《古瓷之光》读后感精选

　　《古瓷之光》是一本由涂睿明著作，浦睿文化·湖南美术出版社出版的精装图书，本书定价：138.00元，页数：372，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。

　　《古瓷之光》读后感(一)：古瓷之光，熠熠生辉

　　看那古瓷之光，如今再次熠熠生辉。瓷器毫无悬念得是中国瑰宝之首，但多少世纪以来，我们真的感受过瓷器的美吗？瓷器的烧制工艺被视作圈养起来的手艺，制瓷的匠人被严格管控，虽然较之农户衣食无忧，但公期颜色工艺火候，都可能成为他们受到惩罚，甚至陷入身死的危险境地，这就是依附于封建社会而存在的古代制瓷业的命运。 所以古时对很多瓷器的描述，都如同工厂零部件一样，高矮宽窄，绝口不提色泽如何，绘饰如何，所含寓意如何，源于各种工艺，有何工艺突破，这些都很难见到。只有少数墨客闲暇之余，会作几首短诗，品鉴几句，联想一回，但尽管这类诗句太过小众少数，也足以成为名篇，因为他们的笔下，这些瓷器是美的，是以一件件艺术品而存在，而不是工匠们与压榨工匠的所认为的，满足任务和满足上位喜好的优质商品。 瓷器究竟是艺术品，还是商品，这并非是一个割裂的问题，两种特质本身就是瓷器自身所具有的属性。瓷器作为一件人工生产的物品，本身就是商品，但决然不可否认她作为艺术品的事实。如今瓷器被视作高档商品的现状仍然存在，就如拍卖会上一些古瓷被炒上天价，但很难说是因为时代久远还是艺术价值，不过这也把古瓷拉回了我们的视野，作为艺术，重新回到我们的视野，很多人更愿意欣赏瓷器之美，古瓷之光了。 作者涂睿明先生便是致力于这再现瓷器之光的人之一，他是长物居陶瓷文化发展公司创始人，所以也雅称长物居主人。首先他本身便是知名瓷人，是制瓷行业的从业者，继承者，发扬者，同时他又是优秀的作家，凭着精湛的技术和对制瓷工艺的熟悉，曾写就《捡来的瓷器史》《制瓷笔记》等书，还有最近爆火的《纹饰之美》都是出自这位制瓷人之手。 这本《古瓷之美》也秉承了长物居主人涂睿明先生一贯的美学追求，从各博物馆中所见到的77件国宝级瓷器中，畅谈古瓷之光，古瓷之美。全书配有大量的实拍图片，几乎每件瓷器都有一张或以上的照片，读者能够透过这些实拍的照片，直观地感受到从良渚文明古陶到周秦古陶，到唐宋名窑，到元青花，再到明清宫廷瓷器的形制之美，造型创意之美，工艺传承以及创新之美，颜色之美，绘工之美，品味之美。 除了精美的图片之外，本书的文字叙述也是可圈可点，长物居主人没有使用过于严肃的语句，而是很亲和的文字，给人的第一感觉就是，一个朋友带你去逛博物馆，走到了他熟悉的瓷器展厅，于是滔滔不绝起来，讲的很有道理还通俗易懂，不时再穿插些吐槽。这大概就是长物居主人的文字魅力了吧。

　　《古瓷之光》读后感(二)：好美好美的古代瓷器

　　国宝展览看过不少，相关的书也读过挺多，但是基本上都是泛泛而谈。《古瓷之光》这本书有着非常明确的针对性，那就是古代瓷器之美。什么样的瓷器是美的？本书主要从器型、色彩、图案纹饰等入手，分析了七十七件精美瓷器的美妙之处。然而这些瓷器却并不都是被世人所瞩目的，有很多都被遗落在默默无闻的角落。因此作者借此也告诉我们，要大胆地去通过自己的审美发现古瓷之美，而不需要人云亦云。作者将这七十七件宝贝瓷器按照从先秦到清朝的朝代顺序一一安排入座，如赏美人一般娓娓道来，从中我们也可以看到瓷器发展变化的线索。

　　说到变化，首先是从陶器往瓷器的过渡，基本上在汉唐之前大多数都是陶器。陶与瓷算得上是兄弟，瓷是陶的升级款。它们之间有很多区别，但是对于普通人来说最直观的应当是光泽。在“西周原始青瓷壶”这件瓷器的解析中，作者给出的副标题是“晨曦初现的薄光”。这件略显粗糙的青瓷器上显露出一点点光泽，预示着陶器向瓷器的进化。其次从器型上来说越来越多样化，一开始基本上都是水罐等比较基本的日常用器皿，之后出现了花瓶、笔山等等，造型也越来越精致。色彩就更不用说了，从陶器单一的土黄色，到青色、白色、红色，甚至绿色。

　　说到美，不同人的审美眼光不同，可能所认为的瓷器之美也不同。作者做选择的这些古代瓷器，它们的美大多是大气的、简洁的、出人意料的。比如我很喜欢的一件“清康熙青花团花锯齿纹摇铃尊”。它的器型非常不俗：“瓶口是轻启的唇，往下是颈，再是肩，然后是腰，最下是足”。据说这种器型是从摇铃身上得到了灵感。这件器物彰显了康熙瓷器文雅的特点，而雍正瓷器给人的印象则是高冷简约，但是到了乾隆，繁复成了主要特点。再说这件器物的装饰，非常简约，大量留白。“底纹如山，团花如日”，这两种白色底上的蓝色装饰带给整件瓷器以高雅大气之感。

　　再说一件“清雍正茶叶末釉螭耳花浇”。它的颜色在一堆天青色、青花瓷中间显得别具一格。茶叶碎末的颜色，绿色中间有点点黑色。据说这个颜色在雍正时期就已经是复古颜色，它产生于唐宋时期，“是一种偏黄绿的粗糙釉色”。但是不知为何就得到了雍正的喜爱。要我说雍正肯定是爱它别具一格的复古情调。

　　最后说一件特别有日本风情的“宋吉州窑木叶碗‘盏’”。这个木叶盏虽然是产生于宋朝，但是却被日本奉为神物。正如日本画家东山魁夷所言：“特别是树叶茶碗，因为它是自然的，所以它如实地显示出朴素，在这一点上，使人感到一种孤寂，这在中国陶瓷中也是稀有的。”可见中国与日本的文化还是有许多相通之处的。

　　《古瓷之光》读后感(三)：古瓷之光：一本书让你看尽瓷器的前世今生

　　瓷器，可以说是中国的代名词，是中国的名片。在西方国家，只要一提到瓷器，首先想到的就是中国。

　　在博物馆里，我们看得最多的大概就是瓷器，从大大小小的瓶瓶罐罐、到各种酒盅茶盏，真是应有尽有。

　　也许我们经常会问，这些东西究竟有什么魔力，竟然会卖出令人难以想象的天价？这些历经岁月洗礼的瓷器究竟美在哪儿呢？

　　如果您也有这样的问题，那么请翻开了涂睿明老师的新书《古瓷之光》，在这本书中，涂睿明老师将77件至美瓷器带到我们面前，为我们打开了瓷器美学的大门。

　　作为长物居陶瓷文化发展有限公司的创始人，涂睿明老师长年致力于景德镇瓷器的复兴与传承，他亲自烧窑㓡瓷，以匠人之心挖掘瓷器中的历史印迹与美学脉络，唤醒人们对瓷器之美的感知力，让人们学会如何欣赏瓷器，鉴别瓷器。

　　在这本《古瓷之光》中，涂睿明老师首先向我们讲述了瓷器产生的源头——仰韶文化鹳鱼石斧图彩绘陶缸。虽然它并不是真正的瓷器，只能算作陶器，但是就是这件大约六千年前诞生的陶器，印证了中国陶瓷文化的起源。在它看似粗糙、简单的线条中，孕育着中华文明的基因。

　　仰韶文化鹳鱼石斧图彩绘陶缸

　　在陶器向瓷器进化的过程中，有一件器物是绕不过去的高山，它就是“唐三彩”。在这本书中，涂睿明老师向我们讲述了“唐三彩”中最负盛名的“三彩马”，这是一匹不同寻常的“马”，从它身上的每一处肌肉、每一个关节、骨骼，到马身上的装饰、造型、着色，无一不显示出它的“以形写神，神形兼备”的艺术特色。

　　三彩马

　　这本书是按照朝代的顺序，分别介绍了中国历代最有代表性的瓷器品种，其实这也是瓷器发展的进程。从仰韶文化起源，经过汉唐、五代十国的发展，到了宋、元、明、清，瓷器跨越了一个又一个新高度。

　　在“宋——初长成”这一章中，涂睿明老师为我们理清了宋代瓷器的发展脉络。宋代瓷器在中国瓷器历史中占有重要的地位，“汝、官、哥、钧、定”五大名窑更是瓷器界的神话。

　　在《古瓷之光》中，我们不仅可以通过“无纹水仙盆”、“双鱼耳香炉”、“白瓷孩儿枕”等瓷器，领略到宋瓷五大窑各具神韵的美，而且对于各各窑口的历史也会有更深入的了解。

　　无纹水仙盆

　　翻阅《古瓷之光》，在77件精美绝伦的瓷器间畅游，我们看到的不仅仅是这77件宝物，更多的是我们中华民族源远的历史和厚重的文化内涵。作者结合史实，将这77件国宝放在历史的维度中，通过它们让读者经历了一场瓷器文化的美妙旅行。每一件瓷器就像一个坐标，将中国瓷器美学一步步推向无人能及的高度。

　　在这本书中，除了介绍瓷器，还有很多有趣的地方。比如介绍每件瓷器时，并不只单纯的介绍，而以把瓷器制作工艺、技术，以及与之相关的历史背景、名人诗词，一并写进来，旨在告诉读者，美并不只限于眼睛看，更重要的还是要用心去体会、去感受。

　　在时间的长河中，瓷器静默无声，但是它又无时无刻不在传递着美，传递着情。幸好有《古瓷之光》这本书，这份美、这份情才会永留世间。

　　《古瓷之光》读后感(四)：77件馆藏至宝，带你认识陶瓷之美，了解中国瓷器征服世界的秘密

　　作为大清王朝的最后一位实际掌权者，慈禧太后的所作所为一直被人所诟病。然而，抛开这些政治成见，这位女性也不是一无是处。追溯中国古代陶瓷史的漫长发展，你会发现，唯有其主持设计的“大雅斋瓷器”自成统一的个人风格。同时，这套瓷器也因为种类之丰富，数量之众多，风格之突出，成为晚清瓷器业的一道靓丽风景。

　　那么，慈禧太后的这套瓷器为何被取名“大雅斋”呢？背后究竟有着怎样的故事？而这套瓷器又有哪些吸引人的地方呢？在我国陶瓷文化研究者涂睿明的新作《古瓷之光》中，就向读者揭晓了答案。

　　这是一本写给大众的陶瓷文化启蒙书，通过多角度解读被珍藏在世界各地博物馆里的77件中国陶瓷器具来梳理古代陶瓷的发展轨迹，从而让更多人学会欣赏陶瓷之美，而不是仅仅看重它们的金钱价值。

　　在本书的作者看来，陶瓷之美包含着造型之美、绘画之美、材质之美、工艺之美以及生活之美。其中，又以生活之美最为重要。毕竟，每一件陶瓷的出现，都是为了满足人们的生活需要而诞生的。若是抛却它们的实用价值，自然也就无法清晰地理解陶瓷为何会兴盛至今，又为何会呈现出如此多的面貌。

　　由于对陶瓷这一名称的使用习惯，我们很容易认为它们指的是同一种东西。其实不然，在过去，陶是陶，瓷是瓷，且陶器的历史也远远比瓷器的历史要存在的更为久远。从某种意义上来讲，瓷器可以看作是陶器的升级版。因此，后来在研究历史时，人们才会把它们合为一体。

　　早在距今大约六千年的新石器时代，古朴粗狂的鹳鱼石斧图彩绘就已问世。在那时，人类已发展出成熟的农业，不仅能够种植粮食，还使用火满足日常需求。于是，陶器在人类文明中就应运而生了。不过，由于最初制作的陶器在材质和技术方面的局限性，所以质地往往不够坚固，仅仅有一少部分流传至今。

　　当然，随着人类文明的进步，制作陶器的工艺也在不断地尝试下发生改变。到了汉唐时代，陶器才逐渐完成陶器到瓷器的方面的转化，且变得越来越雅致。像德青窑鸡首壶、唐三彩马、越窑秘色瓷瓜棱瓶、邢窑白瓷双龙耳盘口瓶、鲁山窑花瓷腰鼓等，都是这一时期的作品。

　　而在宋朝时期，当瓷器越来越受到皇家的重视和文人的喜爱，其地位自然水涨船高，进而涌现出一大批风格多变的瓷器杰作。比如，汝窑无纹水仙盆、宋官窑方盆、哥窑胆瓶、定窑白瓷孩儿枕、磁州窑梅瓶、吉州窑木叶碗等。这些瓷器或源于宫廷审美，或符合文人喜好，或来自民间文化，但整体风格大多简洁素雅。

　　令人遗憾的是，到了元朝时期，虽然瓷器的制作工艺有了技术上的飞跃，出现了鼎鼎大名的青花瓷，但在美学方面无疑是停滞不前的。直到明朝清时期，彩瓷的粉墨登场，才再一次为瓷器的发展带来蓬勃的生机，并与宋瓷、青花瓷一起获得了大众的认可，从而走向世界。

　　后来，正如人们所熟知的那样，清朝由盛转衰，而瓷器行业自然也难保持它的辉煌时刻。庆幸的是，在历经沧桑之后，这些精美的瓷器最终被博物馆或者个人当做至宝收藏起来。

　　阅读《古瓷之光》，不仅可以了解文章最初所提到的问题，还可以从古瓷的造型、色彩、材质、工艺以及历史背景等多角度欣赏瓷器之美。而书中那些来自馆藏的真实瓷器照片，更是十分养眼，让人叹为观止。这样的瓷器入门读物，你喜欢吗？

　　《古瓷之光》读后感(五)：瓷之韵

　　人过三十，我突然对中国的传统文化有了浓厚的兴趣。走进博物馆，在一幅幅古画，一个个精美瓷器面前，我常常能驻足许久，不舍离去。最近对瓷器也产生了浓厚的兴趣，不过对瓷器那一知半解的理解急需知识的支撑。或许是机缘巧合，在恰当的时候，我碰到了这本《古瓷之光》，有了如获至宝的小惊喜。

　　China是中国的英文名字，同时也是瓷器的英译，如此可见陶瓷对于中国的重要性以及对世界的影响力。中国人对美的理解以及审美的变迁，完全能够从瓷器上体现出来。从远古时期的陶器到当今精美的瓷器，瓷器的历史完全是一部中国社会生活的变迁史，它会随着人类的社会生活的需要而变化，随着人们对审美的改变而变化，随着贸易的需求变化，甚至会因为某位帝王的喜好而发生转变。因为它的百般变化而产生了各种各样的美。如今这些美静静地躺在各大博物馆的玻璃橱窗中，等待着各色的人去理解欣赏它。可惜的是大部分人在这些惊艳的艺术品面前，可能只会停留几秒钟，甚至只会投下匆匆一瞥。对于懂得它们的人们来说确是“相见恨晚”了。这些“有心人”可能会站在一个不起眼的小碗面前几十分钟甚至几小时都不忍挪步，因为他可能被其中的美所震撼了。美得不到欣赏的确是可悲的，所以学习理解与欣赏陶瓷的美就显得尤为重要。这本《古瓷之光》按照时间顺序由作者精选了从远古先秦时代到清朝末年的77件精美的比较有代表性的瓷器作品，每件瓷器配都有一幅整页的精美彩色插图以供仔细欣赏，围绕插图的是作者优美风趣的解说，从瓷器的历史到瓷器的形态造型颜色特征均有详细的说明。

　　这是一个来自仰韶文化时期的鹳鱼石斧彩绘陶缸。缸上一鸟一鱼一石斧，画面如此简单，像极了儿童的绘画。新时期时代先民的绘画如此的古朴，纯真，充满童趣。一只白色的大鸟叼着一条大鱼，鸟巨大的身体硬生生撑满了整个立面。它的眼睛极其夸张，占据了整个头部，显得如此呆萌可爱，而它站立的姿势如同一位垂钓者，刚刚钓起一条大鱼，显得十分兴奋。但是画面中最令人惊异的部分就是大鸟并不是画出来的，而是流出的空白，如同剪影。考虑到当时的年代，这是何等的惊人创作。最初的绘画无不依赖于点和线，所有早期的人类绘画作品，无论是岩画还是陶罐上的纹样，都是由线条表现的，但在这件陶罐上线居然被可以被彻底放弃，而以面的方式呈现给观者，而鱼和石斧仍是用线画成。这两种完全不同的表现方式，构成了画面的虚与实阴与阳。这无疑是一次伟大的壮举，在此后的数千年时间，再无此类创作。他就像中华文明智慧中的一颗流星，短暂划过历史的天空，但却璀璨异常。

　　晋德清窑黑釉鸡首壶，首先映入眼帘的是它沉静的黑色，如同黑夜，深邃而又神秘。这种颜色是秦汉时期的主色调，古朴庄重而又神秘，散发着历史的厚重感。壶的造型在当今市面上是绝对找不到的，它是如此的个性。壶身丰满鼓胀与它的直挺挺的颈部形成了鲜明对比，再往上颈口突然张开，轻轻一展如同花开，形成开口。壶口是一个直楞楞的鸡头挺立在壶的顶部前端，似乎是想跟颈口形成平行，鸡嘴也是楞楞的o型，像一只呆萌的雄鸡，眼睛睁得大大的，配得上傻愣愣的神情。很难想象，在那样一个铁血的年代，也会有如此呆萌的东西存在，时过千年倒还挺符合当今的审美。

　　宋代，文化的发展，皇帝的喜爱与品味以及官窑的产生让瓷器如同绘画一样迈入了新的高峰。看看这个景德镇窑青白釉瓜形壶，壶的造型绝对让人眼前一亮。这是一个瓜形壶，壶盖做成了瓜蒂，壶把与壶嘴弯成了藤蔓，壶把与壶嘴一弯一伸，一收一放，左右呼应。白净的壶身修长素净不粘一点尘埃。壶身微微泛青，不经提醒很容易被当成纯白色，不过壶身的凹陷会提醒你，那里的青色绝不含糊，这是制作时釉在凹陷处堆积，烧成以后，原本极淡的青色就浓了，清晰可见。这种温吞吞的青色有个专有名词叫做影青，非常有诗意。景德元年，这种青瓷受到了宋真宗的喜爱，而它的产地被冠以年号，这便是大名鼎鼎的景德镇。

　　理解与欣赏美需要学习，陶瓷也不例外，陶瓷之美包含着造型之美，绘画之美，材质之美以及功利之美，更包含着生活之美。瓷器本身是人类发明，不同于竹木牙角，缺乏自然之美，所以人们需要把它与某种天然材料类比。在人为中表现天然之美，就成为了工匠的目标。就拿冰裂纹来说，冰裂，之所以大受推崇，在于其自然发生，完全不受人力控制，有巧夺天工，妙手天成的雅趣。不可预知的"窑变"往往也会产生不同的色彩与纹路而形成不可预测的美丽，让人着迷。世界不缺少美，只是缺少发现美的眼睛，这本《古瓷之光》应该可以成为陶瓷世界的一扇窗，打开它你便能看到那精彩绝伦的陶瓷之光。

　　《古瓷之光》读后感(六)：《古瓷之光》：一件件美妙陶瓷像一颗颗珍珠，闪烁着迷人的光彩

　　1999年，香港某次拍卖会上，一件明代陶瓷酒杯拍出2917万港币，刷新了中国瓷器拍卖的最高纪录；五年后的2004年，又一件明代陶瓷酒杯拍出2.8亿港币的天价。这两件陶瓷酒杯是同一款酒杯，它就是——明成化斗彩鸡缸杯。

　　拍卖会过后，“鸡缸杯”成为热搜、热卖品，许多人跟风购买成为“鸡缸杯”拥有者。不过，绝大多数人并不知道“鸡缸杯”为何如此珍贵，从外表上看，这款鸡缸杯杯口粗大并不精致，画工稚拙并不精细。

　　当然，如果单纯地将鸡缸杯热归结于拍卖引发的蝴蝶效应似乎有失偏颇，但是不可否认的是，2.8亿港币带来的强大冲击感染着人们，让人们不约而同地将目的聚焦到了“鸡缸杯”的身上。忘记是在哪一本书上读到这样一段对话，原文忘记了，大致的意思是，人们习惯了以数字来衡量一切，甚至幸福也是可以用数字来定义的。家里几口人，住几平米的房子，开几辆车、什么价位的车子都是衡量幸福的直接标准。

　　是本末倒置吗，或许也不是。涂睿明在《古瓷之光》序言中说——人们只是把关注的焦点转移到了他处，很少真正关注它（瓷器）的美——“鸡缸杯”热也是一次焦点转移的结果。

　　《古瓷之光》是知名瓷人、陶瓷文化研究者涂睿明全新力作。涂睿明以朝代为序，遴选了中国陶瓷艺术史上77件陶瓷珍品，从历史背景、工艺特点等方面带我们走进中国古代陶瓷世界，了解陶瓷文化、领略陶瓷风采。

　　这77件陶瓷珍品，既有先秦时期的陶缸、彩陶，也有宋元明清时期的瓷瓶、瓷壶。瓷从陶发展而来，从先秦初生到汉唐成长，瓷器一步步摆脱稚嫩粗糙，技艺日渐成熟，造型也随着时代的发展不断变化。

　　翻开《古瓷之光》，你会发现里面收录的古瓷有些我们曾在博物馆见过。比如这件“宋登封窑珍珠地划花虎纹橄榄瓶”，我就曾在故宫博物院看到过，之所以对它印象深刻，正是因为瓶身上造型独特的老虎。

　　正如作者涂睿明在书中讲到的那样——它的姿态张牙舞爪，却两脚站立，不像饿虎扑食，倒像今天卡通动漫里的形象；又或是小猫小狗模仿大人站着作揖——这是这件“宋登封窑珍珠地划花虎纹橄榄瓶”最独特的地方，然而也正是这种独特造成了它的“沉寂”。

　　“宋登封窑珍珠地划花虎纹橄榄瓶”美在造型，也美在瓶身图式。作者称瓶身上的珍珠地（瓷瓶的底纹）与虎身斑纹有趣的呼应令他想起到了草间弥生，草间弥生的创作风格非常独特，其中一个艺术创作特点就是善用高彩度对比的圆点花纹。

　　“宋登封窑珍珠地划花虎纹橄榄瓶”产自宋代登封窑，是北宋中、早期的贡窑之一。很难想象贡窑会烧制出如此充满童趣的瓷瓶，瓶身上的老虎全无“兽中之王”气质，威严尽失，更像是已被主人成功驯化后的宠虎正在与主人玩耍。

　　或许是因为平时喜欢喝茶，所以对书中的壶盏盖碗格外偏爱些，清乾隆白釉番莲纹玲珑碗的空灵、元青花凤首扁壶的圆润、明宜兴窑时大彬紫砂壶的质朴，无一不爱。

　　明宜兴窑时大彬紫砂壶出自明代紫砂名家时大彬之手，壶形的灵感源于梅花。讲述这件“明宜兴窑时大彬紫砂壶”，作者涂睿明以“文人意趣的胜利”为副标题，从明代饮茶习惯讲到文人的审美意趣，同时借历史典籍记载将这款“明宜兴窑时大彬紫砂壶”的悠久历史缓缓道来，足见作者涂睿明不仅对古瓷颇有研究，对中国历史文化、古诗词、典故传说都有一定程度的涉猎。

　　中国是瓷器的故乡，早在16世纪的商代中期，中国就出现了早期的瓷器。在书中收录的众多古瓷中，“明德化白瓷观音像”是与众不同的。

　　明德化白瓷观音像体现了中国古代造像之美，最难能可贵的是瓷塑上居然有作者的名字。作者涂睿明引用《开工开物》“过手七十二，方克成器”解释说，一件瓷器要经七十二人手，这件“明德化白瓷观音像”全部工序都经何朝宗一人完成，匠人何朝宗的名字才最终留在了瓷塑上。

　　林清玄先生说：人生需要准备的，不是昂贵的茶，而是喝茶的心情。一件件美妙陶瓷像一颗颗珍珠，闪烁着迷人的光彩，我们要做的，就是安静地与它们”对视“，慢慢体会它们的美好。

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　　《古瓷之光》读后感(七)：关于古瓷：美从何处寻？

　　三年前，浦睿文化出版了涂睿明《捡来的瓷器史》，选取了中国瓷器发展史上十个重要节点，勾勒出瓷器史发展历程。如今，涂睿明新书《古瓷之光》仍将目光聚集在瓷器上，但他的写作重点转移到古瓷之美上。

　　古瓷之美，究竟美在哪里？在《古瓷之光》一书中，作者遴选了中国陶瓷史上77件至美珍宝，从古瓷的造型、色彩、材质、工艺、历史背景等角度切入，全方位展现中国陶瓷征服世界的美学魅力。追随作者的思路，欣赏这些古代瓷器，我们会慢慢发觉古瓷之美的美在何处，也能够透过古瓷去了解它在古代社会文化中的功能，甚至可以了解中国历代对美的不同追求。

　　宗白华先生在《美从何处寻》文章中这样写道：“美是通过美感来摄取的美，而不是美感投射的客观物体的结构本身，就像物质的内部结构和规律是抽象思维所摄取的，而绝非其物质内部的具体事物。”言外之意，美并非只有事物本身，美亦可以在事物之外。宗白华先生的这个观点在《古瓷之光》一书中得以很好的呈现。正如涂睿明在序言中提到：“陶瓷之美好包含着造型之美、绘画（装饰）之美、材质之美以及工艺之美，更包含着生活之美。毕竟，每一件瓷器的诞生，无一例外都是满足于生活的需求。”

　　那么，涂先生在《古瓷之光》一书中是如何呈现古瓷之美的？

　　不同于一般讲述古瓷的书籍，《古瓷之光》用富有美感的文字，以鉴赏的角度来呈现一件件古瓷，通过描绘古瓷的造型、纹样等，挖掘其背后可能存在的历史文化。

　　譬如：涂睿明在讲甘肃省博物馆藏的《神人纹彩陶壶》时提及了陶罐图式的神秘，如蛙似人，它可能与巫术或动物崇拜有关，由此推测这可能跟蛙的神奇力量有关，那就是蛙不可思议的跳跃能力，繁殖能力，这样联想起来，如此图式受到崇拜便也合情合理。

　　再如：台北故宫博物院珍藏的《宋汝窑无纹水仙盆》，重点将笔墨放在了它的造型上。这件汝窑看上去如此简洁，但却处处细节展现出巧思与精妙设计。有趣的是，作者将汝窑与舞蹈联系在一起，汝窑的盆壁由下而上缓缓张开，优雅、从容，口沿处轻轻一收，没有任何多余动作。重心下沉，力量下压，四足轻轻一落，稳稳扎住。透过这些细微的描述，我无不赞叹作者丰富的想象力。而作者对它颜色的描述更是形容为雨后天空初晴，这等审美的眼光可谓别具一格。

　　这种推测力、想象力，当然它源自作者对古瓷独有的鉴赏能力，更是所谓发现美的能力。若联系起宗白华老师所言美从何处寻，就不难理解美绝非物质本身，其实更多的美则在事物之外。的确，跟随涂睿明老师的笔触，我们不难发现所有的古瓷其实都离不开生活，虽然它是艺术品，但在曾经的历朝历代，它仍然发挥着事物本身的功能，这便是所谓的生活之美。这种生活之美，若想要穿越几百上前年的历史，用今天的眼光去欣赏，势必需要了解一些历史文化背景，甚至需要人融入自身的想象力与推测能力。

　　《古瓷之光》另一大特色便是将历史文化、中国古文、诗词与古瓷联系在一起，谈及宋绿釉狮子香炉，作者便普及了何为香炉，并解释如今香炉与香薰的区别；甚至讲述了关于狮子最著名的典故“河东狮吼”，并提到陆游《焚香赋》“蔼蔼如山穴之云”，苏东坡《寄吴德仁兼简陈季常》：“龙丘居士亦可怜，谈空说有夜不眠。忽闻河东狮子吼，拄杖落手心茫然。”又如：在讲述《宋龙泉窑琮式瓶》，作者除了分析瓶的样式，还追根溯源，讲述制作原料玉石最初并无实际用途，更是引用袁宏道《瓶史》、文震亨《长物志》等书中有关于瓶的功用文字。当然，在讲述其他古瓷时，作者同样引用了很多相关文献内容，涉及内容可谓之丰富至极。

　　由此可见，对于古瓷的欣赏除了需要必备的生活常识之外，更是需要一定的文化底蕴。这也许从侧面反衬出古瓷所散发的光芒，它的美不仅仅在瓷器本身，更是延伸到了人类生活的方方面面，这恰好与近些年流行的生活美学接轨。

　　除此之外，《古瓷之光》一书中，还有一些我们所不知道的知识，比如它解释了为何红釉瓷器是陶瓷烧造工艺的试金石。书中对此如此解释：“红釉的烧造，精彩处或如凝血，或如红宝石，最大限度激发出红的激情。但红釉烧造如刀尖上的舞蹈，温度稍高稍低，气氛稍浓稍不足，都难以达到理想颜色。”这就意味着一旦烧造失败，预期的效果非但不能呈现，还会南辕北辙。这也解释了为何红釉为何如此珍贵，尤其是豇豆红，甚至皇帝十分喜爱。

　　同样的，清雍正十二色菊瓣盘为何深得皇帝欢心，颜色也占有其中一个原因。毕竟陶瓷史上从来没有过如此众多的颜色，即使这些瓷器放在今日，也足以让人赞叹不已，其中烧造难度有多大可想而知。“有的是高温色釉，需在素坯上施釉，高温下一次烧成；而黄釉却需要将素坯烧成瓷器，然后上釉二次低温烧造。即使同时低温色釉，操作手法也大不相同。”

　　若是追寻从古至今古瓷的发展这条线去看古瓷不同的美，我们同样可以对比各个朝代的古瓷，来探寻人类的审美发展，由粗糙到精致，甚至绝美，这是视觉上的美，但它也反映出人类对于美的需求在发生变化。当然，无论古代还是如今社会，器物总有它的作用，亦有它所散发的美感。但是作为生活的人类，我们对于美的追求不应该只停留在事物本身，而应该在生活中发现它们特有的美。我想，涂睿明《古瓷之光》这本书的意义或许就在此吧！将美从事物本身提高了一个高度，或许这正是现代人类所追求的。

　　人类对于美的追求似乎是无止境的，如果美能够充满人类的生活与精神世界，我想这应该是更高层次的审美享受了吧！如果你对生活美学不太了解，不妨从《古瓷之光》这本书开始阅读古瓷之美，从而慢慢发现生活之美吧！

　　《古瓷之光》读后感(八)：品读《古瓷之光》，细说陶瓷之美

　　瓷器在中国有着相当久远的历史，它是中华民族数千年来的见证，也是中国文化的象征。它是实用与审美完美结合的产物，是火与土的涅槃，集生活、艺术、哲学、科学于一体。不同历史阶段的民风民俗、社会经济、审美取向都在瓷器上留下了痕迹。

　　陶瓷之美，高雅秀洁，玲珑清逸。或工笔写意，或浓墨重彩。单纯里露出不经意的繁复，素净中透着不张扬的奢华。似一阙婉约灵动的唐诗宋词，赏之，读之，品之，悟之。美不胜收，意韵深远。

　　中国传统瓷器作为一种文化特征，与中国其它艺术门类一样注重意境的传达。中国“道器并重”的观念，使瓷器容纳的不仅是物质，还承载着文化精神。中国文化特有的关照态度和内向品质，决定了其以静制动，宁静致远的艺术表达方式。

　　半生致力于景德镇瓷艺复兴、传承传播陶瓷文化美学，推动传统陶瓷艺术的当代转化的陶瓷文化研究者，涂睿明继《捡来的瓷器史》《纹饰之美》《制瓷笔记》出版之后，新近又推出一本讲述陶瓷之美的力作——《古瓷之光》。该书从瓷器诞生的先秦开始，以各朝代的传承顺序为基准，甄选77组具有中国传统特色的瓷器，将陶瓷艺术史与璨若星河的中华文明相碰撞的每一个精彩瞬间真实记录，为读者深入浅出地阐述了一部中国传统陶瓷艺术美学史，让人们能够领略陶瓷无限丰富之美。

　　在这77组瓷器中，作者从其造型之美、绘画（装饰）之美、材质之美以及工艺之美、生活之美等方面入手，以不同的侧面代表展现了中国陶瓷惊人而无穷的魅力。正如作者在序言中所言，本书将试图阐明这些美是如何产生的，要如何欣赏，又是如何与古人的生活发生具体联系的。

　　中国古代有种装酒用的器具，名为“玉壶春”，光是名字就给人一种高贵典雅的感觉。中国人形容一件器物美好的时光，总喜欢用“玉”这个字。从古至今，玉在中国人心中一直享有崇高的地位。我们说“谦谦君子、温润如玉”，大致就是这个意思。在这里，这个玉指的不光是质地，更是一种感觉。

　　元代是中国陶瓷制造的一个分水岭。这一时期，出现了大量以青花瓷为代表的工艺精湛的陶瓷艺术品，俗称“元青花”。但也不光是青花制品，比如书中提到的一件元代龙泉褐彩玉壶春瓶，光这个名称就很有诗情画意的调调，是不是瞬间让人想到王昌龄的名句“一片冰心在玉壶？”有学者考证，这个玉壶未必就是玉质酒壶，很可能说的是温润如玉的瓷壶。

　　书中这件褐彩玉壶春瓶造型鼓腹削肩，长颈直口，线条流畅，望之给人以端庄秀美、典雅丰润之感。玲珑的线条更让人感受到玉的纯美和春的韵味。通体全部由曲线构成，无一直线。欣赏此瓶时首先被满饱稳重的腹部吸引，然后随着曲线的韵律和节奏自下而上，经修长的颈部升华至完美的口部，回旋入瓶……

　　此外，始于唐代，盛与宋代的“宝瓶”——梅瓶不应被遗忘。宋代时，许多贵族人家嫁女都会陪送一对梅瓶，以此祝福女儿今后的日子和和美美。近代许之衡在《饮流斋说瓷》一书中详细描述了梅瓶的形制、特征及名称由来："梅瓶口细而颈短，肩极宽博，至胫稍狭，抵于足微丰，口径之小仅与梅之瘦骨相称，故名梅瓶。"关于梅瓶的用途，磁州窑白地黑花梅瓶器腹有“清沽美酒”与“醉乡酒海”的诗句。所以说，梅瓶既可以作为酒器，又是一件令人爱不释手的观赏品。因此，这类器具多制作精美且实用。

　　我们再来看书中这件明永乐年间烧制的甜白釉刻花缠枝莲纹梅瓶。不同于贵族人家给女儿做嫁妆的那种通体富贵的梅瓶，这是一种寡淡素朴到几乎被历史遗忘的颜色。在整个明代瓷器史上，它是个异类，造型上却如出一辙，无甚差别。

　　如图所示，这件梅瓶的造型为小口、短颈、丰肩，肩以下逐渐收敛，虽然不同年代不同地区烧制的梅瓶造型上不尽相同，但无一例外，都具有一种刚劲挺拔且雍容大度的美感。大肚能容，通俗点来说，这种造型即民间百姓所谓的“肚大脖细”。雍容而又不乏质朴。

　　当我们在景德镇历代瓷器中流连忘返，从中可以看到宋人所体现出的优雅秀美的艺术风格，追求轻松灵动的美感。从造型到纹饰，抒情而写意，图案流动率意，富于韵律。岁多为单色釉，但其色泽恬美自然，柔和纯净，是古人尚玉，在瓷器制作上的反映。宋瓷之美，虽未唐代之恢宏气势，但优美高雅则过之，清丽潇洒而不失挺秀，是不饰粉黛，洗尽铅华的自然之美。

　　元人在瓷器上则表现出了厚重和简洁，造型概括洗练，挺拔舒畅。绘制在青花瓷上的图案，笔意纵横，酣畅淋漓，人物精美，气宇昂轩，无论龙凤麒麟，花草走兽，皆神采飞扬，极具气势，去掉了宋人的飘逸优雅而代之以浑厚质朴，饱满结实的艺术效果。

　　当瓷器进入明清，御窑厂烧制的造型规整端庄、雍容肃穆，工艺严格考究，图案缜密繁华。一改元人的旷达单纯而更为谨严工致，娇艳亮丽。无论在造型、纹饰和釉色上，其表现手法较之前人的含蓄委婉，写意清纯，而更为明确具体，丰富细致。色彩强烈而醒目。其彩瓷，虽浓妆艳抹而不失庄重；其青花，虽色调清朗而不失富丽，是花团锦簇，异彩纷呈的华贵之美。

　　纵观中国陶瓷艺术的历程，经过了漫长的岁月变迁，每个时代都有自己的工艺水准和艺术追求，反映出各时代不同的艺术品味。“秋毛冬骨，夏阴春英”，每个时代，每一位瓷器艺人都留下了他们心血的结晶，是留给我们的丰厚文化遗产！

　　《古瓷之光》读后感(九)：从“古瓷之光”浅看陶瓷演变

　　作为一种艺术形式而言，或许只有陶瓷才能涵盖整个中国五千年的历史跨度。在地球上几乎所有的文化中，烧制粘土比任何其他材料更能满足社会各阶层的需求并满足其审美品味，此中，中国陶瓷艺术有着无可争议的辉煌贡献。中国陶瓷以其精美的形式、形状、饰面和细腻的色彩运用而闻名。就纯粹的生产、技术的创新、艺术的精致、审美的多样性和全球性影响而言，中国人可以称得上拥有世界上最悠久、最重要的陶瓷传统。

　　在中国历史的早期，它从功利主义上升为一门艺术，伟大的艺术作品受到朝廷和上层阶级的光顾，并在中国以外的欧洲等地受到追捧。中国人对陶瓷产生了高度的审美鉴赏力，促进了对材料、技术复杂程度和风格范围的敏感性，这些定义了新石器时代文化的经典器皿，此后青铜时代、先秦、唐、宋、元、明、清，纷繁迭至，各有辉煌。

　　中国最早发现的陶器可以追溯到公元前6000年——处于新石器时代晚期，又称之为“仰韶文化”，这些陶器发现于黄河、汾河和渭河的交汇处附近，其中一些绘有花、鱼、人脸、和几何图案。

　　仰韶文化鹳鱼石斧图彩绘陶缸

　　从公元前3500年左右开始，黄河上、中、下游沿线的聚居地出现了五彩斑斓的黑陶。慢慢随着烧制技术的进步，也导致了新型陶器的出现，如商代、周、秦和汉代发展的高烧、釉面陶器。

　　商代制造了精美的白陶。许多器皿的大小和形状与同时期制造的青铜器相似。学者认为青铜器很可能是陶器皿的复制品。许多伟大的陶器和陶瓷艺术作品来自汉代，物品与死者一起被掩埋，并被考古学家和掠夺者挖掘出来。中国陶器史上第一次使用釉料大抵可以追溯到这一时期。若谈及这一时期，就不得不提在秦始皇墓中发现的兵马俑军团，那可谓是早期中国陶艺家的精妙技艺的巅峰呈现。

　　在接下来的几个世纪里，无数新的陶瓷技术和风格被开发出来。时至唐代，其中最著名的一种是唐代三彩瓷，以最常见的黄、绿、白釉应用于陶器而得名，虽然其他颜色，如蓝色、棕色、紫色等也被使用。它们不仅以碗和花瓶等传统形式制作，而且以骆驼和中亚旅行者的异国情调伪装，证明了丝绸之路的文化影响。

　　唐三彩骆驼

　　唐三彩马

　　再到宋代，标志着中国陶艺史上的一个高峰，技术的掌握、情感的细腻和技术的自然自发性比中国历史上任何时候都更加完美。不同于清代宫廷器皿时而死气沉沉的完美，宋瓷的美源自于造型的简洁和釉色的纯洁。在宋瓷中，仍然可以感觉到陶工的手触感，釉料具有深度和温暖，虽然后来随着制造技能的提高而失去了这种深度和温暖。

　　宋汝窑无纹水仙盆

　　此外宋代还出现了釉面因急速冷却收缩开裂而产生的精美的裂纹或裂纹釉陶。最早的这种上釉的作品可能是在烧制过程中偶然制成的，但后来发展成为一种在中国以外产生巨大影响的艺术形式，影响了日本著名的茶道陶瓷。宋代低调之美的瓷器以其低调的美感着实令人感到惊讶。

　　宋哥窑胆瓶

　　到了元朝，花卉图案和钴蓝色绘画是在瓷釉下制作的。这被认为是中国陶瓷的最后一次大进步。元代的青花瓷器不如宋代瓷器细腻。多色花纹瓷器在元代生产，到清代完善，又引入了新的颜色和设计。

　　元青花鱼藻纹大盘

　　明代陶瓷以其形式和装饰的大胆以及设计的多样性而闻名。工匠们制作了装饰精美的巨大器皿和小巧精致的白色器皿。众多精美的纹饰釉色——桃花、月光蓝、碎冰、牛血釉；米粒、玫瑰粉和黑色装饰——灵感来自大自然。明末清初，五彩瓷器的创新使瓷器更加丰富。这些瓷器在花卉、山水和具象场景的装饰方案中运用了多种上釉颜料，在西方享有盛誉。

　　明宣德宝石红僧帽壶

　　明嘉靖五彩鱼藻纹盖罐

　　在清代瓷器以彩饰、山水画、花鸟画和五彩珐琅设计而闻名。许多主题具有象征意义。生产技术在康熙雍正和乾隆年间达到顶峰。此年间在年希尧的指导下，粉彩瓷在景德镇达到了完美的巅峰，并在乾隆时期继续保持着不减当年的精美程度。与此同时，宫廷对仿古青铜器、金玉玉器瓷器的需求，以及乐器、打孔转盒等极不适合用瓷器制作的器物也逐渐增大，对景德镇的制陶工艺的要求也越来越高。只可惜到19世纪，尤其是道光、光绪年间，虽不时出现精品瓷器，但整体质量大为下降。在 1853 年的叛乱中，皇家工厂被烧毁。叛军洗劫了景德镇并杀死了一些陶工。该工厂于 1864 年重建，但再也没有恢复昔日的地位。1912年清朝末年，中国制瓷的悠久历史也就算走到了尽头，盛极而衰，不胜唏嘘。

　　注：文中用图多为书中所提，均引自网络，侵删。

　　《古瓷之光》读后感(十)：《古瓷之光》：科普如何从美学鉴赏角度领略陶瓷的魅力

　　《古瓷之光》是一部新近出版的，从美学鉴赏的角度，以朝代为顺序，用通俗易懂的文字，多方面解读中国陶瓷艺术史上77组珍宝独特魅力的陶瓷文化科普读物。和古玩收藏家不同，这本书的作者涂睿明是一位著名瓷人、陶瓷文化研究者、作家。因此，他对这些陶瓷珍宝的介绍，在阐述它们的历史文化背景同时，更突出了它们的造型、工艺、色彩、纹饰、绘画等美学特色，令读者可以从中学会如何欣赏陶瓷之美，进而提升艺术与审美的感受力。

　　涂睿明著《古瓷之光》

　　正如涂睿明在《古瓷之光》的序言中所述，很多文物爱好者都是从收藏价值的角度关注陶瓷珍宝，“其被关注的原因仅仅是其背后写满传奇的故事。人们关注的，并不是它的美。”他希望借助这本书，通过一件件陶瓷史上的杰作，让读者们能够领略陶瓷无限丰富的美。而陶瓷之美包含着造型之美、绘画装饰之美、材质之美以及工艺之美，更包含着生活之美。他所挑选的这77组陶瓷艺术品，从不同的侧面代表和展现着中国陶瓷惊人而无穷的魅力。

　　我会对这本《古瓷之光》感兴趣，是因为我妈喜欢陶瓷艺术品。她不仅自己去过世界各地的一些博物馆欣赏，也带着我去过台北故宫等，还参观过国内一些陶瓷展会。当然，她也买过一些她喜欢的陶瓷制品，诸如兔毫盏、白瓷茶具等。但参观博物馆或看展览就算是完全自己掌控时间，也只是走马观花，听听简单的讲解，很难认真欣赏每一件作品。更不要说有时还是跟团游，连展品的文字介绍都可能没时间细读。因此，我很期待通过《古瓷之光》这本书，学习一下如何以美学视角鉴赏陶瓷艺术品。在书中，涂睿明点评的77组陶瓷艺术品都是收藏在世界各地博物馆中的珍品。看过他的文字描述，那些原本在我看来可能更具历史收藏价值，却并不是我喜欢的陶瓷艺术品也多了一点独特的魅力。

　　整本书介绍的77组陶瓷艺术品中，我最喜欢的要属现收藏于台北故宫博物院的清乾隆白釉番莲纹玲珑碗。如果没看这本书，我也会很喜欢这个碗，因为我一直很喜欢带镂空元素的设计。不管是衣服还是雕刻品等，镂空效果带来的层次感都很令我着迷。而这个碗的独特之处在于，虽然平时看来它只是一个简单、纯净的白色瓷碗，没有繁复的装饰。但用灯光一照，可以看到镂空的效果，配合精美的番莲纹，使得整体显得既低调、内敛，又高雅、脱俗。除了阴影的部分，尽管只有灰白与白，不过白中却呈现出一种无限丰富感，这恰恰是玲珑瓷创造出的奇特效果。

　　据涂睿明在书中介绍，玲珑瓷的技术就是在镂空的部分再填上釉，烧成之后空的部分也被釉层盖住，镂空处不再是空，但光照之下又仍然是空的效果。其实，在我们日常生活中，有种极为常见的青花玲珑瓷，就是在此基础上量产化制作出来的。令我感到有点遗憾的是，书中涂睿明在讲述玲珑瓷时，并未提及对于玲珑瓷的釉，有没有什么特殊的讲究？太薄或太厚的釉，会对透光效果产生怎样的影响？

　　清乾隆白釉番莲纹玲珑碗（《古瓷之光》书中配图）

　　《古瓷之光》一书中，最让我印象深刻的知识点是关于红釉、釉里红和填红的区别。包括我妈在内，和很多人一样，我们原本只知道红釉和釉里红，好像还是第一次听说填红。据涂睿明在书中介绍，填红是先在素胚上覆盖一层透明釉，然后再把图案部分的釉刮去，紧接着填上红釉，最后进行烧制。同时，涂睿明还指出，历史上大多数时候，人们都被“欺骗”了，甚至今天故宫博物院的展签上，仍然把填红当成了釉里红。在我看来，填红的颜色显得更加厚重一些。

　　明宣德填红釉三鱼纹高足碗（《古瓷之光》书中配图）

　　和填红比，釉里红更珍贵主要是因为烧造太难，它对温度和氛围非常敏感，过或不及都烧不红。过了，有时甚至完全没有颜色，“飞”了；火候不到，则易变黑变灰。此外，釉里红还易流动，不容易画线。因为画得再精准，烧时颜色稍一流动，线就模糊了。我妈买过两个青花釉里红的笔洗，两个笔洗的红色图案部分的颜色，和书中介绍的清雍正青花釉里红牡丹图瓶的红色比，都可以算是“釉里灰”了。真的是不比不知道，单看笔洗的图案红里透着灰，也是可以接受的美。一比才发现，关键正是在红色部分的色彩上。牡丹图瓶的红色部分也并不是艳红，而是纯净、淡雅的红，但笔洗与牡丹图瓶的红色差距太大了。

　　不过，据书中介绍，青花与釉里红虽然都是高温釉下彩绘，同时在素坯上绘画，上釉后一次烧成。但两种材料各自呈现理想颜色的温度和气氛并不相同。理论上，釉里红烧得理想，青花必然发色欠佳，反之亦然。因此，想烧制成牡丹图瓶那样的效果是非常难的。我妈购买的那两个笔洗，既然还是能看出是青花和釉里红的工艺，那么只能说是烧制水平有限导致红色图案部分不够红。但以她花的价钱来评估，性价比还算不错。如果她是看完《古瓷之光》这本书后，再考虑要不要买那两个笔洗，我猜她恐怕不会买了。

　　清雍正青花釉里红牡丹图瓶（《古瓷之光》书中配图）

　　从烧制技术的难度考量，红釉比釉里红和填红的技术等级都要高。据涂睿明介绍，红釉是在1300℃左右的高温下产生。高温下的红色对温度和氛围的要求极高，温度稍高稍低，气氛或过或不足，都足以使一切努力化为乌有。即使是在同一件瓷器上，瓶口与瓶底温度的细微差别都足以影响到最终的呈色效果。正是因为烧制难度系数极高，高温红釉瓷器被誉为陶瓷烧造工艺的试金石。值得一提的是，书中介绍的关于烧制红釉时出现问题导致失败，意外获得康熙皇帝欣赏的“次品”豇豆红，那可是比烧制红釉更难。因为红釉再难也有标准，有标准便有方向，但产生的问题千差万别，毫无规律，更无标准。

　　明宣德宝石红釉僧帽壶（《古瓷之光》书中配图）

　　清康熙豇豆红八大码（《古瓷之光》书中配图）

　　总之，看完《古瓷之光》这本书，我确实学到了一些从美学的角度如何鉴赏陶瓷艺术品的专业知识，并了解到一些陶瓷相关技术发展的历史。然而，我也从中发现了这本书欠缺的一部分内容，就是对于陶瓷艺术品的价值衡量标准。比如同样是现代手工制作的陶瓷艺术品，豇豆红是不是比红釉更贵？毕竟陶瓷制品是广泛应用于我们日常生活中的，就算不作为收藏品，大家也会为日常使用进行采购。依我看，会对这本书感兴趣的读者，准备自己动手制作陶瓷制品的人恐怕会是少数；在学习如何欣赏陶瓷之余，或许更多的人是有意购置收藏陶瓷艺术品。因此，如果这本书在现有的美学鉴赏基础上，再增加一点对每组珍宝的价值评估参考标准，我觉得就更好了。（作者：李淑媛）