日本设计六十年:1950—2010读后感10篇
《日本设计六十年:1950—2010》是一本由[日]内田繁著作，中信出版集团/楚尘文化出版的精装图书，本书定价：128.00，页数：520，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。
《日本设计六十年:1950—2010》读后感(一)：设计，社会
有关日本设计的书读过不少，其中大多着力于对“美”本身的探讨，一言以蔽之，是将设计视为一次美学任务，这本则有所不同，每一部分皆以社会背景开场，美军单独占领日本、大阪世博会、平成大萧条…然后再谈回设计发展，仿佛设计变成了一个社会事件，是由无数设计师助推的一场运动。无论世事如何变迁，人有人的主张，设计变成一股特异的力量，由时代孕育，服务于时代却又没有迷失于时代。日本的设计从最初拙劣的模仿到逐渐衍生出独特的美学主义，一路上借鉴了一些，无奈放弃了一些，也坚决放弃了一些，终于找到了自己的坚持。
我个人不太喜欢以表达艺术家感受为唯一目的的创作，仅就设计而言，广告和海报的抽象程度似乎已经是我能理解的上限。这一点想法和作者在书末尾的观点有些许类似，回到日常关照生活，设计的本质是对人类生活的思考，代表着一种期待，它不单单是一种完全呼应商业需要的产物，反过来它也可能会塑造某种生活态度，比如极简主义，日式做减法的哲学，都有了其追随者，这是不争的事实。
谈到“设计力”，我常常会想，一些看似简单的日用品设计中蕴含的美好，当被使用者切实感受到的那一刻——大概类似于肖恩在《增长黑客》里定义的“啊哈时刻”——是否在设计师和用户之间有什么东西在流动，而这种流动就是那力量的一部分，也是美感的一部分。日本的小物设计常让我有这样的瞬间感受，所以我会选择一些送给他人，希望能传递一些什么；也会选择一些东西留给自己，希望能保留一些什么。生活中诸多不满，这些小小的美好姑且算作一种温柔的反抗吧。
读完这本书之后，我突然意识到自己目前从事产品开发也常常面临设计上的选择，“能以设计表达温柔的反抗”，这是我对自己的期待，也许设计真的是可以改变一个社会的。
《日本设计六十年:1950—2010》读后感(二)：设计之美，心醉神迷
近来在看内田繁的《日本设计六十年：1950-2010》，心有所感，略述以纪怀... 作为曾经的专职平面设计工作者，翻阅这本日本60年设计史，心下慨叹良久！ 日本传统以“侘寂”、“幽玄”为美，从弥生、飞鸟时代，直至平安、镰仓时代，这种“变化之相”、感叹时间流逝的审美心理就一直沉浸入日本人的灵魂之中。正如内田繁所言：“虚幻、侘寂、寂寥、不安... 转化为心理上的美感，并从中寻出它的积极价值。”这才是日本设计的内核与精髓所在。 日本由于所处地处四个板块（北美、太平洋、菲律宾、亚欧大陆板块）的交界处，地震和火山活动频繁，天灾迭生，故而日本国人一直以来都在寻求“与大自然共生”之道。在这样的环境下，日本人更懂得追寻生活中的细微、“弱小”、极简之美，而这种日本传统之美学更体现了日人对美好生活的极致追求与向往。 内田繁在這本《日本设计六十年：1950-2010》终章中写道：当我们思考“设计究竟是什么”的时候，应该会考虑这个地球上人类健康地生活下去的方法... （设计 design）应该是对在有限的地球上如何持续生存下去的“与大自然共生”的思考，其中最重要的是“人类”如何带着人类的尊严生存下去，所谓生存究竟为何物的思考... 正基于此，在经历了50年代进驻军影响的西式建筑、家具和日本工业设计之启端，60年代激进浪漫色彩浓郁的设计风潮，至70-80年代的雨后春笋般的室内设计、商业设计、亚文化的流行... 然后到90年代至21世纪10年代的多元化、回归传统与现代的交融设计潮流。日本设计60年，是令人称羡的时光隧道...
此书中还有对日本知名建筑师安藤忠雄、设计师原研哉等人的绍介，尝试对日本60年的室内设计、工业设计、平面设计、建筑设计以及橱窗设计的细致梳理，图文并茂，值得一看。 掩卷长叹，时光回溯。日本设计以其极简主义、富于“变化之相”的美感，深受各国民众喜爱。反观国内设计界的“借鉴”、缺乏灵魂的浮躁之风，喟叹良久，难以释怀！相信，随着多元化世界设计格局的深入，以及日本设计师追寻、探索“侘寂”、“幽玄”传统美学，日本的设计工业定会有更大的进境...
《日本设计六十年:1950—2010》读后感(三)：设计是一种生活方式
设计是一种生活方式。
收到小盆友寄来的书，一看还很贵，128元，放在书桌上很多天了，总是觉得心里隐隐不安。这么贵的书，加上快递费，不读一遍实在对不住人家。
刨去目录后记这些边边角角，还有四百五十多页的书，三个半天就读完了。
设计，是一种想法，一种思维方式；一种活法，一种生活方式；一种舞蹈，一种表达方式。
设计，只有在很少的时间里，就是为人的生活的快乐做出贡献的道，甚至，它就是一种多余。
镰仓之前很多年，几百年，上千年，日本房屋建筑同设计没有关系，就像大米最初没有人注意米粒的大小方圆一样。
这时候属于光脚文化席地而坐，像原始人么？此处毫无贬损之意，就是一种思维方式。
房屋如此，地面如此。
鞋，很能看出日本在设计方面思维性的变化：
镰仓之前，光脚。
镰仓时代开始穿鞋，就是穿鞋入室。
室町时代开始脱鞋，就是脱鞋入室。
脱鞋入室，席地而坐，影响到日本从地板到房屋、从衣服到梳妆几乎每一个细节。
二战后美军入住，出现穿鞋入室，然后影响到几乎所有公场所；但私人家居，依然是脱鞋入室。
我觉得，在几乎所有关于日本设计史实和理论中，很少说到70年代的日本室内设计。
对私人来说，就是对居住环境的设计；对公人来说，就是厅堂设计。
（天朝还早，还非常早，尤其居室设计，几乎还是个零。厅堂设计，也主要集中在经营性的如茶室、饭馆等地方。更大的地方，例如博物馆、图书馆、纪念馆，外观有所讲究，厅堂则更多表现似乎是领导意志。）
70年代日本经济的翅膀几乎已经长硬，室内设计也便应运而生。本书简单说到了北原进、内田繁、三桥育代、杉本贵志、植木莞尔和森豪男几位。
而且基本没有提到日本室内设计，宗乎欧洲尤其是法国挪威的根本。
自然也没有提到，所有日本设计里，特别讲究一点，就是崇尚自然。
崇尚和接近自然物的性格，不知是从什么时候开始。是因为日本自然物产贫乏才敬畏？是因为古早时期人光脚着地接近土地而崇拜？还是别的什么原因。
应该不是因为工业缺乏。
后泡沫之后一百多页文字，我赶脚是本书对中国读者而言特别有价值的地方。
设计，无论是什么样的时代，其实都在，无处不在。
并非只有绚烂豪华需要设计，经济发达需要设计，经济萧条也需要设计，泡沫破了也需要设计。
日本后泡沫时期，最大的贡献不是让人看到美好自然贵重体面等过去所谓设计想要表现的东西。
日本后泡沫时代，（不要说什么以人为本这类蠢话）日本的设计师似乎一下子明白过来，设计最重要的，就是日常。
日常。
乔舒亚贝克尔有本《极简》，书的影响很大，但我赶脚，它没有将极简的最真的东西说出来。极简不是目的，极简要回到的，是日常。
设计不是什么才能。
设计是生活方式，是思维方式，甚至就是生活本身。
《日本设计六十年:1950—2010》读后感(四)：60年代日本的海报设计几乎是一场脱离了剧场的“话剧”
日本地下话剧在60年代末开始大放异彩，大家享受其独特的魅力之时，话剧的海报设计也一起“加入”进来。在《日本设计六十年》里，日本著名设计师同时也是本书的作者内田繁先生以亲历者的身份记录了这场潮流运动。有当时不少日本著名设计师参与，迷幻的色彩、图案展现了他们丰富的想象力的同时打破了固有观念的束缚，“潜藏着无论任何时代的价值观和审美观都可以加在上面的跃动感”。使得海报的设计完全不再是依附话剧存在，而是上演着一出激情澎湃，令人沉醉的“话剧”。
20世纪60年代末，以新宿为中心的小剧场作为核心，亚文化与反传统文化相融合的地下文化开始出现。包含了话剧、电影、剧画、平面设计等行业的运动体将年轻人们席卷进来，发展成了一个较大的社会运动。
直接说结论的话，也就是这段时期更多不同的价值观开始凸显出来。“1968 年问题与激进主义”，是包括了从明治时代开始持续的“日式体系的形成系谱”，培养了一批追求新认识、新行动、文化多样性的年轻人文化。
日本平面设计的历史中，通称地下话剧的海报设计曾经大放异彩。以横尾忠则为首，粟津洁、宇野亚喜良、及川正通、赤濑川原平、金子国义、及部克人、平野甲贺、串田光弘等著名设计师都曾经做过地下话剧的海报设计。当时的地下话剧行业中，除了年轻人以外，三岛由纪夫及涩泽龙彦、加藤郁乎乃至细江英公等其他行业的作家和文化人也被卷了进来，从20 世纪60 年代到80 年代初期成了一个大的潮流。
本来这种地下话剧的形成背景，是筑地小剧场以后，具有强烈艺术志向的一代人，开始追求之前的新剧中所没有的东西开始的。当时从反传统文化、嬉皮文化、亚文化这些反体制世界受到了强烈影响的年轻人大多聚集在以新宿为中心的地带。萨特及加缪等作家的存在主义文学的全盛期，到处蔓延着想要挣脱文明和理性的束缚、标榜自由的思潮。
地下剧场受到这些年轻人支持的。没有用“剧团”而用“剧场”的确有着微妙的含义。1963 年唐十郎在新宿花园神社境内成立的“状况剧场”［通称红帐篷］举起了大旗，1966 年铃木忠志的“早稻田小剧场”［通称早稻小］、佐藤信等人的“自由剧场”［后来发展为黑帐篷］、1967 年寺山修司的“天井栈敷”成立，俗称的“地下四大天王”就这样凑齐了。当时自由爵士乐、前卫艺术以及无厘头系亚文化之间的共同演出和交流也很多。提到亚文化，现代虽然一般指的是“宅文化”，但在当时却是大众坚持对抗主流文化的文化。
这些活动中提出了无限的可能性，包括海报在内，表现的初端是土方巽的“暗黑舞蹈派”。土方遇到了受玛丽· 魏格曼［Mary Wigman］“新舞蹈”［Neue-Tanz］影响的大野一雄，从超现实的独特语言和印象的混合中，确立了肉体根源和本土表现的创造手法，成为对后来诸多领域的艺术家们都产生了极大影响的稀有表现者。芦川洋子的白桃房及麿赤儿的大骆驼舰、田中泯、五井辉及山海塾等人的后来继承，使得BUTOH［日本舞踏］不仅是20 世纪代表日本的身体表现艺术形式，也是现在世界通用的词汇。
1965 年，土方的GARUMERA 商会设计的《彩色舞蹈》［バラ色ダンス］海报，采用了许多的原色与荧光，是谁都没见过的迷幻表现，设计人是横尾忠则。从某种意义上说，可能是划时代的最直接表现了意图的作品。据说还有一段佳话，土方当初本想请当时已经活跃在第一线的田中一光做设计，听了原委后，田中说有更合适的人，并把横尾介绍给了土方。田中后来为土方设计了《安静的家》［静かな家］的海报，从这里能看出他作为总监的眼光。总之，横尾的名作就这样诞生了。
宇野亚喜良《LAMARIEVISION》《穿皮衣的玛丽》［德国公演］ 1969年唐十郎看到了横尾制作的海报，就请他设计了《腰带仙人 · 忘却篇》［腰巻お仙 忘却篇］的海报。代表着花牌的文字和色彩的变了形，穿黑色正装的男人和穿女装的男人对视着，戴着头盔的裸体女性在空中飞舞，前面是巨大的桃子乘坐的新干线和像浮世绘般的波浪图案，背后有阳光照射，营造了一个虽然浓厚却很波普［轻快］的不可思议的世界。引人发笑，却又貌似不可窥视的日本被浓缩在一起的世界观，就像落语的开场音乐。这张海报自1970 年就永远保存在了纽约现代美术馆。
横尾忠则《腰带仙人·忘却篇》1966年从此就像大坝决堤，年轻设计师们与地下话剧开始了争相斗艳。状况剧场除了横尾的《史约翰》［ジョン・シルバー，1967 年］以外，还有设计《少女都市》［少女都市，1969 年］的赤濑川原平、设计《少女假面》［少女仮面，1971 年］的金子国义、设计《二都物语》［二都物語，1972 年］的及部克人、设计《铁假面》［鐵假面，1972 年］的合田佐和子、设计《唐版风的又三郎》［唐版 風の又三郎，1974 年］的筱原胜之，天井栈敷原先的创始元老横尾自不必说，设计《皮衣玛丽》［毛皮のマリー，1968 年］的宇野亚喜良、设计《犬神》［犬神，1969 年］的粟津洁、设计《扔掉书本上街去 》［書を捨てよ! 町へ出よう!，1969 年］以及设计《卡里加里博士的犯罪》［ガリガリ博士の犯罪］的及川正通等人一起，后来设计《百年孤独》［百年の孤独，1981 年］及《旅鼠’82 年修改版》［レミング82 年改訂版］的户田勉也参加了。
及川正通《卡里加里博士的犯罪》 1970年佐藤信等人在《话剧中心68 ／ 71》［演劇センター68 ／ 71，后来的黑帐篷］中，平野甲贺、及部克人等人在《燃烧翅膀的天使们的舞踏》［翼を燃やす天使たちの舞踏，1970 年］中大为活跃，这些表演者与艺术家们携手合作，正如字面意思，一起打造了不受固有观念束缚的新的表现。
平野甲贺、及部克人、串田光弘《燃烧翅膀的天使之舞》 1970年这些代表作至今会给读者身临其境的感觉。既是本土的又是大众的，马戏团及窥探新奇小屋的怪异和怀旧的情感，以及超越了色情和禁忌的紧张感，媚俗的具有浮游感的迷幻表现大军，潜藏着无论任何时代的价值观和审美观都可以加在上面的跃动感。这些都是无法在社会推进的现代合理主义及西方的逻辑中找到的人类深层心理，引起了当时追求这种情感的年轻人们的共鸣。
当时的海报不仅是一种宣传艺术，而且就像是话剧本身，演出与海报之间的关系比任何一种关系都更亲密、更象征了一场戏剧。这在之前的创作本质与海报相关联、相共鸣的时代算是稀有的。海报大多以B 号全幅的丝网印刷制作。此时支持着海报制作的是下落合的佐藤工艺印刷所，日宣美出展的作品中需要自己制作的大多数作品也都与佐藤工艺相关。海报作为一种表现形式，也是一场脱离了剧场的话剧。
20 世纪60 年代的文化在70 年代时发生了很大的变化，今天来看，60 年代这十年都是设计的夏天，各种问题都浮现出来，同时也为之后的设计应该思考的诸多主题酝酿了土壤。
（内容摘自《日本设计六十年》）
《日本设计六十年:1950—2010》读后感(五)：细说日式设计的前世今生
日本文化实际上是从唐朝传过去的，看日本文化等于看自己的东西，却又不全然是自己的东西。
日本总是擅长于全盘接受各种被他们认同的而自己并没有的文化，比如唐时来中国学习，比如明治维新时如饥似渴的吸纳西方科技文化，又比如二战后的日本又开始了新一轮的全民大学习。
正是因为日本擅长接受各路文化，外来文化又与日本自身文化互相碰撞融合，造成日本的设计有很有强的文化标志性，在众多的设计中，日式设计总是很容易就被分辨出来。
那么特征鲜明的日式设计到底有着怎样的前世今生呢？内田繁所著的《日本设计六十年——1950-2010》从美军驻兵日本之后开始进行梳理，收录了近 500 位设计师的作品，梳理了日本设计60年发展历程中的重点事件以及相关的设计组织和个人的代表性案例，其中，就日本工业设计、艺术设计、文艺设计、商业设计等各相关方面，进行了横向及纵向描述，以设计的角度展示了一部日本近现代史。
作者内田繁本身就是一位出众的设计师，在他的设计生涯中，获奖无数，也发表过多部设计佳作，而在此书中开篇从二战后美国占领的废墟下，日本人抓住兴建美军家属房的机遇，让本国经济乘美国的东风起飞的同时，日本的设计也在废墟下焕发勃勃生机，奠定了现代日本设计的基石。
日本设计的发展跟日本的经济是分不开的。 随着二战后日本经济的复苏，日本设计师为了设计的美学、商业目标成立日本设计委员会，评选优秀设计、平面设计开始集团化，从集团化到独立化、从广告到非广告以及设计职业的细分等，代表了日本平面设计的一个重要分水岭。
引起社会轰动的Graphic55展，设计师从对美学的追求上，开始把眼光注重于设计的实用性、可用性，好的设计，应该很好用。
在设计界，抄袭是令人唾弃的行为，日本商品大量生产、出口，以此创外汇来改善国内经济，却导致很多产品的版权淡漠化，冒牌货引发了日本出口国的不满和抗议，面对这种形势，日本建立了G-MARK制度来防止设计的抄袭 。
五十年代的日本开始出现工业设计师，美式生活文化的流行，新消费社会随之形成，一方面加速了日本工业设计上的巨大进步，一方面则是出现了对快速发展的工业社会的质疑。人们开始感到压抑感，为了解决人与工业的矛盾，1960年世界设计大会在东京召开，此次会议对当时的日本乃至世界上工业设计及设计行业、建筑行业都产生了深远影响。
餐桌用万字酱油瓶设计是科技与艺术的结合，是商业社会的产物，在商业社会中需要艺术设计与创作理想的平衡，需要客观与克制，一个优秀设计产生的过程是商业价值，美学价值，社会价值平衡的过程。
东京奥运会的举办，推动了当地乃至日本的基础设施的完善，盘活了日本的工业，商业，东京奥运会是商业价值，美学价值，社会价值平衡的生动说明。
设计为什么会打动人，因为用心来做。日本设计师也是用心来做，发自内心的东西最容易感动人。PERSONA小组展能取得成功就是因为它所表现出来的设计让大众所喜爱，这也标志了日本设计行业的一个重大转折，小组展所表现的内容更加贴近社会要求，更加功能化，对设计的个性和多样性起到了一个投石问路的作用。
枯山水从工业化社会走向信息化社会，室内设计与服装设计兴起，对个性化的需求变得更多起来。
进入七十年代以后， 这一时期可以说是战后日本现代设计发展的黄金年代，日本设计师在国际上几乎囊括过所有各类海报设计大奖。由此诞生的大批优秀设计师和设计公司也成为了日本设计发展至今的坚实基础。
田中一光作品到了八十年代末期，日本经济持续大副下滑，日本的设计也同样经历了一段相对沉寂的时期。而这段沉寂时光给了日本设计师一次成熟思考的机会。
胜井三雄作品世纪交替之际，日本的设计开始重新出发 ，设计师们更愿意从设计的本质出发，在各种领域深度考虑设计与人，设计与生活的关系 。
2000年以后，全球环境变化提上日程，地区纷争与恐怖袭击所带来的经济不安定、差别化社会、粮食危机与食物安全问题，促使人们更加追求自然、精致、智能的生活需求，设计与机械技术、电子技术相结合，更加注重情感的设计，好设计，可以让社会更美好。