艺术史的历史读后感精选
《艺术史的历史》是一本由(美)温尼·海德·米奈著作，上海人民出版社出版的平装图书，本书定价：25.00，页数：281，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。
《艺术史的历史》精选点评：
●本书的组织结构似乎有些问题。从学科的角度上看，批评理论和艺术史不全是一回事，但作者似乎在行文过程中没有做细致的区分；从艺术史本身来看，既然是“艺术史的历史”，那么组织一本艺术史著作的写作方案应该是非常必要的一个议题，但本书却几乎没有涉及它，以至于读者很难搞清楚这本书的写作目的是对艺术理论进行梳理，还是介绍艺术史的历史。
●与其说女性主义作为艺术史研究方法，不如将其上升到“专题研究”的维度，与之平行的也是独立于艺术之外的切入点，因其在艺术作品中有所指涉才进行的研究，艺术是退居第二的位置。（但是，是我要隔离的一部分）
●内容较单薄，主题脉络缺乏新意
●| J110.9/9949-1
●建立一个大框架 自认为最后两章写得较为精彩
●个人还蛮喜欢的！
●艺术史理论简明介绍，后面几章数次提到哈罗德·布鲁姆“影响的焦虑”～以及翻译确实有一些问题和错误，扣分……
●全面 生动 喜欢
●短小精悍，学术不够用。
●书很好 翻译有点问题，很多地方没有采用通用译名，并且也有一些地急促错误。
《艺术史的历史》读后感(一)：阅读、观看、理解、享受
当然，在艺术作品已经泛滥的时下，阅读历史似乎就不合时宜。但我执拗地以为，不关注历史，哪怕是现在，也是匮乏和困难的。谁能回避转瞬即逝带来的紧张呢？或者，一经注视，无论什么，那一瞬已成过去：描述历史的困境在于时间本身，而非其他，历史，只是时间的些微脚注罢了。一本关于艺术史的历史，当然也面临这样一种问题：我们要对时间的流逝做哪些注解？当然是我们，我们理解的艺术。所以，作者开始便说：
“……往往我们在课上听到的是几乎相同的东西：老师们在描述艺术作品而不是在分析它们。……他们是以放弃其他的方法论和批评形式为代价来强调‘欣赏’这一概念的。……而艺术史，我们认为，是关于‘欣赏’的，尽管我们并未完全明白‘欣赏’的意思。‘欣赏’似乎是由专家和精于艺术指导的人所发展出来的某种技能。 而要发展这种技能，就需要一定的词汇。学生们竭尽全力模仿他们的老师和教科书，但结果总是令人气馁。……归根结底，最终是我们这些专业人员应该为那些过于奇怪、不必要的夸张、过分的礼貌和有时琐碎的语言负责。我想我们的问题是出在我们对于艺术史这门学科的目的、本质、源起和设想等尚不清楚。……人文学科不光是研究彼此分散的艺术和文学作品，它还将这些作品与过程联系在一起来关注，即人们如何阅读，如何观看，如何理解和如何享受艺术。……”
一旦我们沉湎于诸如“优雅”，“协调”、“平衡”、“灵动”等词汇朦胧且不确切地混乱时，我们便陷于历史铺陈的漩涡不能自拔。这倒是事实。尤其当我们努力想要具备某种描述艺术品的能力时，历史开始变得具体：到底是什么使艺术品成为可研究的对象？难道历史仅只是一些文字么？！
《艺术史的历史》读后感(二)：普罗大众的艺术史
创造或研究艺术需要个人的敏感性——是于我们做的任何其他事情都不同的。
——里格尔
欧洲传统美术史研究以绘画和雕塑为大宗，19世纪末至20世纪中占主导地位的形式主义派深受进化论结实模式的影响，把艺术形式本身的发展演变，以及艺术家对美和完善的追求作为研究和说明的主要对象。但是这种学术取向在近二三十年来受到新一代美术史家的不断批评，而最有力的挑战则是来自美术史学史，即对美术史自身发展过程的审视。
—— 巫鸿《美术史十议》
这本书之于一个未正统接受过学院派艺术史教育并也未真正涉足艺术史的业余爱好者来说就如同是文学名著精缩之于文学入门者一般。之所以这样说是因为从某种程度上看来两者作用都是以较为概括和提纲挈领的方法为读者罗列出其较为常识性的部分。虽然米奈撰写此书的目的并非是里格尔所言的创造或研究，但如果只把这本著作界定为一本关于艺术史的历史的条目索引、快速翻阅性读物的话，那就有可能对一种明显的谨慎口吻和保守态度，它的主要性质是稳健而不是大胆和才华横溢的言语不以为然。但也正是基于这样的写作手法使第一次接触艺术史的读者产生出一种与书之间平等的阅读心理，取代了那种阅读之前便慕名仰望的无自觉的膜拜心理。我猜测此书也许并不能满足对于艺术史已有一定深度认识的读者。如果说敏感是一种与生俱来且罕有的能力那么大部分人还可以通过米奈平实的语言来消除些许隐藏在初涉艺术史的读者心中对其神秘感的窘迫。阅读此书的另一个动机便是能通过米奈夹叙夹议的行文从门外窥一眼如今艺术史论研究大国的大学普世教育。对于米奈在文中提及的一些教学上的两难境地时，我这个仿佛是立于教室墙外窗台下的听课者虽不能说有感同身受的启发但也可借此开阔对这门学科的认识疆域。
《艺术史的历史》读后感(三)：读《艺术史的历史》
《艺术史的历史》的作者是【美】温尼·海德·米奈 ，对我而言，阅读这本书的意义在于对艺术史这门学科有了一个基本的了解。
本书涉及到三个方面的内容：即：一、艺术史从中世纪到现代的学科发展史，二、从柏拉图到18世纪的艺术理论的发展 ，三、从温克尔曼到后现代主义时期的各种艺术史的方法论。限于篇幅，作者对每一部分的知识给出了一个相对梗概的介绍。在如何欣赏，如何解读艺术作品的问题上，作者应用方法论进行具体阐释的实例比较少。因而能够真正明确的方法论实际上来说、是极为有限的，故，我的认识多数都是停留在对于一些自认为精到的只言片语的感触上，难以获得宏观上的把握和理解，当然，这有待于进一步的阅读。除此之外，还有一点需要说明，本书存在着较为明显的翻译错误（例如：将库布里克的电影《2001：太空漫游》译成“库布里克于2001年拍摄的电影《空间<奥德赛>》”）并且由于分工翻译，造成了文体风格不统一。这都在某种程度上加重了读者的阅读障碍。
以下谈一下我的一些收获。
一、艺术史是关于欣赏的
艺术史是关于欣赏的，而如何欣赏需要明确艺术发展的整个历史。这是作者在开篇时提出的创作目的。“往往我们在课上听到的是几乎相同的东西：老师们在描述艺术作品而不是在分析它们。……他们是以放弃其他的方法论和批评形式为代价来强调‘欣赏’这一概念的。……而艺术史，我们认为，是关于‘欣赏’的。”
并且，这种欣赏并不是建立在学生对老师和教科书的极力模仿之上，也更要避免对那些专业人员使用的过于奇怪、不必要的夸张、过分的礼貌和有时琐碎的语言的过度思考。
我们需要的不光是研究彼此分散的艺术和文学作品，应该将这些作品与过程联系在一起来关注，即人们如何阅读，如何观看，如何理解和如何享受艺术的。
二、如何欣赏
除过作者列举的一般性理论，和常用于风格形式判断的方法论外。限于篇幅，作者在分析时所举的欣赏艺术品的实例并不是很多，给我映像最深的是作者对于马萨乔的《纳税钱》，和扬·凡·爱克的《阿尔诺夫妇像》的分析。作者从画作的创作背景入手，讲到了构图，透视，符号含义，由图画档案资料揭示了人物的身份地位，以及在画作创作的年代普通观赏者的一般心理。我们都知道，中国画注重线条的使用，西洋画注重光的应用，在这里作者着重讲了透视，作者是如何运用透视来凸显整幅构图的中心或者说是焦点的。以《纳税钱》为例，作者以建筑物来承担人为构造时空的作用，所有的建筑物好像是在那些平行线所覆盖的空间里“后退缩小”，如果这种后退在建筑物的尽头仍在继续的话，那些光线则差不多刚好是汇聚在耶稣的头部的位置。
除此之外，在西方传统中绘画主题有等级划分，即按照日常生活--肖像---古代、当代历史场景--圣事主题进行由低到高的等级划分，并且由于创作的不断深入，主题之间存在着相互交叉的现象，这种象征意味有时候表现的不太明显，但一旦解构就能获得一种非凡的体验，用符号学来解构《阿尔诺夫妇像》就能得到一种非凡的体验，即从平凡中看到神圣的意味。这在书中有详细的描述，不再列出。
在下一步，我想更多的阅读关于艺术作品赏析的经典案例，对于本书索引式的介绍艺术史学科常用的理论和方法论，有了一些科普式的了解，这是好的一方面，但未能转化为自己在观察相关作品时行之有效的方式，或者说是手段。
在书中，有一段引述亚里士多德在其《诗学》第六章中说到的文字，“在审美当中，即使我们把自己和艺术品等同起来，我们也能意识到我们之间的距离，我们是安全的，我们不会被对象所毁灭，这会导致一种令人愉悦的能量的释放，所以强烈的情感的疏泄不只是对道德上的引导，而是一种净化。它几乎是治疗性的，身体和灵魂都得到释放并以某种方式变得澄净。”
不得不说，达到“身体和灵魂上的澄静”正是我所期盼的在审美过程中最美好的体验，而这种美好的期盼会指引着我不断向前，深入探索。
《艺术史的历史》读后感(四)：世界艺术史上几位得到自觉的灵
列奥纳多·达·芬奇(Leonardoda Vinci，1452—1519），意大利文艺复兴时期最负盛名的艺术大师、科学家、人文主义者。达芬奇是一位画家、雕塑家、解剖学家、城市规划学家、建筑家、工程师、水力工程师、学者……。莱奥纳多·达·芬奇拥有所有才华。生于佛罗伦萨郊外一个小镇的达·芬奇，14岁进入佛罗伦萨著名的委罗基奥作坊学艺，在这里列奥纳多获得了许多知识并接受了绘画的基础训练，在学徒时期与老师合作《基督受洗》，出自他手的小天使的技巧已经超越了老师所画的基督形象，列奥纳多的才智初步显示了出来。70年代绘画风格逐渐成熟，30岁时离开佛罗伦萨来到米兰，1482—1499年在米兰期间创作了《博士来拜》（未完成）、《岩问圣母》、《最后的晚餐》等代表作，同时也从事了一些科学研究，他研究领域的广泛和成就是令人惊叹的。1500年从曼陀拉到威尼斯再回到佛罗伦萨，随后完成了不朽名作《蒙娜丽莎》。1506年再次去米兰，1513年移居罗马，1516年又到法国，可见列奥纳多的晚年是在不停的奔走与迁徙中度过的，最后于1519年死于法国。这位伟大的人物今天被安葬在昂布瓦斯城堡（chateau d’Amboise）的圣·于贝尔小教堂内（Saint-Hubert）。
米开朗基罗·博那罗蒂（Michelangelo Buonarroti，1475年3月6日－1564年2月18日），意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔和达·芬奇并称为美术三杰。米开朗基罗作为文艺复兴的巨匠，以他超越时空的宏伟大作，在生前和后世都造成了无与伦比的巨大影响。他和达芬奇一样多才多艺，兼雕刻家、画家、建筑家和诗人于一身。他得天独厚活到89岁，超越了古稀之年，度过了70余年的艺术生涯，他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。
拉斐尔(1483—1520年)是意大利杰出的画家，和达芬奇、米开朗琪罗并称文艺复兴时期艺坛三杰。他的作品博采众家之长，形成了自己独特的风格，代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。拉斐尔创作了大量的圣母像，显露出其非凡的天才。他的一系列圣母画像，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。其中，代表作有《圣母的婚礼》、《带金莺的圣母》、《草地上的圣母》、《花园中的圣母》、《西斯廷圣母》、《福利尼奥的圣母》、《椅中圣母》、《阿尔巴圣母》等。
伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（Rembrandt Harmenszoon van Rijn,1606 - 1669）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。伦勃朗无疑是影响欧洲乃至世界绘画发展的最重要的大师之一，无论是他的油画、蚀刻画还是素描，都堪称世界艺术宝库的珍品。伦勃朗在绘画史——不独是荷兰的而是全欧的绘画史上所占的地位，是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的。他所代表的是北欧的民族性与民族天才。造成伦勃朗的伟大的面目的，是表现他的特殊心魂的一种特殊技术。明暗法，这名词，一经用来谈到这位画家时，便具有一种特别的意义。换言之，伦勃朗的明暗和文艺复兴期意大利作家的明暗是有着截然不同的意义的。法国十九世纪画家兼批评家形容他为“夜光虫”，又有人说他以黑暗来绘成光明。他的作品在他在世时即享有盛名，几乎当时所有重要的荷兰画家都出自他的门下。伦勃朗的顶峰之作当属肖像画包括自画像以及取自圣经内容的绘画。他的一系列自画像如同一部独一无二的自传，画家的自我审视真诚而不矫饰。在油画和版画创作中，伦勃朗展现了他对古典意象的完美把握，同时加入了他自身的经验和观察。比如圣经场景的绘画中，同时体现了他对圣经文本的理解，对古典构图的运用，以及他对阿姆斯特丹犹太族群的观察。正由于这种感同身受的力量，他被称为“文明的先知”。
埃尔·格列柯，作为中世纪西班牙的伟大画家而广为人知，他是西班牙绘画的开创者，是文艺复兴时期著名的幻想风格主义画家。格列柯是希腊文化的代表人物，也是欧洲共同遗产的精神典范。这位被誉为西班牙画圣的画家，他独特的画风，人体异常修长的比例、强烈的短缩法、火焰般的律动感及不断试验他那个时代无人胆敢采用的色彩，他的作品风格在16世纪时非常富有现代感，也同时受到贵族和平民喜爱。今天格列柯仍是西班牙绘画史上备受礼赞巨匠。埃尔·格尔·格列柯是一位肖像画家，他特别擅长宗教画，并为托莱多以及其它地方的教堂创作了众多的祭坛画。格列柯去世后，他的名声随之衰落，作品也被认为是“荒唐无聊不值一提”而遭到冷落。进入到19世纪后，他独特而充满魅力的绘画风格，在美术史上终于得到了广泛认可。他的作品构图奇特，布局多呈幻想结构，用色大胆，新奇，呈现出梦幻般的奇特效果。
画家、雕刻家、诗人威廉·布莱克（WilliamBlake，1757-1827）用自己发明的方法，把写的诗和画的插图刻在铜板上，然后用这种铜板印成书页，再给它们涂色。布莱克这位与莎士比亚同时代的伟大诗人，为后世留下了无数美丽而深刻的诗篇。他也是一位极其出色的大画家，堪称英国画坛最具有创造力的天才人物之一。布莱克大部分的绘画作品都是蚀刻版画，他自己也创作了一种独特的方式———把写的诗和画的插图刻在铜板上，然后用这种铜板印成书页，再进行上色。在艺术创作方面，这位极有个性的诗人也始终坚持用水彩和蛋彩，而不是长期以来在艺术中占权威地位的媒介———油画。在西方美术史上，无数名家们画了无数圣经题材的作品。但只有威廉·布莱克将其作为自己表现梦幻的手段，用的是完全个人化的视角。“所有的形式都在诗意的构想中完美，但这不是抽象，也不是来自自然，而是来自想像。”他说，“思想从不在天堂中遨游的人不是艺术家”；“难道绘画仅限于单调乏味地摹写真实，仅仅表现濒死和死亡的对象，不是像诗与音乐那样有它自己的创造与梦幻？不！不是那样！绘画也像诗与音乐一样，在不朽的思想中存在与狂喜。”布莱克完成了圣经《约伯之书》的水彩插图，1820年又开始了工程浩大的《神曲》插图，这组插图共有102幅，直到他去世前的一年才完成。继著名的泰特美术馆之后，英国国家肖像馆也高价收藏了他10幅肖像画作，这一举动被西方各大艺术媒体广泛报道，并纷纷预言：“威廉·布莱克热潮”将渐渐升温。威廉·布莱克的艺术影响力却随着时间流逝而不断增长、发酵。他影响了后来不计其数的作家、诗人和画家，他的作品也不断地出现在现当代的文化生活中。威廉·布莱克的艺术超出了十八世纪末的历史画的范畴，他的艺术仍远远未完全被人理解，然而这位天才诗人画家却给世人留下了许多不朽的作品，现在早已成了艺术上的瑰宝。。这一直要到十九世纪以后，布莱克的天才和难得的成就，才渐渐的被真正爱好艺术人士所看重。时至今日，威廉·布莱克的画和诗会令许多现代人深深地感到震撼。
巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso , 1881-1973 )，西班牙画家、雕塑家。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产画家。据统计，他的作品总计近 37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。毕加索自幼喜好艺术。当时流行的各种艺术流派，诸如象征主义、批判现实主义、印象主义、自然主义、唯美主义等对他都有吸引力。毕加索的作品，无论质还是量，都是惊人的，约达六万件之数。这位天才横溢的艺术家“在极其漫长的创作活动的每一刻，似乎想做的都让他准确无误地作到了。
毕加索是一位真正的天才。20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。