《现代艺术大师》的观后感10篇
《现代艺术大师》是一部由Louise Hooper执导，阿拉斯泰尔·苏克主演的一部纪录片类型的电影，特精心从网络上整理的一些观众的观后感，希望对大家能有帮助。
《现代艺术大师》观后感(一)：给自己留一点观后感
现代艺术扫盲。之前对四位的了解几乎仅限于名字/眼熟代表作，看完之后感觉还是有些收益的，做点笔记。
达利部分
超现实主义，来源于弗洛伊德派心理学家关于conscious和subconcious的看法，我们对很多东西的感受大部分是因为潜意识而不是我们能用语言表达的“前意识“, 所以很多时候艺术可以帮艺术家表达或者刺激受众去感受自己的潜意识。那些特别直接或者略显粗俗的东西反而可以更好的跟我们交流。比较有趣的是主讲人采访一名艺术家的时候他们讨论到达利的两只广告，主讲人开始用语言分析两支广告的不同的时候被艺术家打断，“you are doing it again"。我们太多时候都想用理性的东西去解释我们对一件艺术品的感觉，有些时候可能只是无解的潜意识。
达利家乡的那片海和各种神奇的石头也让人印象深刻。虽然我们没有他的那种艺术天赋，但是其实仔细看也能看出那些骆驼和人脸。作为一个艺术家能出生在这样一个充满灵感和灵气的地方也是很幸运的。在讲解一个艺术家的人生的时候，多介绍给他们带来灵感的东西是一个好的切入口，也可以让看的人跟他们更接近一点。相信一个艺术家的成功不仅是天赋，同时也有很多天时地利的因素。
达利的艺术博物馆也非常有趣，仿佛是一个老顽童的玩具屋。其实作为一个对艺术史完全不了解的人，很多时候去看画展啊艺术类博物馆其实相当无聊，虽然现在把各种艺术品方方正正的摆起来是大潮流，但是私以为不见得是最好的方式。
毕加索部分
毕加索的的作品似乎很多都体现了他本人在某段时间的心情，他的很多艺术转型都源于朋友的死亡或者收货新的“爱情”。他更后期的作品的表达方式受非洲艺术影响很多，那种比较夸张的面部表情表达方式确实更直观更影响人也更适合他所表达的主题。妓院和流浪汉的感觉很难用那种优雅克制的画风体现，立体派的一些更夸张扭曲的表达方法是合适的。
毕加索的政治偏好很有趣，似乎是被党派当成一个类似吉祥物的存在，和平鸽的原型居然是家里的土鸽子我也是有点没想到。有机会希望能亲眼看一下Guemica，感受一下一副作品在被移来移去的过程中经历的摩擦。
马蒂斯部分
应该是四个人之中我最完全不了的一个，但是看完却最迷之感动，虽然作为一个色盲看不出用色的巧妙之处，他的作品的影响的部分倒是比较有趣。剪纸作为一种艺术形式也有意思，一个80岁的老人还有那么多灵感，如果不是这样一个形式这些灵感可能就没有被大众看到的机会了。
马蒂斯最后设计的那个小教堂用色反而真的返璞归真，如果有机会很想去一下感受一下那种安静。小兔子也好可爱好可爱，简单的颜色特别适合小孩子的书，
安迪部分
最有趣的点是每个人在安迪手下都可以有像明星一样的体验，他本人似乎也这样觉得。技法很难说是最好，但是确实有创新影响力广并且有非常强的预见性。被枪击差点死了之后居然开始更疯狂的爱钱，真是有够妖艳贱货跟外面那些清纯美少女一点都不一样。
《现代艺术大师》观后感(二)：【笔记】现代艺术——安迪·沃霍尔
“每个人都有自己的15分钟。” 消费主义主导的名人社会。
基于照片，鲜艳色彩，抽象成面具。
流行就意味着好？
一.早期
生于1930s大萧条的匹兹堡的贫困家庭，少时害羞，电影杂志和天主教是两大精神支柱。
1950s 从设计学院毕业后来到纽约，做商业插画等工作。 永不停止的野心。
1950s中期，商业插画事业发展，开始想成为一名艺术家。讨厌杰克逊·波洛克将内心的激情用泼墨的方式绘画。
二.波普艺术
迷恋上了50s消费主义的美国，将商业物件用简洁、机械化的方式描绘出来，诞生了全新的艺术——波普艺术（pop art），流行也可以成为艺术。
喜爱可口可乐。“这个国家的伟大之处在于——在那里最有钱的人与最穷的人享受着基本相同的东西。你可以看电视喝可口可乐，你知道总统也喝可口可乐，丽斯•泰勒喝可乐，你想你也可以喝可乐。可乐就是可乐，没有更好更贵的可乐，你喝的与街角的叫花子喝的一 样，所有的可口可乐都一样好。”对他来说，这是一个非常美好的民主的符号，因此，为什么一瓶可乐不能成为艺术品呢？
1962年的个展，跻身艺术界。当第一次展示时，大多数人觉得是个笑话，但是它确实奠定了安迪的风格——明亮的色彩、机械化的摆拼技巧、一系列几乎相同的形象。他的作品描绘的是资本主义、消费主义，也是生活在那个时代的人。
三.消费主义与名人
安迪试图探讨权力、品牌与营销，它意识到要实现自己的名人梦，他必须使自己成为品牌并为之营销。Andy Suit——创造一个可以被大众记住的形象，以帮助他推广自己的艺术和名声。“安迪·沃霍尔最大的艺术品是安迪·沃霍尔本身。”
诡异、面无表情、神秘感、轻率的态度、令人气愤的回答。
他的支持者认为不是艺术物件的原创性（批判者认为安迪只是用现有的商品做的拼贴）而是艺术品背后思想的原创性更为重要。而安迪为了拒绝艺术的原创，开始讲自己的工作室称作“工厂（The Factory）”。
1962年8月，玛丽莲·梦露死于用药过量，安迪立即决定为她制作一系列肖像，他使用绢印版画技法，用24张玛丽莲的照片表达了他最喜爱的两个主题——名人和死亡。五彩的图像掩盖了黑白的照片，呼应了媒体打造的闪亮玛丽莲之下的深刻的悲伤。
名人和死亡的主题不断拓展着现代艺术，它们两者在某种程度上来说是同一硬币的两面。
安迪意识到消费会主导美国的下一代，它想成为新时代的核心。50年后的今天，他的作品已经走出了画廊进入到了我们的生活，它的品牌和标志可以运用到各种事物上。
利用电影来创造艺术是安迪的另一突破。Screen Test：无脚本地拍摄3分钟，通过镜头的逼视记录下人的外表和潜藏的思想性格。
安迪意识到，如果有足够的曝光，每个人都能成为名人，他首先看到了一个全球性的名人现象的到来，他创造了super star。他预言将出现一种全新类型的人，任何人都能找到一个办法让摄影机对准自己，使自己成为名人。
1965年，安迪离开绘画，与地下丝绒乐队合作，并为他们的专辑创造了经典的“香蕉”图像。70年代的朋克很大程度上也受安迪和其Factory的启发。
迷恋violence of death的主体，为此创作了一系列关于死亡和灾难的作品。它试图模仿和记录下新闻中出现的灾难。
四.社会活动家
1968年的枪击事件是其人生中的一个转折，在这之后的20年中，安迪开始成为一个社会活动家，everything became bussiness.“好的企业就是最好的艺术。”从模特界到电视节目再到杂志。
安迪·沃霍尔重新定义了艺术家的作用，他打开艺术的门，然后告诉人们Anything can happen.他用平常的事物反映人们的欲望，他将艺术带出画廊，引入音乐、出版、电视等多个领域。他告诉我们“我们是谁？我们将成为什么？”，并且表明艺术将会照亮这些事情。
《现代艺术大师》观后感(三)：《现代艺术大师》达利
萨尔瓦多·多明哥·菲利普·哈辛托·达利-多梅内克，普波尔侯爵一般简称萨尔瓦多·达利，是著名的西班牙加泰罗尼亚画家，因为其超现实主义作品而闻名。达利是一位具有非凡才能和想像力的艺术家，他的作品把怪异梦境般的形象与卓越的绘图技术和受文艺复兴大师影响的绘画技巧令人惊奇地混合在一起。 为从潜意识心灵中产生意象，达利开始用一种自称为“偏执狂临界状态”的方法，在自己的身上诱发幻觉境界。达利发现这一方法后，画风异常迅速成熟，1929～1937年间所作的画使他成为世界最著名的超现实主义艺术家。在他所描绘的梦境中，以一种稀奇古怪、不合情理的方式，将普通物像并列、扭曲或者变形。在这些谜语一般的意象中，最有名的大概是《记忆的永恒》(1931)，画中以平静得可怕的风景为衬托，停留着一只柔软易曲、正在熔化的表。
《现代艺术大师》观后感(四)：一点观后感
所谓“现代艺术大师”，从某种意义上，他们都是一种与传统相背离的艺术的开端：安迪霍尔真正做到了把机械时代的复制品变为艺术，且把复制本身变为一个艺术的过程；马蒂斯摒弃了一切绘画中有关秩序、和谐与细节的传统，仅以夸张充满而生命力的轮廓和明亮到刺眼的色彩作来呈现原始的生命力；毕加索除了和好友共同开创了立体主义的先河外，还成为拼贴艺术的鼻祖，从而把艺术带离单一的纸媒介；达利笔下狂野的超现实主义画作彻底改变了人们认知日常生活的视角，他还把超现实主义带离高冷的艺术世界，丢入好莱坞和迪士尼的花花世界，以及被同时代其他超现实主义大师嗤之以鼻的广告界。
纪录片一开始就阐明了本片主旨：意在探究这些大师对他们所处的时代以及我们的现代生活有什么影响。这让我再一次意识到我们过着一种多么“想当然”的日子。我们似乎没有意识到，当代的时尚圈在多大程度上是对大师们艺术的沿袭。比如横条纹衣服的流行很大程度上得益于安迪霍尔；比如我们现代衣服上的设计很多源自于毕加索的立体主义；比如 Paul Smith 和 YSL 都从马蒂斯的画中提取过图案和颜色，以及 Macqueen 的某些设计和 Lady Gaga 的风格都是对达利超现实主义的延续。然而不可否认的是，生活中看到的更多的是对奢侈品牌盲目的趋之若鹜，真正的“审美”是缺失的。不过呢，话说回来，只要你喜欢且有钱，背后的设计理念什么的好像统统都没关系，当代奢侈品的生命力很大程度上还是来源于“有钱任性”吧。
其他一些零碎的想法：
1. 安迪霍尔的名人效应与社交媒体
安迪霍尔的艺术品很大程度上都是在展现无尽的复制是如何制造名人效应的，他相信未来每个人都能做15分钟的明星。MaCann的一个受访者说安迪是很有预见性的，他所制造的名人效应就像今天FB这样的社交媒体，通过不断的曝光自己来吸引注意力、制造影响、打造自我的品牌。
另一方面，又一位受访者提到人们对名人的崇拜其实是来自对完美和不朽的渴望。我觉得这一点能很好的解释当代人在社交网络上的“exhibitionism” ，社交网络给了人们“名人”的感觉，于是我们终于可以把之前寄托在公众人物身上的美好愿望转嫁到自己身上一部分。
2. 达利的超现实主义对广告的影响
正如Saatchi的受访者所说，令人惊奇的元素是一个好广告的标志，广告就是要赋予情感以生命，以戏剧化的方式呈现出来。于是我进一步的想到，maybe advertising is all about surrealism. 比如Ryan称赞过的那个麦当劳的广告 “make billy our problem”，他说这个广告的高明之处就在于，为了表达在麦当劳举办生日趴体的欢脱，站在门口的形象没有直白的用一个调皮鬼小男孩，而是 “one step further” 跨越到了超现实主义的领域，用了一个小怪兽来取而代之。
3. 超现实主义与个人爱好
现在想起来我的中二病都是有迹可循的：二次元、重口味、以及对人类学这种“从日常生活中抓取超现实元素”的学科的热爱，都可以被统一在超现实主义的框架之下。今敏大神的迷幻、英剧的荒诞，也都算是超现实主义的某种表现形式吧。我们的生活都太旧了，那些超现实的意外和惊奇，就算是陈词滥调里的一点杂音，也算是一种救赎了。
《现代艺术大师》观后感(五)：妄作指点
根本不是评论，只能算是菜鸟笨拙的私人课堂笔记，大触们看到一定会觉得有些生气，哎其实我不敢谈及艺术的。浅薄之处举目皆是，但请一笑付之。
安迪沃霍尔 重复，现实，解放，地下丝绒→大卫鲍依，死亡，商业
对于技法和观念来说，他并无什么高明的革新，也导致对他的褒贬不一。然而影响力因其前瞻性而深远，哪怕后来变成明目张胆的商业化。
马蒂斯 红绿野兽，必备黑白的色彩合唱，大面积用色→罗斯科、服装、卡通，不安与平静，生命焕发
绘画起步晚，对于传统技法的钻研恐怕也没有那么深刻，成长经历便成了他的创作源泉。他的探索过程并不跌宕起伏，早期只是随外部环境促使自己做出改变。伟大的触发点以及感情的主观解放，河流浩荡最终趋于平缓的生命历程，一切在他那里都进行得极有节奏。
纪录片的BBC腔调虽然已不是当今主流，但听起来的确有温和可靠之感。不得不提的是主导影片的那位艺术评论者，很多情况下艺术评论有很多既成法则被拿来直接使用，然而在法国别墅那段起显然是可贵的真情流露了。简单的房屋与棕榈树，病榻上借裁剪进行的形式创新以及教堂的无声触动。震撼之余只剩下质询还有什么叫做艺术。（我还是不要问了）
毕加索 蓝色时期→布鲁斯音乐，粉色时代，解构现实→立体派→装饰、建筑、服装,马蒂斯→和平鸽，条纹衣→安迪沃霍尔
过早展露的绘画天赋并没有过多干扰他日后的独立形式，我同时也认为古典油画技法对于他日后的随心所欲与条理性都是必要条件。两位友人的离世对于他的创作风格都具有里程碑式的意义，爱情与漂亮姑娘也是激发灵感的不可或缺。极其高产与图腾化，如果说达利的双眼装上了滤镜、马蒂斯用拇指调控色彩的跃动，那么我还要假想毕加索的脑内一定存在着解构软件。那双自幼灼人的目光辐射至他的晚年，暗处必有斗牛士般（pica）的能量伴随左右。已经词穷。
达利 死亡与性，弗洛伊德→妄想狂理念，荒诞→诺尔（sweety..），设计，傲慢梦境→希区柯克 许是因为他的画作传达出的时间感以及梦境的静止荒诞感过于强烈，在看这一集的时候我昏睡了两次。从害羞内向一举转型，他怀抱的是彻底的创新。荒诞至极便是忍不住发笑的现实。
《现代艺术大师》观后感(六)：被绝妙的理解击中
看了安迪沃霍尔、马蒂斯和达利，毕加索还没有看，因为毕加索是之前最熟悉的，留到最后看吧。
主持人小哥挺可爱的，弹幕里好多人叫他老公，还说他是小受，不过他已经订婚了，感觉是个温柔细心的小鲜肉，啊哈哈我好猥琐。
几年前去巴黎，看卢浮宫看了三天，虽然也很惊叹，但赞叹的是和谐静谧的、宏大直观的美，朝着瞻仰名字如雷灌顶的古典大师们去的，发出的感叹无非是“哇好像真的”、“真好看”之类粗鄙之语。后来冲到对面的奥赛博物馆，一口气看到天黑，感觉灵魂受到了冲击（哈哈 ），因为看到那么多梵高的画、想到《渴望生活》里那个充满爱的人，看印象派的画，能感受到强烈的生命的冲动、那些飞快的笔触、刺眼的眼光、看到塞尚的倾倒出画面的景物、莫奈的雪地的草垛、睡莲和无数的风景画、还有高更的诡异的日本版画风的大溪地岛民，走出博物馆，夜晚深蓝的天空和塞纳河岸金黄的灯光在水中的倒影，就特么是伍迪艾伦在《午夜巴黎》里的画面啊！巴黎在那一刻变得如此迷人，那一整天的整个人感觉是醉的。
扯远了，现在回想，为什么印象派、后印象派的东西能最普及，可能是因为那个时代它的题材和风格，是在我少得可怜的艺术史知识的基础上能欣赏得了的，你从笔触的情绪、色彩的冲击中一股脑地感受到画家的激情，那些东西能本能地引起你对大自然和生命的美的共鸣。
但是对现当代的艺术、除了能知道点耳熟能详的名字和代表作、多数无感，越到当代越无感，可能总觉得并没有技术含量吧哈哈，当然了照相机问世以后，绘画的技术含量某种程度上被抛弃了。那些牛逼轰轰的大作，并不知道好在哪里，有的有点感觉，但说不清、更多的，是企图用一些哲学概念去套，象征啦、解构啦、批判啦、嘲讽啦、荒谬啦。
C的这套纪录片拍的方式很棒，依着时间顺序，先追溯大师们出身成长的经历，小哥顺便当地一游感受氛围，再扩散到作品和周边、对时代的影响，小哥又顺便世界各地观光浪荡一翻，拍得逻辑清晰，画面美好，配乐棒呆，小哥口才不错又很萌。不过真正打动我的，是那些访谈，比如其中讲安迪沃霍尔的时候，采访了安迪的好朋友，纽约的一个老骚货（看起来就是）艺术家和演员叫Dennis hopper，小哥问他，为什么安迪喜欢复制，他说，这不就是我们的时代吗，媒体、报纸、滚动新闻联播~~~迈克尔杰克逊都死了多少回了？小哥被启发了，说，你不觉得安迪能够预言么，他预言了我们时代的媒体运作方式。老骚货摇头，我不认为艺术是对时代的预言啊记录啊什么的，当杜尚说“artist in the future would be a person points his fingers”这个人不一定是画家、不管他是画在布上或者是别的，他只是说这是艺术，这就将成为艺术。！！！恕我无知，之前怎么没有听到过杜尚这句话，惊为天人!我觉得这是对现代艺术最精辟的总结，艺术家就是那个point his finger 的人，成为艺术的方式，不在于他的作品好在哪，而在于对他对艺术的全新定义。
还有一个是讲达利的时候，小哥采访一个广告创意总监，总监在拍广告,一只完全陶醉在音乐中的黑猩猩以为我独尊、“我的低调不是你们装逼的资本”的气势和着音乐打架子鼓，画面非常动感，小哥很喜欢，提问：“为什么是黑猩猩（有何深意）？”，总监：“why not？你所知道越少的东西，会越迷人和有趣。”小哥：“那比如一个蜥蜴在跳康康舞呢？就不行吧”总监：“为什么不行，你看，这种角度就不对了，企图去搞懂为什么，企图去用理性的认知去分析和阐释，这就错过了重点，出发点不是说让你think differently about this，而是feel the emotion about that。The art of a great salesman is they don’t have to sell，而超现实主义，让你脱离实在确定的东西，到达另一个地方，在那里，你的理性失灵了 。”几句话直击要害，醍醐灌顶、豁然开朗啊~~~这才是艺术可贵的地方啊，如果艺术是描述或者传达一种思想，那何不直接言说？所以超现实主义重点不是荒谬啊反讽啊，而是一种边界，跨越理性的边界，是一种惊叹，语言所不能描述，理性无能为力的惊叹。
《现代艺术大师》观后感(七)：我喜欢这部BBC纪录片
这系列的纪录片于2010年期间播出，介绍了4位现代艺术大师：安迪·沃霍尔、马蒂斯、毕加索，达利。
主讲人Alastair Sooke 年轻帅气，不是一般我们印象中的老学究，讲得深入浅出。他本人是艺术评论家，兼the telegraph的艺术新闻记者，曾经采访过多位当代知名艺术家：Damien Hirst，Anish Kapoor等。
本片中主讲人亲自去往世界各地，采访很多当事人，专家学者，艺术家虽然都已与世长辞，但看了本系列纪录片后，感觉他们离我们很近，他们的影响依然深远。我更多地了解到了各位艺术家的成长道路，他们艺术的独特之处。我学了多年的美术史，看了本系列纪录片后，犹如架起了一个望远镜一样，大大地开拓了我的视野。让我意识到艺术探究的道路无止境！
《现代艺术大师》观后感(八)：。
它由四部分组成，分别详细介绍了20世纪的四位重要的艺术大师：安迪·沃霍尔（Andy Warhol）、马蒂斯（Henri Matisse）、毕加索（Pablo Picasso）和达利（Salvador Dali）的工作与生活。在片中，镜头跟随主持人Alastair Sooke的脚步，走访了四位艺术家们生前的居所、艺廊及博物馆，甚至是他们最爱的餐厅等地，向观众展示了他们伟大的艺术贡献以及惊人的后世影响力。环顾四周，麦当娜的专辑封面、米菲兔的文具、甚至是你家的沙发和电话，也许就来源于这四位大师的创作…… 开篇就点出了艺术的实用性，艺术的起源本身就是有使用的巫术而来的，现在，成为摆在艺术馆的令人敬而远之的，难以理解的高雅之物，作者对人们的这种思想观念是抱有批判态度的。艺术就是为人服务的，以此，从心理上，我们不能将它想的太神秘，太遥远。 作者意在告诉人们，要怀有一颗开放的心灵，去尝试欣赏各种艺术作品，了解他们，发现他们的美。
《现代艺术大师》观后感(九)：给自己的观后感
这部纪录片给我的影响很大，看了四集之后，我看到了四位现代艺术大师：安迪.沃赫尔、马蒂斯、毕加索、达利。其中我最喜欢的人物是毕加索，这部纪录片详细地记录了他各个时期的绘画风格与情感变化，毕加索各个时期的风格都是因为他的朋友、爱人等人物而一直在改变，所以，我认为毕加索是一个很受情感所影响的人，可就因为他的这种性格，他才能有不同风格的作品，毕加索的一生都在艺术上改变，他不想和别人一样，所以他才会创造现代艺术作品，当别人问他：什么是艺术时，他又反问他：什么不是艺术？这句话是我觉得最具艺术性的一句话，这句话告诉我们：什么都是艺术。所以，我喜欢这部记录片，它给我上了一课。艺术不止只有绘画，生活中时时刻刻都有艺术在产生，所以我们要去寻找艺术。
《现代艺术大师》观后感(十)：看了安迪的那一段
因为喜欢伊迪·塞吉维克的关系，所以一直都很讨厌安迪 窝火。
因为安迪给我的感觉就是非常非常无情。
简直是非人般的残酷。
伊迪还有其他人，跟他在一起那么久。。
但是他却并不关心她。到伊迪死的那天他都只热爱他的艺术。
当他说出 没错。那确实是复制。那样做比较简单。
刚开始我觉得他拥有水一样的思维，能够轻易得接受任何的打击。
或者爆棚的自信。
然后猛然意识到
这货天生是观察者，天生对自己本身的存在无所谓，
天生是疯子。
他在那里像一台录像机，什么都不做。对于世界的一切几乎都无动于衷。他的冷漠自私开启了现代社会，或者是加入到商业社会当中。
我念服装时，听到过一句话，真正的大师能够引领下一个10年的风潮。他做到了。事实上他的作品真的很廉价。【尽管卖的不廉价】而廉价是我们这个时代的特征。
觉得他的东西是新媒体艺术的前期，用连续的画面表达东西。
过程被简化，突出的是想法。
他有一种哲学的念头在那里。
万事万物从不同的角度看有不同的意义。
这在新媒体艺术的概念还不普及的当时简直太奇妙了。
这几乎可以囊括他不停复制的全部理由。
后面的一些实验性的片子，是他的灵感来源。
哪怕观众打再多呵欠，他自己肯定觉得有趣极了。
事实上这些片子是体验放大的结果，引领人去打开自己的感官，好好的体会和触摸。
最后那一段说安迪晚期爱上捞钱。
凡是艺术家都不可能只将眼睛盯在钱上。
对于他们钱很无聊。
我觉得他可能是经历刺杀后猛然意识到了自己总有死的一天。于是他干脆让自己成为明星，放大自己的存在感。融入到这个世界。
就像勃拉姆斯临死前说 下辈子我不再做音乐，我要自己成为音乐。