国教育史上第一家包括图画、音乐、手工艺各科的艺术师范学校，并先后在上海艺术大学、浙江大学做过美术教授。
为了让那些有力气去人生的二层楼看一看的人们，从1919年到1943年，丰子恺先生先后写下了许多关于艺术修养、绘画、建筑的教材，这些书成为了当时青年学生必备的艺术启蒙教材——
这四本书里既有最能代表丰子恺散文和画作的《慈悲的滋味》，也有丰子恺经典艺术启蒙读物《认识绘画》《美的情绪》和《认识建筑》，这就是那个不宠无惊过一生的老先生，和他秉持一生，用一颗赤子之心为人们开启的艺术世界。
丰子恺艺术四书书影一位返璞归真的民国先生，讲融汇中西的艺术故事
“丰子恺艺术四书”像丰子恺先生的四个侧面，将这位可爱至极的老先生和他的艺术世界展开在大家面前。
《慈悲的滋味》书影《慈悲的滋味》编选了丰子恺画作59幅，散文58篇，那些打架的猫儿们，傍晚乘凉的女孩，还有戴着爸爸礼帽，穿着大皮鞋的小孩，都在这本书里，让人会心微笑。散文又分为“人间世”“山水间”“众生相”，像一首首小诗，照见丰子恺那个简单恬淡的世界。
丰子恺画作这本书就是丰子恺这句话的最好印证——“我的心为四件事所占据：天上的神明与星辰，人间的艺术与儿童。”
《美的情绪》编选自丰子恺的《西洋美术史》外一篇“西洋画派十二讲”，书中，丰子恺几乎梳理了经典西方美术的所有流派，门外汉看来纷繁复杂的西方美术渊源，丰子恺笔下有四两拨千斤的清晰简单。
《美的情绪》书影他如讲故事一样，用浅白幽默的语言一一道出，整本书像老先生站在面前的谆谆耳语，讲梵高、讲莫奈、讲抽象画派与达达画派。
内页之一《认识绘画》是丰子恺绘画类文章首次结集出版，是一本大师级的绘画素养进阶书。
《认识绘画》书影为什么学习绘画都要从素描开始？如何判断一幅画的优劣，画得越像就越好吗？为什么说西方美术靠努力就可以，中国美术却全凭天赋？
为了让人一目了然，丰子恺还亲自画了各种示意图，凡事从最基本的事情讲起，这本书就像丰子恺先生手把手教绘画，从形体、色彩、构图等方式，讲解怎样正确认识和理解绘画艺术。
内页之二《认识建筑》是本书绝版十余年后，单行本重新面世，新配图片百余幅。
《认识建筑》书影为什么古埃及帝王要耗费巨大心力来建造庞大而笨重的金字塔？为什么希腊神殿的柱子上有一道道细沟？为什么早期的基督教堂都建在地下？
丰子恺先生在这本书里，轻松地把这些问题讲成故事，在书里不仅关心建筑构造和材质演进，而是心灵和历史的变迁。
内页之三以上四本书，就是丰子恺先生用冲淡有味的白话文，讲述的四种艺术的故事。学贯中西的知识融汇，平易朴实的大家风范，还原一个完整的丰子恺。
追求细节的编排装帧，3种独家限量周边，打造最值得收藏版本
《丰子恺艺术四书》采用简单朴美的封面，配合四种书籍颜色的裸线精装，方便180度摊平翻阅。
内文留白更利于阅读，穿插多幅全跨页彩色插图，章节页面设计为温润的色彩页，用不同的字体颜色和符号标志强调出重点，让阅读每本书的感受都更加立体。
“丰子恺艺术四书”裸脊装帧每个细节，都为了突出属于丰子恺先生的亲切和善意，翻阅起来，就像是和丰先生面对面聊天。
《丰子恺艺术四书》套装附赠“艺术手账”一册，布面精装的良好手感，封面名取自丰子恺的作品“跌一跤且坐坐”。
丰子恺艺术手账为了打造最值得收藏的《丰子恺艺术四书》套装版本，豆瓣书店此次首发，为首批下单的用户准备了以下3种独家限量周边，全部随书附赠。
周边有印有丰子恺漫画的帆布袋，米白色帆布与寥寥几笔的子恺漫画画作相得益彰，简洁有趣，别具质感。
独家周边帆布袋以及“樱桃豌豆”丰子恺画作手机壳，亲切画作配上题边小诗，让手机有了件温柔又文艺的衣服。
丰子恺画作手机壳（适用iPhone6 / 6s）周边还有丰子恺画作藏书票4张一套，采用4幅丰子恺先生的经典漫画，书签收藏两相宜。
丰子恺画作藏书票以上3种独家周边和《丰子恺艺术四书》套装一起，仅在豆瓣书店限量发售。
《丰子恺艺术四书》是丰子恺先生传达给世人的对美的热爱，和对艺术的热情。就让以上种种美物，和套装书一起，成为日常生活的收藏和礼物。
丰子恺艺术四书套装及周边《丰子恺艺术四书》套装原价299，豆瓣独家首发价269。点击此处即可下单。
美的情绪：西洋画派十二讲9.1丰子恺 / 2017 / 北京日报出版社丨阳光博客认识绘画：丰子恺绘画十六讲9.2丰子恺 / 2017 / 北京日报出版社丨阳光博客认识建筑：丰子恺建筑六讲9.0丰子恺 / 2017 / 北京日报出版社丨阳光博客慈悲的滋味:丰子恺散文漫画精选集9.4丰子恺 / 2017 / 北京日报出版社丨阳光博客《美的情绪：西洋画派十二讲》读后感(十)：让丰子恺先生带你了解西洋画派
丰子恺先生想必大家都有所耳闻，他是我国现代画家、散文家、美术教育家、音乐教育家、漫画家、书法家和翻译家，尤以中西融合画法创作漫画以及散文而著名。也许我们会惊诧于一个人怎么会如此多才多艺，不仅如此，还把每一个做的如此之好。
美学家朱光潜形容他“从顶至踵，浑身都是个艺术家”，日本学者吉川幸次郎赞美丰子恺是“现代中国最像艺术家的艺术家”。
今天所要介绍的这本书《美的情绪：西洋画派十二讲》是《丰子恺艺术四书》的一本。（其余三本为丰子恺散文和画作的《慈悲的滋味》、丰子恺经典艺术启蒙读物《认识绘画》和《认识建筑》。）丰子恺的这四本书是不宠无惊过一生的这位老先生和他秉持一生，用一颗赤子之心为人们开启的艺术世界。
这本《美的情绪：西洋画派十二讲》选自丰子恺先生早期美术理论作品《西洋美术史》外一种“西洋画派十二讲”。
《美的情绪：西洋画派十二讲》这本书顺着艺术的潮流，丰子恺先生系统地整理了现代西方绘画流派递变的步骤。这其中有润物无声的缓步更迭，也有长久蓄势后的颠覆性爆发，但无论何种变化，艺术始终是一个时代人们人生观、自然观、世界观的表现。所以在丰子恺先生眼中，研究绘画的流派，是兴味深长的一件事。书中配有大量的各种画派的代表作品为我们展示，同时丰子恺先生对大部分书中展示的作品为我们进行了详细的解读。
《美的情绪：西洋画派十二讲》以各个画派出现的时间顺序为轴：从现实主义的写实派到近世理想主义的拉斐尔前派及新浪漫派；从艺术的科学主义的印象派到外光描写的印象派画风；从外光描写的科学的实证点彩派到主观主义的后期印象派；从后期印象派的四大画家到西洋画的东洋画化野兽派；从形体革命的立体派到感情爆发的未来派与抽象派；最后从意力表现的表现派到虚无主义的达达派。你能想到的欧美著名的画家和代表作在这里都有涉及和呈现。通读此书后，会发现再次对西方的油画鉴赏时再也不会不知所画了。很系统又接地气，很适合我们这些喜欢艺术的门外汉。
建议你可以在《美的情绪：西洋画派十二讲》这本书中找你喜欢的艺术家，书中的插图很多很精美，找到你喜欢的画，然后有兴趣了再多去了解其他。公众号：鼠小闹