《写给大家的中国美术史【全彩精装】》读后感10篇

　　《写给大家的中国美术史【全彩精装】》是一本由蒋勋著作，生活·读书·新知三联书店出版的精装图书，本书定价：88.00，页数：328，文章吧小编精心整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。

　　《写给大家的中国美术史【全彩精装】》读后感(一)：一些笔记

　　1.从原始社会到春秋战国：绘画最早是象形文字。随着先民生活、情绪变得复杂，文字和绘画分开。绘画用于记录简单的真实生活。 2.从东西两汉到西晋：毛笔确立为书写绘画共同工具。这导致绘画重视线条变化不重视色彩变化。 3.从南北朝到唐代：宫廷画师是主流创作者。他们记录各种皇家活动，设计宫廷建筑和各种用品。另外，宫廷画师使山水画这一分类专门独立出来。 4.从五代、两宋到元：山水画巅峰。五代发明了“皴”技法。两宋受“格物”思想影响，研究自然山水岩石的细微变化。元代政治失望，归隐山林，追求自然随意的精神表达。 5.明清：商业繁荣，有人买画。画家独立，不依赖皇家。画家投入市井，画市井人物民间生活。 6.文人画：画家是文人，颜料使用水墨，题材主要是山水。因毛笔是绘画工具，从而画家多是文人。因文人读诗，诗画不分，甚至诗为主画为辅。 7.又因文人倨傲，不画宫廷画山水，不画帝王画市井。当文人政治失意，绘画便是情感表达处。 8.北魏时的敦煌壁画，以印度佛教故事为主，单纯模仿印度画。西魏时，大量中国元素融入。 9.隋唐时期，印度佛教画经过中国人自己的解读，变成中国式佛教画。所谓的净土，变成中国人日常幸福快乐的展望。

　　《写给大家的中国美术史【全彩精装】》读后感(二)：慢慢走，欣赏中国美术史

　　阿尔卑斯山谷有一条大公路，两旁景物极美，谷口路旁有一条标语：“慢慢走，欣赏啊！”朱光潜先生在《谈美》最后一章以此点题。在这车水马龙的世界上生活，我们需要适时地慢下来，流连身边的风景。有一种风景，叫做“中国美术”。如果把中国美术史比作一趟旅程，我们都是游客，那么，你会让谁来做导游呢？这个人，我选择蒋勋。

　　席慕蓉曾如此评价：“蒋勋是我们这个时代踏入艺术门槛的最佳引路人。他为我们开启的，不只是心中的一扇门窗，而是文化与历史长河中所有的悲喜真相。时光终将流逝，然而，美的记忆长存。”是否最佳或需商榷，蒋勋在艺术引路上的付出，的确是大众目睹而公认的。首先是因为他的学识。蒋勋年轻时负笈法国巴黎大学艺术研究所，后长期担任台湾《雄狮美术》月刊主编、东海大学美术系主任，著有《给年轻艺术家的信》、《美的沉思》等多部艺术专论。其次是因为他的风格。旅游既为了开阔眼界，也是为了得到愉悦放松的享受。蒋勋的讲解亲切平易，闻之如沐春风，贴近像我这般“到此一游”者的心理需求，何况他不是旅行社的匆促安排，更像是好客的主人周到地展现地主之谊。

　　这一部《写给大家的中国美术史》，正是扣准了“大家”的定位，专业学人或许批它简浅，但它的普及之功却是晦涩的学术著作不可媲美的。

　　踏上旅途。从哪里启程呢？得从遥远的记忆漫漶的时代开始。开篇先讲一个美丽的字——旦。拂晓时分，晨曦渐露，某个初民站在高岗上，遥望一轮红日从地平线上冉冉升起，那是美对心灵的最初冲击，他用草茎画下了一个圆圈，紧接着在底下画了一条横线。后来又有了许许多多类似的情况。现在的人把它们统称为“象形文字”。中国人常说“书画同源”；也就是说：文字和图画原来是同一样东西。这样的理念，就是中国美术的源起，所以中国美术相比西洋美术更注重线条和形象，更强调妙悟和直觉。

　　溯流而下。蒋勋从上古、春秋战国、汉魏唐宋元明清，一直到民国初年，彩陶、铜器、壁画、漆器、书法、绘画，一路徐徐展开的曼妙画卷，这是可以贯穿中国美术断代的记事，也是蒋勋将源远流长的美的讯息传达给公众的一点努力。其中绘画是论述的重点，分成宗教画、宫廷画、动物画、人物画、山水画、文人画等类型，一一分讲其中的代表作，这既让读者按照连续的时间序列形成较完整的系统认识，又正如导游时不时停下来侃典故、说玄机，配合三联书店的这个全彩精装版，文图对照、细品渐悟，何谓美？美如何产生？这些沉默的事实所内涵的传承的经验、悠久的文化，就这样悄悄沁透心灵，在每一丝悸动中牵连我们的血脉，从远古、从每个朝代，向我们迎面而来。

　　以山水画为例。唐代的山水画被称为“青绿山水”或“金碧山水”，如《明皇幸蜀图》，即使处于人马纷乱的困窘，用色仍然是浓艳的青绿，甚至加入了金色来营造华丽的效果；五代时，荆浩的《匡庐图》则呈现了分裂局面下绘画的新风貌，使用皴笔细细描摹崇山峻岭的纹理；北宋的范宽、燕文贵，都喜欢画高大的山峰，南宋的画家则喜欢画河流、画水，画很秀气的山，比如马远的《水图卷》波纹潋滟，画面留有大片空白；元朝四大画家，以黄公望的《富春山居图》为代表，追求安宁和静谧；明清的山水画，如八大山人，则是一派枯木怪石、荒村野草的场景。

　　研究中国艺术的英国学者苏立文说：“一个画家所能做的就是解放他们的‘思念’，让这种思念在宇宙无限的空间里自由地漂游，即使是他们的山水画也不是最后的叙述，它不是一个终点的目标，相反，这是一个开端。”随着蒋勋有条不紊、层层推移的叙述，我们跨越时空，心有灵犀，那些隐秘的审美方式，寂然屹立在理性的正史记载之侧，却不知不觉地将彼时彼刻最深切的“思念”披露于后人的眼前。 我们方能晓悟，为什么说中国美学是一种生命哲学。唯有慢慢走，我们才能像欣赏艺术一样欣赏世界和人生。

　　请勿随意转载，豆邮联系本人。

　　既然是图文书，图片还是很重要的。内页如图，摄影渣可能拍得模糊，仅供参考：

　　《写给大家的中国美术史【全彩精装】》读后感(三)：略感失望的书

　　买这本书纯属是因为看过蒋勋的《写给大家的西方美术史》，同时也是因为蒋勋的名头，可是这本书让我略感失望。

　　这本书的语言是小学生写的吧，你觉得是不是，可能在写这本书时作者正在照顾小孩子罢。整本书几乎都是上一句的这种语言，实在受不了。

　　这本书的排版可不怎么样，出版社肯定一点都没用心，在用文字描述一幅画时，对应的该画的图片却在1，2页之后，没法一边看画一边看描述

　　书的内容还是很丰富的，以中国朝代为界限，介绍了每个朝代的代表性的作品，并介绍了各个朝代的一些特点，美中不足的是艺术的划分不是以绘画风格为基础，而是以朝代为基础

　　总体来说，算是一本好书，可以拿来读读

　　《写给大家的中国美术史【全彩精装】》读后感(四)：由神到人的跌落

　　——读《写给大家的中国美术史》有感 认识蒋勋是因为喜马拉雅。他的声音是唯美的、是治愈型的。因此买了他很多的书，比如，《美的沉思》《吴哥之美》《舍得舍不得》《写给大家的中国美术史》《写给大家的西方美术史》《蒋勋破解达芬奇之美》《蒋勋破解凡高之美》等等。

　　最先读的是《美的沉思》。坦率地讲，看他的书远不如听他的音频来得有趣。可能是自己的学识比较浅薄，《美的沉思》并不吸引我，反而觉得有些枯燥无味，以致于将其他的书也一并束之高阁。

　　因为李泽厚《美的历程》讲中国佛教文化的发展时谈到，菩萨塑像面部表情随时代的不同而有很大的区别，但我左看右看（可能是观察不细致，也可能是对细微差别敏感度不高），并没有发现什么大的不同。因此买了一本《中国佛像历史》来看。这是梁思成先生所写的书，配了很多插图，尽管文字上有些东西我不太理解，但幸好有图像，还勉强能够理解一些。

　　偶然间在书架上发现了《写给大家的中国美术史》，抽取出来，打算看看以弥补知识上的空缺。结果书一到手就放不下了，这是一本通俗易懂、适合普通大众阅读的书。即使对中国的历史不够了解，对美术专业知识一无所知，仍然能够愉快地阅读下去。

　　在序言中，蒋勋先生写道“所谓传统就是活着的文化，不但活着，而且不能只活在学者专家身上，必须活在众人百姓之中”“ 传统的介绍，不只是考证复古，而是要启发现代人的生活，使现代人生活的更活泼、更圆满，而不是更窒息僵化，不是用传统压死下一代活泼的生命”。

　　对蒋勋先生的观点深以为然，实际上，对普通人来说，只要能从阅读中体会到美、感受到美，并进而对自己的生活有所改变，那这本书就是功德无量的，反之，如果过于的艰深，作品就容易被束之高阁，就像开在幽谷中的芝兰，只有孤芳自赏。王阳明在论述自己的心学时，就曾经谈到“你未看此花时，此花与汝同归于寂；你来看此花时，则此花颜色一时明白起来”。对于书籍来说，只有越普及，才越能发挥作用。如同《圣经》，如果只为教会所有，并只有牧师能解释，而不是任何一个基督教徒都有权阅读《圣经》和理解《圣经》，那么，人们无法“直接与上帝对话”，马丁.路德运动肯定无法兴起，自然也不会有文艺复兴，更不会有欧洲经济社会的快速发展。

　　为了实现自己的初衷，也为了达到永不停止的对美的信仰，蒋勋先生开始写作这本通俗易懂的书，并且在写作的时候把他的干女儿作为叙述的对象，作为这本书的顾问。正因为有孩子的参与，所以那些陶罐、青铜器、壁画、雕塑，以及美丽的画作，就变得不再遥远，而在我们面前徐徐展开，娓娓道来，讲述着他们那个时代经济、社会、人们的生活状态、精神面貌，以及人们内心深深的渴望和追求。

　　通看全书感受最深的是，中国的美术史反映了一个从神到人不断跌落的过程，也可以说是人的自我不断觉醒的过程。

　　远古黑陶青铜器上的饕餮纹、人头蛇身、人头鸟身，以及一个动物长着八个头等千奇百怪的雕刻，塑像，壁画。无不反映着人类对自然的了解是有限的，也透视着人类对自然发自内心的敬畏，先人们觉得在冥冥之中应该有一个神的力量在决定着整个世界。因此，这个时期的作品，多数是充满了瑰丽的想象，甚至于龇牙咧嘴，凶恶异常，让人从内心感到害怕。

　　南北朝时期，佛教从印度沿着丝绸之路传来，而这个时期恰恰是中国历史上最为动荡不安的一个年代，人们对生活充满了惶恐、无助，朝不保夕，生灵涂炭的生活让大家急需心灵的安顿。佛教恰恰在这个时候提供了这样的帮助，因此，从敦煌到麦积山，从庙堂到民间，佛教就这样蓬蓬勃勃的枝蔓开来。

　　唐代，国力强盛，开疆拓土。政治画并应运而生。比如阎立本的步辇图、历代帝王画像、帝王群臣图等等。就算是描绘女性的画作，也是宫廷中的侍女，比如张萱的虢国夫人游春图，周舫的簪花仕女图等等。

　　到了宋代，城市经济发展起来，人群开始聚集，清明上河图便应运而生。普通百姓的生活得以在绘画中展现。进入明清时期，市民绘画逐渐兴起，就连衣衫破烂，面目丑怪的乞丐也进入到了画家的视野。特别是随着雕版印刷技术的发展，戏曲的传播，类似于现代“海报”类的作品也出现了，那些高高在上神怪自然不再流行，即使有鬼怪故事，也具有了人的生气和灵气。

　　《写给大家的中国美术史【全彩精装】》读后感(五)：涤荡眼和心

　　真的美，中国画。

　　我是彻彻底底的下里巴门外汉，本着膜拜圣典的心情来学习入门知识，真的被触动，眼睛和心灵都被涤荡得干干净净。不仅是对中国画本身觉得好美，还对中国艺术的发展演变过程很感慨，不是矫情，真的看到一幅幅的画觉得内心充满感动。

　　这本书比之前看的写给大家的西方美术史要更精彩更细致，我觉得是蒋勋老师本身对中国美术有着更深厚的感情。言语中的“吗”“呢”各种语气助词，很像一个老师在和小孩子讲授基础知识，又怕孩子没懂，要一直用听着能接受的方式来沟通——这大概有修养接受台湾教育的男人的性格体现哈。

　　从商周青铜器上的刻纹我就已经觉得很厉害，工整对称完全看不出那是在文明初端的作品。

　　春蚕吐丝的顾恺之是中国第一个有名字的画家。女史箴图、洛神赋图、列女传图都有非常高的技艺水平。

　　敦煌壁画可以特别清晰地看出中国绘画的演变过程。从充满了印度内容和风格的佛教故事，到中西方风格的碰撞共存，到唐代典型的近似真人的菩萨像，中国文化同化异域文明的强大能力有了直接体现。

　　阎立本是唐朝的宫廷画家，历代帝王图和步辇图显示了王者皇者的尊贵。吴道子是因为在民间作画有名而被召进宫的，他的天王送子图和之前的宫廷画师风格有区别。张萱的虢国夫人游春图、捣练图和周昉的簪花仕女图都非常精致。唐代仕女像很多，和日本女性的传统妆面服饰非常近似，其实这是因为日本当年将唐朝文化学了回去并且一直保持了下来。

　　韩幹给李世民画马的。刚看见牧马图册中几个大字写着“韩幹真迹”觉得非常有趣，而且显然是瘦金体，可这不是唐朝的画么？后来介绍果然是宋徽宗的题字，文人皇帝当然要把前朝的好东西收藏好。

　　韩滉五牛图生动细腻，充满意趣。

　　唐朝墓室壁画中介绍的墓葬还真都去过，可惜地方促狭人又多，自己艺术修养又不够，根本没有仔细看，遗憾啊。

　　唐朝的山水画是青绿山水，明艳美丽，这是当时大唐盛世的底气。

　　五代开始，山水画进入新阶段。荆浩、关仝、董源和巨然引领中国画进入新时期，皴的用法开始普及和发展。

　　慢慢地，人物在中国画中越来越少，宋朝文人画开始占据主流，大江大河山水田园成为画的主题。

　　水墨山水也替代了青绿山水，文人更喜欢用墨的深浅来体现层次和色彩的变化。名家名作太多，没法一一列举，风格又各有不同，真是各有各的精彩，让人看不过来移不开眼。

　　赵孟頫字写得不必说了，原来画竟如此精彩，鹊华秋色图和水村图又分别有设色和水墨的不同美。

　　留白是中国画特别哲学的部分，而王蒙这样满篇布局的却打破这个规矩，画出另一种充盈美。

　　黄公望的富春山居图充分说明了中国画的又一特色，不光是画作本身，作者本身，画的流转经历也是画作价值的重要部分，所以除了题诗和画以外，印章也是中国画的重要组成部分。

　　明朝随着市井生活的丰富，画里内容也从景到人。文徵明七十九岁的古木寒泉图真是苍劲有力。唐寅的诗亦是妙极“醉舞狂歌五十年，花中行乐月中眠。曼劳海内传名字，谁信腰间没酒钱。”

　　徐渭一生桀骜不驯，继承了宋代梁楷的泼墨画法并更加极致。杀妻入狱等经历竟让人想起张灵甫来。

　　明末之后，很多文人失望至极，选择出家，但依然成为留名青史的画家。八大山人就是朱耷啊，画中动物有人的眼神。

　　清朝开始西方画法传入中国，中国的人像画开始用光影、体积、距离来体现真实。不过虽然之前的古画没那么严格的透视法，却自有意境美。

　　郎世宁是中西结合的大家，八骏图前景部分很像油画的写实，远处柳枝、芦苇又满是水墨感觉。

　　民初齐白石把生活中的小鱼小虾画得惟妙惟肖，画里有了更多的生气和乐趣。他的画也是越老越好，不但不萎弱，反而更有生气和自由。

　　徐悲鸿在国外接受了严格的专业教育，也有田横五百士和奚我后这样的油画大画，但他后来又回归中国画法，两相融合深入吸收后的九方皋等更加完美。

　　一点小的遗憾是书中没有介绍宋徽宗的画，也没有王希孟的千里江山图，再找其他材料学习吧。

　　各个博物馆的书画馆藏，还有好多机会可以欣赏，想想就开心。

　　《写给大家的中国美术史【全彩精装】》读后感(六)：《写给大家的中国美术史》评论-100分

　　虽然从小画画，高中、大学、工作都是与美术相关，但，这是我第一次看关于美术史的书。

　　美术史是向来是被忽略的一个部分，我总觉得它太过于久远，那些历史中的画作与今时今日的需求并不贯通，并不吻合，虽说略知一二，但很不系统，美术史也过于繁琐和细密，需要知道的知识点太过庞杂，这些都是长久以来抵触它的原因。

　　最近需要恶补一下关于美术史的知识，我在当当网搜来搜去，觉得这本很是亲近，翻印了几种版本，说明大家对它的认同，果不其然，效果非常不错，正是我所需要的，很是惊喜。

　　作者蒋勋，生于西安，成长在台湾，他的主张很和口味，书中以简洁易懂的方式徐徐道来，图文并茂，装帧和排版都很精致，无论是否从事美术行业，都可以迅速在书中找到感兴趣的知识点。能把生涩的知识，用通俗的方式表达出来，更加彰显了作者的专业深度。有些结论需要评价的环节，用委婉的方式留给大家思考，也是值得学习的。

　　犹如一个老师讲课，无论老师是什么职称是什么学者，都要以学生吸收的最终程度，来判定老师的水准高低。我们一定遇到过这样的老师：讲的高深叵测，卖弄自己的专业水准，听起来云山雾罩，貌似很厉害，可以让学生们佩服一时，可是，最终却留下的甚少，这并不是理智的教学方式。

　　如何把知识用最为简单直接的方式，告诉给学生，并让他们能够记住，这至关重要，说起来容易，其实过程更加的复杂，需要时间去尝试和思考。