《时时刻刻》观后感10篇
《时时刻刻》是一部由史蒂芬·戴德利执导，梅丽尔·斯特里普 / 朱丽安·摩尔 / 妮可·基德曼主演的一部剧情 / 传记类型的电影，文章吧小编精心整理的一些观众的观后感，希望对大家能有帮助。
《时时刻刻》观后感(一)：一点感想
当现在平淡而看上去幸福的生活填补不了我们内心时 有没有勇气去结束现在的生活 有没有勇气面对属于自己的生活 我明白当伍尔芙发现自己不能享受姐姐那种凡世幸福的恐惧 她希望自己能够享受这种幸福 她羡慕嫉妒别人能够享受这种幸福 当她终于能够面对自己时 她选择了死 她是个天才 无法与其他人分享内心的天才 当她一点点把书写下去的时候 我就觉得她一点点靠近了自己的结局 这种命中注定的味道伴随着音乐一直贯穿着影片 让我觉得低沉而忧伤
她们的生活看上去都很美好 是很多人希望得到的幸福 深爱自己的伴侣 懂事的孩子 看上去很美好的家庭场景 但是这样琐碎的生活 不是每个人都想要的 不是能让每个人都享受其中的 那能不能离开 能不能去找能真正能让自己安心而满足的东西
当我们生活在一起时 有一些责任就在我们肩膀上 提醒我们按照日程表一天天过下去 有些是不得不负担的 有些是自己强迫自己负担的 我们能抛弃这些吗 我们抛弃了这些 真的能得到幸福吗 有多少人是这样想的 这样安守于现在的生活的
在琐碎的生活里能得到幸福的有很多 包不包括我 包不包括你 生活的美妙或者说可恨之处在于 你要过了才知道 不过当知道了结果后该怎么选择 要怎么选择 你能不能面对什么 忍受什么 逃避什么 煎熬过后抬头看着天会想 如果有上帝 大概她在天上正看着我高深莫测的笑着
《时时刻刻》观后感(二)：《时时刻刻》——女性自我认知的变化过程
讲述了在大约50年的时间里面，女性的自我认知的变化过程。
影片中的三个女性都和“达洛维夫人”有密切关系：弗吉尼亚·伍尔芙虽性格独立刚强，却在生活中诸事受到“安排”、“摆布”，只能寄情于小说创作，让“达洛维夫人”变得完全自主；身怀六甲的劳拉感到自己似乎沦为生育和家务机器人，不能找到生活的真正意义。考虑到腹中胎儿，她选择像“达洛维夫人”一样勇敢地面对生活，在诞下女儿以后抛弃家庭远走他乡，而非如投河自沉的伍尔芙一般选择逃避；21世纪的达洛维夫人面对着一个已然翻天覆地的世界：她能如小说里的“达洛维夫人”一样“自己去买花”、能够合同性伴侣相处十年、能够和劳拉那位心理扭曲的儿子发展平等相处、互相尊重的亲密朋友关系。
同伍尔芙生活的年代相比，一切都不一样了。因为场景和人物的频繁切换，这部电影一开始会让人摸不着头脑，但是只要沉得住气，就会发现它是那种“渐入佳境”的好电影。 至于那些说这部电影主要在谈“孤独”、“寂寞”、“自我放逐”元素的人，我就只能认为他们在扯淡了。
.S. 妮可·基德曼装了假鼻子以后，真的完全是另一个人。
《时时刻刻》观后感(三)：你不能逃避的自己
真正能看懂这部电影的人很少，能真正看懂的应该是女人，而且是思想极度丰富敏感与世不融愿意面对真实自己的人。我就是那个劳拉，有一个幸福的家庭，有老公和女儿，可是却不能像别的母亲那样爱自己的孩子。或者说我根本就不爱我的女儿。人性真的是一个奇怪的东西，好像芸芸大众都会的东西，偏偏我就是不会，如果从道德意义上来说，我一定是个最糟糕的母亲，即使在人前对女儿好，对老公好，也是在装，那不是真正的我。真正的我内心根本就不爱他们，我爱一切美好的事物，音乐，电影，书本，绘画。。。。但是就是不爱家庭。我不知道我这样的女人为什么要结婚，我一度也产生过轻生的想法，或者说这个想法一直就在我的灵魂里。如果人能像动物一样，只需要吃饱穿暖就能幸福，或者像圣人那样有洁净的SPIRIT，那该有多好。可惜我们只是人，是神与兽的中间体。
《时时刻刻》观后感(四)：关于死亡的挣扎，时时刻刻
不同的时空里，她们的内心深处，关于死亡的挣扎与抗争，没有停息，时时刻刻。
【Woolf：“我在浪费你的生命。” 吴尔芙那张闪着灵气的嶙峋的脸，细致得不带性欲。
Hours里写她走到河边的那一段倒是动人的。那天，她匆匆走出家门，穿着一件太厚的大衣。就算是在那样的时刻，她依然忍不住要分心看看那翠绿的草丘，那教堂，那零零落落的几头绵羊，身上闪闪的白光染着一层微绿的土黄，在渐浓的暮色里啃食牧草。她停了一下，凝望羊群，凝望天空，再向前走。
背后隐约传来杂音，轰炸机在上空嗡嗡飞过，她抬头想看看飞机却看不到。她走过农地，看到一个家夫，粗粗壮壮裹着一件土豆色的背心，埋头清理通到那一片柳林的一道水沟。他抬头看了看她，点了点头，又埋头看着那一沟棕褐色的污水。走过他身边走向那条河的时候，她想到他多么成功，多么幸运，清理柳林里的水沟，真好。她自己倒失败了。她根本不是个作家，真的不是；她心想，她只是个很有天分的怪人。
吴尔芙半截身体浸在黄黄的河流里的那一刻，她也远远看到那个穿红外套钓鱼的人。她怕他看到她，赶紧弯身躲进水里。】
《时时刻刻》观后感(五)：再没有人像我们这般拥有过幸福
“戴洛维夫人说，她要自己去买花。”
维吉尼亚坐在靠椅上，用蘸墨钢笔，在稿纸上大力写下小说的第一句。她眉头紧锁，眼神凝聚。就是这本小说，《戴洛维夫人》，串起了不同时代三个女人的生活。
1923年的维吉尼亚，是一个极具天赋的作家。她在精神上受到困扰，曾情绪不稳，意识不清，两次尝试自杀。她与丈夫离开伦敦，住在一个安静的小镇休养。安静的生活与丈夫的悉心照顾，并没有让维吉尼亚内心平静。她感到受到束缚。“我的生命被别人夺走。我一个人在黑暗中无助挣扎。只有我才知道，只有我才了解我自己的状况。就算最无助最可怜的病人，也有权利决定自己过什么样的生活。”维吉尼亚最后选择走进了湖里。
1951年的萝拉，是一名中产阶级家庭的主妇，有一个十分爱她的丈夫，一个四五岁的儿子。萝拉隐忍着，费力地，装出热爱这美满生活的模样，努力对丈夫热情，对孩子疼爱。可她终于不能再忍受，不属于这个世界的感觉。面对死亡和生命，她选择了生命，选择了背弃家庭，承受无人原谅的指责，远远地重新开始自己的生活。
2001年的克劳丽莎，十年如一日地照顾着患病的初恋男友理查，鼓励他，为他的诗集获奖而积极筹备party。那天，理查对她说：“我活着只是为了你。我死了你就得面对你的人生。到时候你该怎么逃避？”这击垮了克劳丽莎的信念，她看见了自己，这么久以来一直无法对失去初恋的释怀。
一位是《戴洛维太太》的作者，一位是这本小说的读者，一位无法忘记被称为“戴洛维太太”的美好回忆。
维吉尼亚是敏感而强悍的。她勇敢地思索生命的意义，独自承受着精神的孤独与痛苦。她的时代，是闪闪发亮的，窗外的光线照亮了她的发髻，她穿过绿得发亮的树林，步入波光粼粼的湖水。她的言语从来坚定，身形永远潇洒。
令我流泪的，是萝拉和小理查。微笑送别丈夫后，萝拉转过身，看着小理查。所有丈夫看不出来的掩饰，在这个朝夕相处的孩子面前一览无余。理查穿着已经小了一大截的睡衣，注视着妈妈。他是个敏感的孩子，他知道妈妈的痛苦。当萝拉把理查放在别人家，打算去酒店自杀时，理查发狂地追着汽车，叫着妈妈。萝拉改变主意回来后，对他说：“我爱你，你是我的宝贝”。理查很甜地笑了，他能听出这不同于平日有些敷衍的话语。晚上的生日party，气氛十分古怪。丈夫心满意足，而萝拉在洗手间哭泣。妈妈还是走了，成为理查永远的伤害。
长大后的理查，成为一个作家。他在10年才完成的自传体小说里，给了妈妈自杀身亡的结局。身患重病的他，觉得生活一片混乱。他“无法将所有真实还原。”当他决定选择放弃生命，不再为了克劳丽莎或其他而活的那一刻，他最终理解并原谅了妈妈。
“一个女人的一生，浓缩在一天中。只有一天，短短的一天，就是她的一生。”那一天，还有一些人物闯进他们的生活。比如，维吉尼亚的姐姐，一个三个孩子的母亲，她努力地照顾孩子，使他们开心。可是脸上的疲惫掩饰不住，但她不曾脱离生活的“正轨”。萝拉的邻居琦蒂，努力炫耀着幸福，但即将面临的手术令她脆弱痛哭。还有克劳丽莎的同居女友、女儿。这些女人各自过着非常不同的生活。有的人能适应这个世界，有的人努力去忍受人生，还有人勇敢地放弃。
有人把这部电影中同性的亲吻理解为同志之爱，我却不这么认为。那些突然的亲吻，是女人间的一种特殊理解方式，一种脆弱下的紧握。
每个人对自我的认识不同，天生禀赋也不同。也许，我不该质疑自己，“为什么别人可以忍受”，“为什么我值得过那样的生活”。
维吉尼亚在给丈夫的遗信中表明了对生命的认识：
“挚爱的连纳
你要把人生看透彻
一定要真实地面对人生
了解人生的本质
当你终于了解人生
就能真正地热爱生命
然后才舍得放下
记住我们在一起的这些年
永远不要遗忘
永远记得我们的爱
生命中的时时刻刻
......”
真正地热爱生命，然后舍得放下。
“我记的有一天早晨
天一亮就起床
你知道那种感觉吗
那是我在想
原来这就是幸福的开始
这是幸福的源头
往后一定会更幸福
我从来没想过那不是开始
那就是幸福
就在那一刻
在那当下”
克劳丽莎最终也释然。
《时时刻刻》观后感(六)：真是一部 让人心里打结的电影
无意也好，或者就是这么注定的。于是电影的沉郁愈发透彻地穿透我。
人物的衣着灰暗妆容灰暗台词灰暗整个画面的色调也是灰暗到了极致。
he should finally kill herself.
Kill herself.Kill herself.
重复这么一句台词多少遍，
看他们在痛苦里撕扯自己多少遍
一个个都像人格分裂一样地奔跑逃离吼叫，最后杀死自己
杀死自己。
片尾，与片头对应着的画面里，Nicole Kiddman再一次穿着灰暗没有神采的衣装一步步走进那条小河，沉溺，沉溺，致死。
留下一句
Always the hours between us.
the hours between us.
唔。这种剧情没有突兀却处处贯彻着忧郁致死情怀的电影，怎能让人心里不打结呀~~~
《时时刻刻》观后感(七)：Nonverbal Languages in the Hours
Overview
As Louis Giannetti suggests, movie is a complex art compounding many language systems at the same time. Scientific research has proven that, non-verbal messages often convey more meaning than the spoken word. Before talkies were introduced to the public, silent movies had developed some techniques, montage, for instant, to present the stories and ideas to audiences. Even today, in the commercial cinema, directors are still using those nonverbal techniques to achieve a better movie.
There are many nonverbal languages, such as photography, editing, mise en scène, sound, acting (especially physical movement and facial expression), and figurative comparison. They interact dynamically and simultaneously within a single text. Some of them are overt, while the others are subliminal that audience are unconsciously impressed.
Academy Award-winning movie the Hours, considered as “a fascinating and ultimately successful stunt in its cross-cutting among the decades”, is a feminist movie directed by Stephen Daldry in 2003. In this impressive movie, Daldry successfully uses various nonverbal language systems to tell the stories of three women: Virginia Woolf, Laura Brown and Clarissa Vaughn. All three are negotiating their way through different depressive states and struggling with issues of freedom, responsibility and identity: Virginia Woolf is striving to write her novel "Mrs. Dalloway" in 1923, as she recovers from melancholia; Laura Brown is a depressed and pregnant L.A. housewife who reads Woolf's novel in 1951, as she plans her husband's birthday party; and, the exasperated Clarissa Vaughn is a book editor in modern-day New York, who is planning a farewell party for her AIDS-inflicted former lover, Richard, a famous author who had nicknamed her Mrs. Dalloway because she has once played a late 20th century version of Woolf’s novel.
hotography
The audience may find out that, full shots and deep focus are seldom seen in this movie. Instead, cinematographer use lots of close-up with shallow focus to present the story. It is because the Hours is a movie focusing on three women’s inner worlds. Close-up tends to encourage the audience to observe the facial expression of the women and thereby to notice the conflicts in their minds. Shallow focus helps in the same way. By making the surroundings vague, it concentrates on human face.
Color and tone is another important technique of photography in this movie. For a long time, color and tone have been serving for symbolic purpose in any form of visual art. Mostly, cool colors suggest serenity, depression and apartness while warm colors suggest violence, hope and stimulation. Likewise, dark tone implies evil and fear while bright tone implies pleasure and joy. Women in the Hours are live in three different times with three different living conditions, but they are all suffering from depression. Therefore, filmmaker creates three different tones in order to make distinctions between them.
Virginia Woolf, is a woman with melancholia in 1950s. So we can see the tone in this part is mainly gloomy. Sometimes, there is warm sunshine in the shots but she barely faces it. This is actually indicating that her advanced vision of life and woman is incongruous in that society where feminist thoughts are still nascent and immature. We know that Virginia ends her own life in the end, so the gloomy tone also reflects her own personal struggle with the idea of suicide.
Different from Virginia Woolf, Laura Brown lives in a post-war world, so the filmmaker uses warm colors to create such a lively and hopeful atmosphere. However, such a high key tone and Brown’s inner mind are in striking contrast. Thus, the audience can hardly find any joy but strong discomfort because of the besieging reality.
As for Clarissa Vaughn, she lives in 20 century’s New York, a big multicultural city. So the neutral tone with various colors indicates such a modern developed world. It is noteworthy that, every time when Vaughn visit Richard, her ex-boyfriend who eventually commits suicide, the tones change to cool and low key, representing desperate feeling.
Mise en scène
Director of The Hours, Stephen Daldry, began his career in theater. So he has his own understanding in staging action. Although long shots are considered as a more theatrical medium for mise en scène, Daldry use more close shots than long shots to concentrate the characters’ emotion. But it does not necessarily mean long shots share no importance in this movie. In fact, we can see Daldry’s art of mise en scène by analyzing those scarce long shots in The Hours. This essay chooses one typical long shot to see how mise en scène, as one of the nonverbal language system, gives information to the audience.
In one scene, Mrs. Brown watched her husband drives to work in her house, forcing an unnatural smile. Her 5-year-old son Charles is gazing behind her. The mise en scène is compartmentalized into two, with the door frame serving as the vertical dividing line. Brown is on the right and in the upper portion of the frame. Charles dominates the left lower half. Charles can feel things are beginning to go wrong and Brown realizes once again she does not want life like this. Brown tunes back, facing her son. They are both silent. This is the dramatic context and the analysation of this shot is as follow:
1. Dominant. Because of the extremely high contrast between the light outside and the moving body of her, Brown tends to attract the audience’s eye first. She is also the subject where the little boy in the foreground is gazing.
2. Lighting Key. The interior is photographed in moderate low key, with the exterior consisting mostly of blinding sun light which is in extreme high key.
3. Shot and camera proxemics. This is a deep-focus shot, extending from a medium rage in the foreground to a full shot range in the background. With such a shot, we can only focus on what is going on inside the house. The man outside is not our concern any more. The camera is at a personal distance from Charles, a social distance from Brown. The woman is gazing on her son silently, and the audience is watching her from the view of little Charles, having no idea of what wrong with Brown.
4. Angle. Because we can see more of the floor than the ceiling, so the camera is at a slight high angel. The angle implies a slight air of fatality.
5. Color values. Warm colors but in dark tone, suggesting unconscious despair and depression are concealed under the peaceful life.
6. Lens/filter/stock. A wide-angle lens is used to capture its depth of field. The lens emphasizes the distance between the mother and son. No apparent filter. It is difficult to discern the stock being used here.
7. Subsidiary contrasts. Our eye travels from Brown (the dominant) to little Charles. In this shot, we will probably focus more on Brown because she is turning round.
8. Density. The shot has a high degree of density, especially considering the low-key lighting. Such details as the vase, the flowers, the tables, the lamps, the sofas, the chair, the window and the expressive face of Mrs. Brown are creating kind of constriction and sense of pressure in a normal cozy house.
9. Composition. The image is divided into two areas, left and right. It is suggesting tension between the mother and son.
10. Form. Closed: with a closed door and a lot of furniture, there is no exit for Mrs. Brown to escape through. The house is a symbol of her current life.
11. Framing. The shot is tightly framed, with little latitude for movement. Both the mother and son have no way out. Especially for Mrs. Brown, she is imprisoned within the frame of the window, implying that she is stuck in her current life.
12. Depth. The shot is photographed in three depth planes: (a) Little Charles in the foreground; (b) the rest of the parlor; and (c) Mrs. Brown in front of the window.
13. Character placement. Mrs. Brown occupies the upper portion of the image, her son Charles the lower. It is a portentous placement, for the reason the mother and son are maximally separated at the opposite edges of the composition, indicating that they will be apart eventually.
14. Staging position. Charles is back to camera but close to the audience, giving a relatively intimate impression. Brown is in quarter-turn position so that we can see her and feel her pain. However, the distance between her and the audience makes Brown unpredictable.
15. Character proxemics. Charles is far from his mother, in a social distance.
Figurative comparison
There are several symbolic motifs in the movie the Hours. The two most important motifs in the movie are water and flower.
The first scene of the movie is a close up of the choppy river. Soon after this scene, Virginia Woolf writes a suicide note and steps out of her house heading to the river where she finally drowns herself. Similarly, after Laura Brown takes the pills and tries to commit suicide in the motel room, there is a surreal scene showing that she is drowning in the water. Obviously, water is serving as a motif here, reminding the audience of the similar situation that bothering both Woolf and Brown. They both want freedom but they are imprisoned by the social role of female and the ordinary family life. Therefore, water is also a generalized symbol of threat, which makes them overburdened and decides to surrender life. However, times have changed. Society gives more and more freedom to women. That’s why the water in the motel room recedes when Brown wakes up. Though Brown is sick of normal life like Virginia Woolf does, she chooses to fight back and starts her own life by leaving her family.
Flowers are the subject of the famous opening line of Mrs. Dalloway and appear throughout The Hours as tools to “brighten moments of emotional intensity”. In Mrs. Dalloway, the story begins with her leaving her house to buy flowers for the party that night. Clarissa Vaughn leaves her apartment with the same intention. Flowers, particularly roses, have different implications for each of the major characters: for Virginia, the roses around the dead bird’s bed indicate funereal blankness and release. For Clarissa, the flowers she buys signify joy and vitality. She brings Richard flowers to brighten his dark apartment, and she brings some home to decorate her own apartment. Mrs. Brown sees the roses that she puts on the birthday table for Dan as a way to make up for the mental distance she puts between herself and her family.
Editing
Rather than telling one story, the Hours intercut three. Connecting stories from three different women in three different times can be a huge challenge. Nevertheless, Daldry did a fantastic job by skillfully using thematic montage. Three stories are developed not separately but in parallel fashion. Scenes of one time period are intercut with scenes of another. The continuity is no longer physical, or even psychological, but conceptual.
tories of three women are jointed at certain motifs in the movie. For example, flowers in three different time of period intercut in 10 seconds to deepen the motif. Moreover, there are scenes of their partners coming home in the morning. They then introduce different stories: Woolf’s husband sees the suicide note; Mr. Brown buys flowers to her wife; Clarissa is waked up by her partner’s move. In the Hours, we can see dozens of jointing point like that.
Another highlight on editing in this movie is about Charles. When the little boy is crying and chasing her mother’s car, there is a close up on his face. At the same time, a photo of Mrs. Brown fades in. With the lens zooming out, the audience sees an old man’s hand holding the picture. The audience knows this is the hand of Richard, Clarissa’s ex-boyfriend. This montage reveals the relation between the characters and surprises the audience.
The Hours is successful in both commercial box office and critics. It receives 9 Academy Award nominations and becomes the 56th highest grossing film of 2002. A successful movie involves lots of factors. But there is no doubt that, the masterly use of nonverbal language certainly contributes much to it. The nonverbal languages such as photography, mise en scène and montage contain lots of information that the director would like to share with the audience. And in The Hours, such techniques are perfectly put together to deepen the theme and, once again, shows enchantment of movie art.
《时时刻刻》观后感(八)：你的不理解就像异性恋不理喻同性恋
女性的定位在这个世界是多么可笑：家庭幸福。那么，为什么女性要读书呢？哦，师奶亦舒说，哈佛剑桥名校的文凭是你嫁人的一张金牌。原来，女性的读书，就是为了炫耀，为了虚荣。
最可笑的是，这个判断价值观，从古至今，从未改变。
没有人关心女性想要什么。女性分为很多种，有的跟社会定位的男性一样，是有事业心的，但是男生可以拍拍屁股忙事业，女性即使事业成功却还要被人说哦，家庭呢（请见穿PRADA的恶魔中上司米兰达）。男生也需要孩子来装点一下他的家庭美满，但是，女性是被社会称为“天生的母性”，一旦不对，就好像异性恋鄙视同性恋一样，不可理喻。
而被社会定位为有事业的男性，可能也会有喜欢家庭生活的。却又被某些奇葩剩女定位为没有进取心。好像全世界男人只有男人，女人，没有人兽一样。
一个成年人，选择自己要的，承担它——理论
如果你不能，除非你好命，有人给你带孩子——现实
《时时刻刻》观后感(九)：一个我第一遍没有耐心看完，却在第二天认认真真重新看的电影
那天是在微信的一个公共号上看到了这个电影的推荐，关于电影本身的介绍还没有度娘百科详细，只是简单说了下三个不同时代的女人因为一本书和各自不同的生活而怎样怎样云云。
来豆瓣查了下评分，看上去还不错，反正闲着也没什么事，而且我对电影的爱好偏向叙事性电影或者文艺片之类的，所以就下载了看看。
起初看到劳拉准备自杀的时候就看不下去了，因为我的第一感觉是这个女人神经兮兮的，不知道要折腾什么，一会儿对儿子很和蔼，一会儿又对他凶，不就是要为丈夫准备生日蛋糕吗，不就是有个女人跑过来告诉她她要做手术活不久了吗，劳拉为什么要自杀呢，理解不了，第一个念头就是她很作。
后面跳着看了一会儿之后我就关了视频，没耐心看下去了。
晚上的时候自己坐在屋子里发呆。因为我也是个爱好写作的人，正在构思一个故事的新情节，想着想着脑袋里突然回忆起电影里一个片段，镜头扫过了清晨三个女人家里都摆放着的，不一样颜色的花束，都不是这三个女人自己布置的花。想起伍尔芙说，小说的开头第一句话她已经想好了，戴洛维夫人要自己去买花。
戴洛维夫人要自己去买花。
一个看似很平常的句子，却在轻轻地扣动着什么，我反反复复回忆这句话里包含的余味，突然觉得三个女人不同选择的开端，就从想要自己去买花这个意志之中铺展开来了。
花我要自己买，过什么样的生活我要自己去选择，别干涉我。
然而一开始略看了一遍这个电影的我大概知道这三个女人身上发生的事，却并不知晓其中隐含的内因。伍尔芙只是因为生病而选择死亡吗？劳拉只是因为作而离开家庭吗？选择离开的理查只是因为吃了兴奋剂吗？
于是我平心静气重新看这部电影。
我没那么高的观影水准，我只是从一些微小的细节看出了一些东西，并不全面。
以劳拉为例。她还是为丈夫做好了蛋糕办好了庆生仪式，但在饭桌前的她一直在控制自己的情绪，直到最后躲在洗漱间泪流满面。丈夫问她，你不上来吗？她说我马上来。丈夫说你明早去看看那个得了病的朋友，她说流着泪是我会去的。丈夫说来吧上床吧，她擦擦眼泪强颜欢笑说我这就来。丈夫说你来不来，她平静下来了，似乎是决定好以后要怎么做了，她说来了。
这样的生活会杀了她，所以最后她抛弃了家人。
猛然想起有时候电视剧里，生活中有一种人会成为我们的谈资，我们会说你看看他就是好日子过久了没事瞎折腾，有钱有房有车，有忠心踏实的丈夫有可爱的孩子，有人人羡慕嫉妒恨的工作，为什么还要放弃这种生活。
想必伍尔芙和劳拉的心里一定存在着一种压抑的愤怒，凭什么我要听你们的，凭什么你们认为这是对我好，凭什么我连自己选择买不买，买什么样的花的权利都没有。外面很危险可是我想走出去，外面不再有这么闲适安逸的生活可是我要走出去，我要成为一个我想成为的人，我不要活成众望所归的样子，我不要躲避真正的人生。哪怕因此受伤，哪怕因此遭到道德上的谴责，我也不能再这样下去。
关于克拉利萨我要说的不多，不过理查那句如果我离开你会不会生气确实触动到了我。克拉利萨的party因为理查的死而取消了，她准备了很多东西就这样被倒入垃圾桶，就像她爱了那么多年的理查，最终不再是她的精神支撑。想躲避孤独，所以想开一个热热闹闹的大party，想填补心里的空白，所以去爱一个人，把他放在心里面，为他买花，每天都去看看他。
可用怎样的柔情都不能让寂寞从内心深处剥离，怎样的逃避也不能不去面对生命中的时时刻刻，不管是忧愁还是欢喜。
害怕欢喜之后是伤心，害怕忧愁之后会走不出去。
但是总要面对。
最后借用电影中伍尔芙的一句话：
You cannot find peace by avoiding life.
(不经常写影评，写的不是很好，有不足之处还望多多担待）
《时时刻刻》观后感(十)：一曲女性主义的赞歌——《时时刻刻》
一个人能使自己成为自己，比什么都重要。——弗吉尼亚 伍尔芙
在我看来，得益于出色的剧本表达，高超的导演技巧以及优异的表演诠释，时时刻刻可以算作是2002年最好的电影了。在横扫了各大电影节和奥斯卡的重量级奖项后，电影也在挑剔的影评人口中赢得了不俗的口碑。弗吉尼亚 伍尔芙的达洛维夫人，迈克尔康宁汉的普利策奖获奖小说，梅里尔斯特里普，朱利安摩尔，尼克尔基德曼三位影后的迷人风范，菲利普格拉斯的脱俗配乐，当这些元素综合在一起后，人们可能以为导演史蒂芬戴德利想不成功都很难。但是，局部的杰出并不意味着整体的出色，对于导演来说，如果不能很好的将构成元素捏合为一个整体，那么这些犀利的闪光就可能反戈一击刺伤本应拥有的品质，不再使得光影的运转和流淌在局部的润滑下走向畅快和淡然，而仅仅沦为细节夺人眼球的平庸之作。
幸好史蒂芬戴德利没有被这种潜在的双刃剑阴影打垮，作为一个英格兰人，历史的渊源可以让他很好的体味弗吉尼亚 伍尔芙这位最伟大英国女性作家的人生经历，但是，作为一个男人，伍尔芙敏锐和细腻的心理起伏是如何进入到史蒂芬戴德利的创作意识中的呢？在这方面，作为电影创作蓝本的普利策奖获奖小说《hours》可以说提供了有益的支持。迈克尔康宁汉的小说以伍尔芙的的达洛维夫人作为蓝本，对小说中的人物进行了更富探索精神的演绎，这充分体现在小说对于时代背景的改写和拓展上，伍尔芙的达洛维夫人当然是以伍尔芙自身的感悟和创痛来激发灵感的，这不可避免的会铭刻上时代的独特印记。作为一部女性主义的小说，伍尔芙对于维多利亚时代女性角色的思索是十分准确的，但是，这种共时性的成功并不能保证女性题材内涵得到充分的挖掘，一种历时性的关于不同时代女性变化趋势的考察和记录就变得十分重要。在这方面，康宁汉的《hours》可谓是伍尔芙小说的面向时代进路的有益补充。
这样一来，伍尔芙的达洛维夫人，康宁汉的《hours》，戴德利的《时时刻刻》就构成了连接现实与虚幻，文字与影像的三重文本关系。而这其中，康宁汉的《hours》无疑是文本表达的核心和焦点。对于戴德利的《时时刻刻》来说，它基本上是如实的再现了小说《hours》的结构和内容，同时，隐伏在剧情脉络下的女性主题也获得了完整的继承。因此，《时时刻刻》相对于《hours》并不具有表达意义的革新和飞跃，而仅仅只存在着如何消弭的媒介隔阂，换句话说，如何将文字转变为影像才是戴德利考虑的要点。而康宁汉所面对的就更为棘手，如何处理《hours》与达洛维夫人的关系呢？伍尔芙的达洛维夫人夫人是一部自传色彩很浓的小说，小说中主人公的一个下午心理的漫游基本是伍尔芙自身的意识写照，而康宁汉敏锐的看到了这其中潜存的张力，他将伍尔芙的个人处境打造成20年代的达洛维夫人，同时充分利用伍尔芙小说中的人物，环境，剧情等诸多素材，打破20年代的叙事局限，将其拓展和延伸进50年代的历史空间和当代的正在上演中，创造了50年代的达洛维夫人和现在的达洛维夫人。同时，康宁汉并不满足于整齐划一的年代隔阂，而将叙事焦点不断地在各个年代间跳跃，并且唆使神秘灵感的启示和顿悟在时空的交替间来回穿行，就如小说的名字一样——hours——这样难以言传的历时性和共时性的奇妙结合，从而创造了颇具韵味的叙事艺术，而这也是电影能够成功的关键所在。
抛开一种结构上的特立独行，电影的主题表达其实是和这种三重的达洛维夫人息息相关。总的来说，戴德利女性主义的观点和陈述还是显而易见的，但是，女性主义这样单一的名词概括实际上破坏了女性关于自身的真实表达，如此语言学的便利不但没有驱散女性研究的层层迷雾，反而或多或少是对多元化活力的毒害。因此，时时刻刻在对女性主题的陈述和表现上引入了时代的观念——20年代，50年代，新世纪——探讨时代的标记是如何在女性的个人书写上留下淡淡的吻痕的，这种历时性的观点不但聚焦了女性在不同时代所遭受的不同压力，还进入到女性个体的内心，解析出不同历史情境下女性心理的变化和流动。同时，在这种纵观绵延的感性讨论和情绪表达后，时时刻刻还把握住女性在不同时代所面临的相同困局，激发出女性生存和体验永恒命题的敏感和叹息。
如此一来，伍尔芙的达洛维夫人就成为了二十年代女性的真实写照。书写——写作是一种权利，也是一种表达自身的方式。在一个男权社会里，语言亦即书写的权利实际上是男性彰显自我意识的有效方式，无法书写即表明无法发声，也就意味着在男性符号控制的空间里无法占得一席之地。因此，伍尔芙的写作其实是女性自我表达的个人书写在男性社会控制下的抗争，这当然是尼克尔基德曼所扮演的伍尔芙在早期女性主义呐喊中的先声。对于伍尔芙来说，她的写作成为了个人对抗社会，为女性争得应有权利的激昂乐章。但是，同性恋倾向，厌恶女性的传统角色，向往刺激多彩的生活，这些在成为伍尔芙女性书写的潜在意识素材后，也极大地毒害了她的个人生活，成功地将其世界分裂为极为对立的两部分——写作的世界和真实的世界。在以为女权一辩的写作犀利来融化真实社会图景的残酷时，伍尔芙遭受了来自两方面的压力，同为女性群体的不解（女仆的反应），至真至爱人的无言以对（丈夫的反应）。对于伍尔芙来说，她无法接受一种来自家庭生活的温暖而只能陷入一种写作的孤独中去，就像布朗肖所说：写作的孤独是彻底的孤独。这种反应是显而易见的：女性权力的辩护者，书写权利的迷恋人，她无法冷静看待绵延几千年的家庭生活对于女性的真实意义，长久的身份压迫已经使她心生厌恶而不能接受来自丈夫的关怀和爱。因此，女性的自我表达和角色抗争陷入了巨大地矫枉过正和自我矛盾，而这也是伍尔芙走向死亡的原因。
如果说伍尔芙的死亡是女性主义跨入无法和解的死区的话，那么朱利安摩尔所扮演的家庭主妇则是这种惨淡阴影的五十年代版本。通过阅读伍尔芙的达洛维夫人，朱利安摩尔产生了对于自身家庭主妇角色的深刻怀疑，而这在战争后普遍的精神虚无中得到了强化，相对于伍尔芙的二十年代，女性在社会交往和家庭生活中的地位已经有了很大的改善，而这一切都在这位家庭主妇的生活场景中得到了体现，但是，在一种外在的法律歧视和压迫倒台以后，某种积极的道德驱动力却取得了前所未有的强化。女性虽然获得了表面的平等地位，但是一种论调却产生了，家庭主妇，生儿育女，传统道德，如此的倡导和宣扬促成了女性形象的再次塑造。影片中朱利安摩尔在女性意识觉醒后对家庭生活产生了极大地厌恶，而这些迅速波及到对于孩子的态度上，同时，回应于一种结构上的完整，朱利安摩尔的同性恋倾向也是显而易见的。在这样的多重压力之下，朱利安摩尔想到了达洛维夫人式的死亡，但是，经过巨大的思想斗争后，主妇选择了逃避。从尼克尔基德曼的死亡到朱利安摩尔的逃避，情势的变化已经使抗争外在的爆裂姿态减弱了不少，家庭生活也不再只是曾经的肮脏靶子而遭到一边倒的诟病，女性开始重新思考家庭生活和公共交往，女性角色和自我实现的界限和意义。如果说伍尔芙的自杀是彻底的拒绝的话，那么家庭主妇的逃离则是犹豫不定的难以抉择，
当进入到新的世纪，梅里尔斯特里普所扮演的女同性恋无疑标志着伍尔芙和家庭主妇梦寐以求社会图景的实现。但是，艾德哈里斯所扮演的艾滋病作家却是梅里尔斯特里普的痛苦之源，她疯狂的迷恋他的写作，而这种迷恋也意味着一种书写和发声的极大愿望。虽然由于一种普遍平等和多元价值的实现，书写的力量和形象已经虚弱不堪了（艾德哈里斯的艾滋病），但是，梅里尔斯特里普对其的迷恋却因源于这样一个事实，而这在电影中有突出的体现。即使贵为女同性恋这样一种女性自我表达的自由极致，两个人的家庭生活还是存在着某种微妙的不平衡和冲突。梅里尔斯特里普和其恋人一直处于难以解决的沟通不畅，如此说来，从尼克尔基德曼的伍尔芙到朱利安摩尔的家庭主妇再到梅里尔斯特里普的女同性恋者，女性角色的困境已经从政治地位转向家庭角色直至个人情感了，而这意味着一种宏大的历史救赎和解脱已经逐渐失去了主导意义，而针对当下女性角色的则是散布在社会细节中的情感迷茫和困顿。当艾德哈里斯的死亡以及老年朱利安摩尔赎罪似的告白到来时，这表明，书写（抗争）已经不再是女性处理现实困局的密咒了，结尾女同性恋者间的接吻和和解道明了一切，当女性群体的集体抗争变为个体生命的诗意表达时，爱和宽容成为了女性也可以说是人类面向生命的真实声音。