迎向灵光消逝的年代读后感1000字
《迎向灵光消逝的年代》是一本由[德] 瓦尔特·本雅明著作，广西师范大学出版社出版的平装图书，本书定价：16.00，页数：158，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。
《迎向灵光消逝的年代》精选点评：
●灵光的消逝孰好孰坏？现在的艺术真的只能作为博物展示吗？《机械复制时代的艺术作品》比张旭东译得好。
●摄影的意味与放大无意识的能力有关，电影亦然。灵光（aura）的美感与消亡以及仪式感有关。
●艺术从膜拜性质的凝神观照转变为侧重展示性质的自我消遣方式，从前是作品吸收受众，现在是受众将作品转化为自我表现的一部分。#摄影对艺术所动的手脚，也正是自媒体时代对文字动的手脚吧#
●机械复制让艺术大众化，却逐渐走向了失去“灵光”的时代，这是多么矛盾的一件事。也许艺术家常戚戚的原因就在于，他们“专心”创作出来的作品，观众却只是抱着“散心”的态度做消遣性观赏。我开始研究胶片摄影，也许就是想重新捕捉生活中藏于眼神或是被单褶皱中的“灵光”——至少在形式上进行弥补。本雅明不愧为大师，对于绘画、摄影、电影、戏剧都有很深的见解。显然电影的片段性让其比照片更甚，很难留住什么灵光之物。许绮玲的翻译也很到位，比起她，后两篇文章的译者就显得逊色很多了。
●喜欢他关于灵光的概念！
●我总是犯一些错误，比如先读了城堡的种种阐释再读城堡本身，虽然刻意避免，但因某个渠道对一人产生兴趣继而溯源去读实在是无可避免，因此带上许多并不属己的印象。在本雅明方面，第一是他对机械复制的乐观让人难以赞同，而在“灵光”，也就是我理解里的亲在，符号性、替代性、参与性、本真性的设想，这些都在桑塔格的《论摄影》里有了更进一步并且更得我心的探索。他在这里更似是引路人与反对者。
●时空的奇异纠缠：遥远之物的独一显现，虽远，犹如近在眼前。
●Walter Benjamin
●翻得佶屈聱牙，读得好辛苦。读下来觉得不用说得这么山路十八弯……
●台湾的翻译别有风味
《迎向灵光消逝的年代》读后感(一)：机械复制时代的艺术
看过之后 ，对‘灵光’基本上理解
但“机械复制时代的艺术，是破坏其中的灵光，揭开事物的面纱”
被破坏之后，灵光就不存在了吗？即使感受方式不同，当代的艺术，除了纯观念性质的 ，依然有灵光的存在吧
《迎向灵光消逝的年代》读后感(二)：灵光消逝
本雅明在艺术评论史上具有相当地位，所以俺们干这行的不得不读此书。本书比较重要的一篇文章是《摄影小史》，论述摄影从诞生到作者那个时代的摄影史。从历史唯物主义的角度来看，作者的观点是十分具有建设意义的。所谓“灵光”，大约是指传统美学和艺术，摄影和电影出现后，由于大量复制技术的应用和摄影技术的提升，创造艺术的时间大大缩短，复制的手段大大提升，所以传统意义的艺术“灵光”也便逐渐消失了。摄影是否为艺术，作者还是给予了肯定的态度。
《迎向灵光消逝的年代》读后感(三)：从一些细节来看这本书不是从德文原文翻译过来的！
一、译文来源
译者许绮玲, 林志明似乎是对法语有所研究，从书中的很多细节中（图和注释Aus der Frübzeit der Photographie）看出原文应当是德文的，因此推测应当是从法文转译过来的。很可惜在版权页上没有看到译文的来源。细心的朋友可以自己去发现。
二、译文质量
二位译者都是从台大外文系毕业，在法国得的博士学位。可能是从法语影响太大了，中文似乎很不大好，翻译的文句真的要咬牙苦读啊！西化非常严重，有的地方都像是用谷歌翻译过来的，正因为如此希望以后有好的译者重新翻译！
《迎向灵光消逝的年代》读后感(四)：Sublimation or Illumination
本雅明对于传统技艺和现代化机械的矛盾及对立一直情有独钟，初期的摄影技术虽然简陋，需长时间曝光，人物照则需要对象长时间保持稳定的姿势，人物的的情绪变化都会细微地反映到面部表情上，慢慢地写入到照片中。而选取合适的光线是成片效果优劣的关键，耀眼的光线会凸显轮廓，甚至和浅色融合在一起，形成灰白的色调；暗淡的光线则会让黑暗侵蚀轮廓，人物就有如“灵光“般的出现在黯淡的背景中。
无论现代化机械如何颠覆、创造，它都只是拙劣地模仿，短暂地，速食地，没有收藏价值的，因为我们知道我们所获得只是复制品，在世界的任何一个角落任何一个人手中都可能有相同的物品。万事都以唯一性和稀有性为特殊，当物品以n次方的速度复制，生产并运送到世界的各地的时候，它的价值就以n次方的速度在损耗。不仅是物品的实际价值，而且是它对消费者而言的心理价值同样都变得廉价起来，disposable goods表面上让生活便捷起来，其实让资源消耗地更快。
在《巴黎，19世纪的首都》中，本雅明同样地探讨巴黎现代化过程中的得与失。Having read it long time ago, I only have a vague impression, yet I could feel the same acute observation and profound reflection.
《迎向灵光消逝的年代》读后感(五)：灵光一闪
1839年，达盖尔用上了碘化银的铜版置于暗箱内，曝光后，得以将浮动的镜像固定下来，摄影术问世。摄影发明之后，陷入争议之中长达百年之久。争议的思想渊源在今天看来近乎腐朽。
“人类是依上帝的形象创造的，人类发明的机器不能固定上帝的形象”、“留住影像，就是亵渎神灵”、“只有虔诚的艺术家得到上帝的灵启，在守护神明的最高引导下，鞠躬尽瘁全心奉主，这时才能完全不靠机器而敢冒险复制出人神圣五官面容。”
摄影术的发明首先在画家这一行业里产生激荡。作为复制现实的同行，头脑清醒者意识到，“摄影得向绘画接过传承的火炬”，纷纷改行做起了职业摄影师。转承期的摄影家采用达盖尔摄影法，拍摄出来的人相，有一道“灵光”围绕着他们。由于长时曝光的缘故，光影持续进入暗箱，“从最明亮的光持续不断渐进至最幽暗的黑影”，在底片上显影。光线“慢慢从黑影中挣扎出来”，“聚合成早期相片的伟大气势”，这一道气韵之环潜入相面中人物的眼神，使其充实安定。
本雅明在《摄影小史》中进一步指出什么是灵光。
“什么是灵光？时空的奇异纠缠：遥远之物的独一显现，虽远，犹如近在眼前。静歇在夏日正午，沿着地平线那方山的弧线，或顺着投影在观者身上的一截树枝，直到“此时此刻”成为显像的一部分——这就是呼吸那远山、那树枝的灵光。”
本雅明指出当今已经到了灵光消逝的年代。在《机械复制时代的艺术品》一文里，细数了人类复制史，古希腊时代的熔铸与压印模，之后的木刻、石刻、铜刻，之后是印刷术，及摄影和录制。到了20世纪，人类复制技术已经改变了原有艺术品的宣传和影响模式，“而这些复制技术本身也以一种新的艺术形式出现，引人注目”，尤其是艺术作品的复制和电影艺术。
艺术作品的复制损伤了艺术品的“灵光”。“此时此刻”的独一性正是复制品所不具有的，艺术复制品不具有的还有艺术作品本身的“历史传统”和仪式。尽管人类借助艺术复制品能将艺术品拉近自己的生活，实现与之限时性的表层接触。然而“灵光”的消逝，使人产生万物皆同的感觉。
写到这吧，真艰难。