《坂本龙一：异步》经典观后感10篇
《坂本龙一：异步》是一部由史蒂芬·野村·斯奇博执导，坂本龙一主演的一部纪录片 / 音乐类型的电影，特精心从网络上整理的一些观众的观后感，希望对大家能有帮助。
《坂本龙一：异步》观后感(一)：天空诗
（最后一曲：《garden》）
——天空的诗
手里捧着雕漆的木匣
柔软，静默
天神在流泪
人的灵魂不应止步于此
就算花园里的荆棘划伤双腿
煽动双翼唱着天空诗
接住无数受难的灵魂
《坂本龙一：异步》观后感(二)：还应该再看看CODA
严格意义上不是一部纪录片，去除首尾和音乐视觉的简单剪辑就是一场live show。但它又不只是一次音乐会，而更类似一场实验音乐的沉浸式表演。
临场感并不像美琪不久前放映的「悲惨世界」live那样，隔着屏幕都能吹起口哨拍起掌。相比带入，它更多实现的可能是内观。诡谲的电子合成乐让意识漂浮，乐器与自然物件的触击让情绪或苏醒或沉淀或喑噫，安放在天花板的单色影像屏伴随音乐的转变显现或抽象或具体或游离的画面，充满栖息的诗意的同时，充斥哲学意味的仪式感。
时不时会被教授那双小心触碰琴键的衰老却苍劲有力的手触动，理想现实、冷热之间、刚柔兼蓄。
关于它的主题，就像Life,Life和Full Moon里提示的那样，我更愿意理解为人在自我表达中的期待、隔阂、失落及迷惘（人生就是起起落落落落落落落）。
艺多不压身还让我想起「四个春天」里玩转各种乐器的父亲。 另，说到slide guitar，我只服Ry Cooder。
还应该再看看CODA。
《坂本龙一：异步》观后感(三)：Remark No.1
记得那天看完《坂本龙一 ：异步》，我对她说，“刚刚剧场里有好多人都听睡着了，相比较保持清醒而言，我更觉得大家睡着是真实的”
其实我到现在也不理解坂本龙一用那些雪花信号状的画面和持续不断却又在逡巡的管风琴的声音及自制的声音来表达什么。
刚刚提起“常态”让我想起《坂本龙一：终曲》的一个片段，讲的是他去看望了一架被海啸侵蚀过的钢琴，他说“琴弦被人们按照规律性的标准化的方式绷紧，发出既定的声音，但那并不是它本身的声音，被大自然像这样还原过的声音才是它本来的声音”
我当时认为他有些“偏执”，他的这番段话是在说“A（在对A定义下的）是不自然的，不是A原来的样子，A不在对A定义下的状态才是A本来的样子”
但是仔细想想，我们认为的那些“常态”是在逻辑和物质世界支持下产生的，他也许因为癌症脱离过一次，所以有短暂跳出这个常态的体验，于是有这些作品的出现，他的这些实验性作品在百年之内都几乎不会有人真正理解，但是也许给了我们一个视角，也给了我们两个选择，是选择相信一个正在等死的人还是选择相信一个险些死掉的人。
也许我们平时维持生存的状态是我们的常态，但这些常态中藏着太多病态。
我选择相信后者。
《坂本龙一：异步》观后感(四)：心流、非常规声音和画面感
摄影机拍到他演奏时专注虔诚的面庞和双手，虽然我无法窥视他的脑海，但仿佛感受到了他忘我投入产生的心流，这是一种全神贯注下精神的高度激活，可以无视周边的一切干扰，知行合一维持着内心的安宁和秩序。这也让我眼中浮现了一个词——“匠人”。他先用音效营造出一个宏大广阔的空间，然后再精心地填注细节，就像一位雕塑家先勾勒出轮廓再雕琢细微之处，就像一位厨师先放入主菜再适时地加入各味调味品。
电子编曲，和着钢琴、吉他、琴弓的非常规演奏，又有鼓槌磨擦玻璃，铁棒敲击金属，音乐在画面中不拘泥于某种固定形式，甚至在《偏离》这曲中不断响起的钢琴声是一个不符合音律的不和谐音符，但这仿佛都成了他构建的世界中共生交互的元素。我仿佛能听到微风策动，听到时间在穹窿里穿梭……除了自然的声音，人文的元素在我的脑海中也形成了，《Walker》里沙沙的音效仿佛就是一个背包的行者行走在无垠草地上的脚步声，越走越渺小。
至于音乐描绘的画面感，有些曲目天花板的屏幕会有一些可视化注解，但除了大树和月亮，游走的云彩和滴落后泛起涟漪的雨，其它更多的是一些scramble的元素，不会呈现具体的场景和人物，这些不具象的物体大概只是为观众营造一种氛围，声音的想象是没有被框定边界的，而整幅画面最终呈现的样貌还要靠每个听众自己完成了。
《坂本龙一：异步》观后感(五)：多种声音+影像的小型、即兴音乐会
坂本龙一的作曲风格受到浪漫主义的德彪西影响很深，但与优美电影配乐作品不同，如今坂本龙一的个人作品风格更为前卫；2017年的《异步》（async），灵感来自他对日常对象、雕塑和自然的感悟；他形容《异步》是一部为塔可夫斯基的电影虚构的配乐，曲子间隐藏了许多“密码”：比如《Solari》 这支曲子，标题是向塔可夫斯基的电影《飞向太空》（Solyaris）致敬；而《Life, Life》中的人声念的是塔可夫斯基的诗人父亲阿尔谢尼伊·塔可夫斯基（Arseny Tarkovsky）的诗；在《Fullmoon》中的人声独白，来自由坂本龙一创作配乐的电影《遮蔽的天空》，他特地联系贝托鲁奇获得电影声音授权，并找人用法语、中文、日语等多种语言念这段台词；坂本龙一曾在采访中表示《Fullmoon》是此专辑中他最喜欢的一首；还有UBI、Walker、Three、Water world‖……用钢琴、电子吉他、钢棒在钢琴箱内落下、弦拉金属丝、大小球在玻璃上滑动等即兴、投入的演绎，配合着前期合成的音乐和舞台顶部的屏幕里播放的单色画面——云彩、月球、雪花、水波，以及抽象的点和线，为现场200位观众奉上一台诗意一般的音乐会；因为生过病的缘故，坂本龙一把这张专辑当做“最后一张”来制作，把所有想要的表达都努力放在了专辑中。 八台摄影机记录下了整场演出，通过这部纪录片，我们可以看到那些听起来像是太空深处传来的声音是如何制作出来的；独特的电子音效和5.1立体环绕声道打造出了沉浸式的声景，有身临其境之感；在冷静的镜头中，坂本龙一沉着而专注的演奏，更像是带领观众进行一次由听觉进入内心的探索旅程。
《坂本龙一：异步》观后感(六)：非同期的な音楽を作りたい
静かなピアノの旋律がやがてバッハのオルガン曲のような荘厳な雰囲気に変わる。するとその奥から明らかに楽器が奏でたものとは思えない音が多重に聞こえてくる。「何の音だろう」と耳をすましてみる。聞き覚えのある音もあれば、聞いたことのないような音も飛び込んでくる。じっと聞いていると、当初の違和感が消え、やがて耳と脳がその”音楽”に満たされているような感覚に陥っていく。
「アルバム名『async』は“asynchronization”＝非同期の略になります。世の中の音楽の99%は同期しているし、人を同期させる力を持っている。同期するのは人間も含めた自然の本能だと思うのですが、今回はあえてそこに逆らう非同期的な音楽を作りたいと思いました。もともと僕は、工事や工場の音が好きで、道路工事の現場があると、立ち止まって録音したりもすることもあります。YMOのときも工場の音をドラムとしてサンプリングしたことがあります。今回のアルバムでは、そういったノイズやかつて作られた”音響彫刻”、さらには映画のセリフなど、いろいろな音も使っています。ある人にとってはただの騒音でも、僕にとっては音楽。ノイズもサウンドも人の声もすべての音が音楽なんです」
坂本龍一の8年ぶりの新作『async』は、一言でいえば実験的なアルバムだ。だが、それは決して実験のための実験ではない。音楽としての快楽もとことん追求していて、教授らしさも存分に味わうことができる。
「これを聞いた人に楽しんでもらえるかどうかは、正直わかりません。どう聞くか、聞いて何を思うかもその人次第だと思っています。とにかく自分がいまやりたいことだけをやった。いままででいちばんわがままなアルバムかもしれません」
世界の音楽界をリードしてきた教授も還暦を超え、大病も経験した。そこで生まれたアルバムがこれだけ”攻めている”ことに驚きを禁じ得ない。全14曲からなるアルバムは、1曲1音たりともスキがない。濃厚で哲学的で、それでいて繊細で美しい。何者とも同期しない凛とした音楽。一粒一粒の音に教授の思いがこめられているように感じる。
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It's difficult to drop the needle on track one of Ryuichi Sakamoto's new album and not feel a wave of nostalgia. The Japanese legend's recent throat cancer scare came at a time when too many of our heroes are leaving us. To hear his 65-year-old fingers slide across the keyboard again is a privilege we can't take for granted.
Then, as if to shock us out of our sentimentality, Sakamoto drowns out his plaintive piano solo with a buzz of electronic noise. We have been given notice, just one minute into the disc: This will not be an easy listen.
Yet, it's not a difficult one either. Sakamoto has delivered another in a long line of innovative, finely crafted recordings. It is both challenging and moving. Take the rainy-day piano on "ubi," which by itself would be a highlight on any album. Instead, Sakamoto adds a submarine-like ping and subtle, high-pitched drones. The result is precisely what he described in a pre-launch announcement: An exploration of "the blurred lines of life and artificiality/noise and music."
That's followed by "fullmoon," which begins with a spoken-word recording from the Bernardo Bertolucci film The Sheltering Sky (a project that earned Sakamoto a Golden Globe Award for Best Original Score): "We get to think of life as an inexhaustible well. Yet everything happens a certain number of times, and a very small number, really … How many more times will you watch the full moon rise？ Perhaps 20. And yet it all seems limitless."
Ryuichi Sakamoto is not the first to use this sample. (The God Machine used it, to great effect, on their 1993 epic Scenes from the Second Storey.) Coming so soon after his recovery, though, and given his own connection to the film, it feels personal, almost uncomfortably so.
Long-time friend and collaborator David Sylvian delivers a poetry reading on "LIFE, LIFE." It is Arseny Tarkovsky's And this I dreamt, and this I dream: "No need for a date: I was, I am, and I will be…" So ends any doubt about whether or not Sakamoto is mindful of his mortality.
async is a luxurious, picturesque recording. It showcases that Sakamoto's unique ability to create genuine beauty with a varied — at times abrasive — palette.
erhaps though, the greatest compliment due Sakamoto is that he remains a radical after all these years. For all the red-carpet accolades he earned mid-career, he never stopped cutting edges. async is the work of an authentically great artist that may well be entering a rich new phase of his 42-year career.