艺术哲学读后感10篇

　　《艺术哲学》是一本由[法]丹纳著作，化学工业出版社出版的平装图书，本书定价：249，页数：736，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。

　　《艺术哲学》读后感(一)：《艺术哲学》----了解19世纪文艺研究的教科书级别的读本

　　近日有幸拜读了法国著名文艺理论家和史学家，历史文化学派奠基者和领袖人物丹纳的著作《艺术哲学》，该书内容是丹纳根据自己在巴黎美术学校讲课时的讲稿讲义撰写成的艺术批评经典著作，对19世纪文艺研究产生深远的影响。该书共分五册，前三部分别是关于古希腊、文艺复兴时期的意大利和17世纪尼德兰的艺术文艺史实的介绍和分析后两部介绍了艺术品的本质及其产生和艺术中的理想。

　　说句良心话，尽管书是绘本型的，但是该书内容因为其具有专业性，对于我们这些理科生来说还是有点枯燥的，对于我个人来说能认真把它们都仔细读完，有以下几种原因：

　　一 在我上高一的时候，正好赶上学校重点中学验收，为了提高学生内涵素质，学校每天下午第三节课会给我们上一些艺术修养培训课，比如说听到国内外的名曲要能说出曲名和作者、看到一幅名画要能说出是哪个国家的哪个名家的作品。当然当时的老师还是很有功底的，一学期内就把我们强化成符合验收标准的产品，正在青春期也是人生观形成时期，我觉得这一节节课真的是拓宽了我们的眼界，当时的老师们也很敬业，每部作品都尽可能讲得很有趣味性，有些细节至今历历在目。所以一看到这本书就把我的思绪拉回那段无忧无虑的学生时代，看到了当时学习过的作品就好像是看到了老朋友，也想念当年老师们的关心和教诲、和同学们的友谊，最重要的是它们带动我的思绪情感回到我的青葱岁月，在一页页的绘本中重新去感受当年老师们的讲课，时过境迁看到不同的作品心中已有不同的感受。

　　二 该书的内容和翻译甚至彩页的编辑都是精挑细选的，它是由我国著名翻译家、教育家、评论家傅雷翻译的。可以说傅雷先生的翻译真的是把丹纳先生的理论又往上推进了一个高度。除译本的斟酌之外，译本中的注解、插图也是先生用心之处。对于孩子了解艺术品有很好的理论联系实际的参照性。

　　三 丹纳先生的许多思想是我重来没有听说过的很有新意。他的思想受达尔文进化论的影响，他的治学方法是：从事实出发，不从主义出发。在他看来物质文明和精神文明的性质面貌都取决于种族、环境、时代三大因素。他不承认艺术欣赏是一个见仁见智的问题，没有客观标准可言。

　　四 作者对作品的分析详细准确到地域特征、时间分界线，对于我们这样艺术文明来说有很大的学习空间，值得反复学习。比如作者强调意大利最辉煌时期包括15世纪的最后25年和16世纪最初三四十年。界限分明：往后退一步，艺术尚未成熟；向前进一步，艺术已经败坏。

　　对于不同国家不同时代的作品都能准确分析其特征：意大利古典绘画有限制，在它作为中心的思想人物身上固然能分辨出精神与肉体，但一望而知精神并不居于主要地位。这个画派既没有神秘气息也没有激动地情绪，也不以心灵为主体。而文艺复兴时期的意大利画家创造了独一无二的种种，一批庄严健美生活高尚的人体，塑造了完全的人类。

　　作者的视角涉猎油画、版画、雕塑，分析专业到位，傅雷的翻译和绘本更是锦上添花，是一本值得了解19世纪人类艺术巅峰时期的一套不可不可多得的好书。当然也有一些建议，如果每部作品都能配上当时的创作背景和相关生平情节，就更加有趣味性了，我想对于非专业的人们普及率会更高一些吧。

　　《艺术哲学》读后感(二)：如果一生只能看一本关于美学的书，我推荐你看这本……

　　如果一生只能看一本关于美学的书的话，那么，我推荐你看《艺术哲学》。

　　《艺术哲学》是19世纪法国史学家兼批评家丹纳于1865年-1869年所撰写的艺术批评经典著作。傅雷先生对该书极为欣赏，早在1929年就尝试翻译，直到1959年全稿完成，历时30年。

　　伊波利特·阿道尔夫·丹纳（Hippolyte Adolphe Taine）（1828年4月21日- 1893年3月5日），法国著名的文艺理论家和史学家，历史文化学派的奠基者和领袖人物，被称为“批评家心目中的拿破仑”。他的这本《艺术哲学》，对19世纪的文艺研究产生了深远的影响。

　　全书共分五编，分别是《艺术品的本质及其产生》、《意大利文艺复兴期的绘画》、《尼德兰的绘画》、《希腊的雕塑》和《艺术中的理想》。在整体架构上，丹纳采取的是总-分-总的结构，第一编提出观点，第二~四编分别用典型的例子论证第一编的观点，第五编再归纳总结。

　　在《艺术品的本质及其产生》中，丹纳开门见山地提出：

　　“我的方法的出发点是在于认定一件艺术品不是孤立的，在于找出艺术品所从属的，并且能解释艺术品的总体。”

　　并对这句话进一步做了解释：

　　“一件艺术品，一出悲剧，一座雕像，显而易见属于一个总体，就是说属于作者的全部作品。”

　　“艺术家本身，连同他所产生的全部作品，也不是孤立的。有一个包括艺术家在内的总体，比艺术家更广大，就是他所隶属的同时同地的艺术宗派或艺术家家族。”

　　“这个艺术家庭本身还包括在一个更广大的总体之内，就是在它周围而趣味和它一致的社会。”

　　正是本着这样的治学理念，作者“从历史出发而不从主义出发，不提出一套法则叫人接受，只是证明一些规律”，采用自然科学的方法研究美学，“美学本身便是一种实用植物学，不过对象不是植物，而是人的作品。”

　　通过科学的归纳分析，丹纳得出结论：“艺术的目的是表现事物的主要特征，表现事物的某个凸出而显著的属性，某个重要观点，某种主要状态。”所以，“艺术品的本质在于把一个对象的基本特征，至少是重要的特征，表现得越占主导地位越好，越明显越好”。

　　之后，丹纳分析了古希腊、欧洲中世纪、文艺复兴时期的意大利、16世纪的法国、17世纪荷兰的大量艺术文艺史实，并加以分析比较和深入探讨，提出了“种族、时代、环境”三要素理论：文学艺术与种族、环境、时代这三个要素紧密相关。

　　《意大利文艺复兴期的绘画》、《尼德兰的绘画》和《希腊的雕塑》这三编，丹纳从种族，时代，环境等三要素分析了意大利绘画、尼德兰绘画以及希腊雕塑等艺术作品，来探究艺术发展的规律。或者说，作者是以意大利绘画、尼德兰绘画以及希腊雕塑发展的规律，来验证“种族、时代、环境”三要素理论。

　　“我们所谓的种族，是指天生的和遗传的那些倾向，人带着它们来到这个世界上，而且它们通常更和身体的气质与结构所含的明显差别相结合。这些倾向因民族的不同而不同。”作者举了拉丁民族和日耳曼民族的例子，这两个民族天性截然相反，在艺术特色上也截然不同。我们可以再举个明显的例子，黑人文化和白人文化，你不能说哪个更好，但你一定能够感觉到它们的不同。

　　环境其实也好理解。“因为人在世界上不是孤立的；自然界环绕着他，人类环绕着他，偶然性的和第二性的倾向掩盖了他的原始的倾向，并且物质环境或社会环境在影响事物的本质时，起了干扰或凝固的作用。”地中海沿岸阳光灿烂，气候温和，所以古希腊人很习惯于赤身裸体，并以健壮的肉体为美——古希腊的雕塑基本上都不怎么穿衣服。而生活在低洼地的荷兰人，由于气候寒冷，并没有赤身裸体的习惯。

　　至于时代就更容易理解了。艺术家之所以为艺术家，是因为他比别人具有更敏锐的洞察力，更惯于辨别事物的本质，所以更容易受时代影响。希腊悲剧的黄金时代，正是希腊人战胜波斯人的时代。而随着民主风气消亡与马其顿的入侵，希腊进入到异族统治的时代，希腊的民族独立和精神元气一起丧失，悲剧也随之衰弱。我国也有“国家不幸诗家幸”的说法，时代必定会给文学艺术作品打上深刻的烙印。

　　在种族、环境、时代这三个因素中，种族是内部根源，环境是外部压力，时代则是后天的推力，三者相互作用，影响着文学艺术的发展及走向。

　　了解了艺术品的本质及其产生之后，如何衡量艺术品的等级与价值呢？丹纳在《艺术中的理想》中总结道：取决于作品中“特征的重要与否，特征的有益与否，以及效果的集中与否。”

　　也许有人会担心：这样的美学专著，会不会很枯燥无趣？看了书之后你会发现，这样的担心完全没有必要。因为这是丹纳根据自己在巴黎美术学校讲课时的讲稿讲义撰写出版的，全书旁征博引，以讲故事的形式娓娓道来，又有傅雷大神的高超翻译加持，不仅有趣，而且有料。

　　最后要指出的是，《艺术哲学》的版本有很多，个人推荐化学工业出版社2019年的版本。与以前的版本相比，这个版本有以下几个优点：

　　第一，采用了傅雷翻译版本，保持了经典原味；同时把其中一些人名、地名、文学作品，换成了现在通行的译名，便于阅读和理解。

　　第二，邀请艺术史学者张启彬担任配图编者，在傅氏原有配图的基础上，扩充了配图，并加上了图片说明，更有助于普通读者阅读和理解。

　　第三，图片统一替换为彩图，并且置于相应文字附近，更方便于对照阅读。

　　第四，把原有的五编，分成五册出版，更加方便携带和阅读；而且正文纸张都是加厚的，手感特别好，也适合收藏。

　　《艺术哲学》读后感(三)：读《艺术哲学全彩配图版》

　　读《艺术哲学全彩配图版》  《艺术哲学》是“一部有关艺术、历史及人类文化的巨著”，“采用的不是一般教科书的形式，而是以渊博精深之见解指出艺术发展的主要潮流”。丹纳主张研究学问，应“从事实出发，不从主义出发；不是提出教训而是探求规律，证明规律”。他认为物质文明与精神文明的性质面貌都取决于种族、环境、时代三大因素。从这原则出发，阐扬了意大利、尼德兰和古的艺术流派。最后一编“艺术中的理想”，为丹纳的美学。全书不但条分缕析，明白晓畅，而且富有热情，充满形象，色彩富丽，绝无一般理论文章的枯索沉闷之弊。  法国作家丹纳（1828-1893）出生于一个富裕的法官之家，从小接受良好的教育，毕业于巴黎师范学校（是与牛津，剑桥，哈佛，耶鲁并驾齐驱的学校，尤其在人文主义方面），是19世纪法国思想家，文艺评论家，史学家，法国实证主义的代表人物。 丹纳的这本书是他的讲义整理而成的，所以文字浅显易懂，再加上傅雷译书，这本书的整体质量就上去了。因为语言的问题再加上文化差异，如果说翻译者不是很精通的话就会大大影响原著的韵味。傅雷用平实的语言将丹纳对于艺术的研究介绍给我们，在书中丹纳对于古希腊、文艺复兴时期、十七十八世纪西方的绘画、雕塑结合自己观点阐释给大家。艺术哲学，其实就是美学。在他的书中特别喜欢用植物来比喻，因为他的观点是环境决定论，所以总是说一个地方的气候、温度等情况说明为什么这株植物在这里生长，从而说明古希腊为何诞生那样灿烂的艺术，地理环境、人文环境、历史遗留等。虽然丹纳的观点有诸多偏颇，但不可否认他从新的角度给我们提供了分析艺术的可能。  以前所读之书文学类特别是小说居多，一般不存在读不流畅的问题，而此番切换到理论书籍，磕磕绊绊，读的很是艰难，尤其是“尼德兰绘画”一编完全是零基础，勉强读完仍抓不到要领。美学界通常认为，美学的研究对象有三种不同的定义，其一，美学就是研究美本身的学科，这种观点大多数人认为美是客观存在的；其二，美是研究审美经验和审美心理，譬如弗洛伊德的精神分析学说；其三，美学的研究对象是艺术，因而也称之艺术哲学，持这种观点的在学院派占很大的比例。但是否能够将美学与艺术划为等号，通常来说，美学的范围比艺术的范围要广泛得多，因此学术界对此也有些怀疑。丹纳所著的《艺术哲学》是否可以美学的研究对象呢？实际上通读本书后，才知道《艺术哲学》并非是指美学意义上的艺术哲学，更多的是可以称为艺术史论，因为，丹纳的立足点取源于艺术学、历史学和社会学上的社会风俗，这和伏尔泰的《风俗论》极为相似，但是研究的方向却不一致。丹纳试图突破传统的艺术史论，主张“从事实出发，不从主义出发；不是提出教训而是探求规律，证明规律”。  本书全篇主要以三个部分展开，即艺术的定义、艺术的产生与发展、艺术品的价值评判。关于艺术是什么？他认为，艺术品的最初启蒙是对事物的或多或少的模仿，因此他总结说“整个艺术就在于正确与完全的模仿”，从中可以看出，艺术还难以脱离模仿说的窠臼。那么对于艺术的产生与发展则是他在艺术理论上的最大贡献之一，他从意大利绘画、尼德兰绘画和古希腊雕塑的研究发现，以艺术学、历史学和社会学位依据，总结出种族、环境、时代是制约艺术产生与发展的三大因素，在这三种因素中，种族是“内部动力”，环境是“外部压力”，时代则是“后天动力”。 除此之外，他对艺术价值的评判也有重要的意义，认为艺术品有它本书的客观标准，而不是随意可以确定的，一般说来，艺术品的价值评判特征主要有三种，即特征重要的程度、特征有益的程度、效果集中的程度。 读完此书，只觉相见恨晚。然而并非因为与作者惺惺相惜之故，毕竟吾人是真的才疏学浅。这部作品如此引我入胜大抵上是因为书中讲得道理是普遍的，真诚的，适用于一切时代的，来自历史、超越历史的真理。一切伟大的作品的诞生大多源自于时代的魁伟和时代的个性，而这样的时代能够赋予人们时代感和整体感，使之能更好地感受其所处的时代的特征，人的特征，从而创作出属于这个时代的，普遍的，本质的作品。所有的时代都有各自的时代特征，但是暗黑的、被管制的包括宗教、独裁等的时代，其特征因为长期被某种特点压抑，进而压抑人性和人的认知，会在很大程度上造成人的麻木，从而失却好的、灵敏的感知力，从而使得这样的时代难于产生好的作品。所以好的、优秀的作品一定是最能契合这个时代的广泛的、本质的特征的作品，没有好的土壤，就难以长出好的作物。  而由此我试着感受了自己所处的时代，这个信息泛滥，人性极端复杂，社会认知极度混乱的时代，是否在产生着好的作品，也许吧，但是我还没有见到，我的闭塞很好地使我屏蔽了一切好的和坏的内容的到达我这个终端的转播。这个时代的一切价值似乎都是处在泛滥状态的，人们大量地赋型，赋性，赋概念，赋价值，而缺少判断力的大多数会欣然接纳，并且照着自己的理解，发散、发挥、发展。然后洪水愈加泛滥成灾，使得人的精神世界过度受灾，过度饱和，这让一些人失却了思考的空间，他们只好模仿，只好胁从，因为我们都要谋生。便进一步造成了文化艺术教育的失衡，一些时代应该具有的鲜明的特征被掩盖了，人们对于一些旁溢的低端价值趋之如骛，而忽略、轻视，甚至蔑视本属于一切时代的主流价值，最终难免会造成一个时代的观念的扭曲，人性的扭曲，一切价值的扭曲。信息时代让每个人都成为创造的主体，而创造的隐蔽性的强大影响力，使得人本能性地屈从于创造的淫威，甚至不管其是正义或是邪恶，是好或是坏。资本集中的地方带来的信息爆炸，让每一个人都昏头昏脑地紧跟资本步伐，不能落后，不能掉队是大多数想要获得个人利益的人每天、每时每刻在鞭策自己的箴言。正直善良在这个时代反倒是常常被隐去。  艺术是世界的晴雨表。在技巧背后，所谓的个性、情感，恰是可理性度量的历史环境和民族精神。这又不局限于丹纳在《艺术哲学》中详细剖析的意大利和尼德兰艺术，读者亦当将互为表里的艺术和文明结合来看，由天时、地利、人和，总结不同艺术产生的规律，方可在艺术的世界里越看越开阔，不至为第一眼视觉印象掣肘。 这是一本拓展心灵，放飞心灵的书，就如同傅雷先生告诉傅聪的那句话一样。喜欢艺术，热爱生活。看点理论书，不时给自己涨涨知识、充充电也行好的。

　　《艺术哲学》读后感(四)：所谓艺术……

　　艺术在词典中是这样解释的：通过塑造形象反映社会生活的一种社会意识形态。艺术形象地反映人们现实生活和精神世界，满足人们的审美需求。由于表现手段和方式不同，可分为表演艺术（音乐、舞蹈）、造型艺术（绘画、雕塑、建筑）、语言艺术（文学）和综合艺术（戏剧、电影）等。作为一个普通人，我们了解艺术的方式，无非就是通过影视资料以及各种各样的美术绘画馆，雕像馆中的艺术品来了解艺术这一概念。

　　早在19世纪，法国著名的文艺理论家和史学家，历史学派的奠基人丹纳就根据自己在巴黎美术学校讲课时的讲义撰写成了一部影响至今的艺术类书籍《艺术哲学》。而我国著名的翻译家教育家以及评论家傅雷先生也于1992年便尝试翻译这部经典著作，并于1959年撰稿完成，期间翻译的过程可谓，是历经心血，其中的注解，以及插图也是傅雷先生的用心之处。

　　《艺术哲学》这套书共分为五本，分别是《艺术品的本质及其产生》、《意大利文艺复兴期的绘画》、《尼德兰的绘画》、《希腊的雕塑》以及《艺术中的理想》，每本书都有作者独到的理解以及译者独到的翻译。

　　每一本书的开头，都会描写法国高等学校教授上课时所用的官方语言，这和我们当代中国的教育方式不尽相同。他们称呼学生为诸位先生，并且在上课之前提出两点要求：第一是集中注意，第二是学生的好意，这都是教授上课所需要的。再来看看我们国家的教育，无论是大学、中学或者小学，老师上课所提的要求无非就是遵守课堂秩序，上课积极思考、踊跃发言，而对于注意力是否集中，学生们对老师是否友好，貌似并没有太多的强调。中国自古以来便是礼仪之邦，可如今这种知礼识礼的意识却渐渐消失，人们不再像古代那样拥有“一日为师，终身为父”的观念，取而代之的却是和老师拥有着类似于敌人之间的关系。尤其是当自己上了大学之后，越来越发现大学的课堂是那么糟糕至极——是否集中注意力无人管理，是否拥有课堂秩序无人监督。虽说我们大家都已是成年人，但若与书中的法国高等学校教授上课比起来，我们学生真的是散漫太多，我们老师真的是要求太低！

　　再来看一看本书的作者丹纳。

　　他受到19世纪自然科学界的影响颇深，并且认为世界上一切事物，无论物质方面的或是精神方面的都可以解释；一切事物的产生，发展，演变，消灭都有规律可循。在他看来，物质文明与精神文明的性质面貌都取决于种族，环境以及时代三大要素，并且这三大要素贯穿于《艺术哲学》这套书的全部。当然，在艺术欣赏方面，他认为这是一个仁者见仁，智者见智的问题，并没有什么客观标准所言，一件艺术品如若在一个时代被赞成或反对，这只不过是一个暂时的现象，时间会慢慢的对这个结论加以修正，并且根据每个时代的特点，不断的修正，直到得出一个相当合理，可靠的意见。在我的学习生涯中，有这样一位老师令我印象深刻，他喜欢旁征博引，并且擅长运用具体的事例来说明抽象的问题，而作者丹纳亦是如此，古今对比之中彰显其独到的文学功底。

　　这本书除了作者有趣之外，五本书的内容也是分外生动形象。第一本书讲的是艺术品的本质及其产生，通过阅读本书，我也得出了艺术品，这三个字的真正结论。艺术品的目的是表现某个主要或突出的特征，也就是某个重要的观念，比实际事物表现的更加清楚，更完全为了做到这一点，艺术品必须是由许多互相联系的部分，一个总体各个部分的关系是经过有计划的改变的，在雕塑，绘画诗歌三种模仿的艺术中，那些总体是与实物相符的，也就是说，艺术品是在雕塑，绘画以及诗歌三种，形式下的结晶。而本书中也有一段话引起了我深深的思考。

　　“在许多方面，人是尽力抵抗同类与自然界侵袭的动物。他必须张罗食物，衣着，住处，同寒暑，饥饿，疾病斗争。因此，他耕田，航海，从事各式各种的工商业。此外，还得传宗接代，因此组织家庭，组织国家；设立法官，公务员，宪法，法律，军队。有了这些许多发明，许多劳动，人还没有走出第一个圈子，他还不过是一个动物，仅仅比别的动物供应更充足，保护更周密而已；他还只想到自己的同类。如果想要达到更加高级的阶段，却只有两条路可走，一是科学，一条是艺术。其实，我们现在确实处于第一阶段，想要走向更高真的很难。

　　接下来的三本书分别以意大利和尼德兰的绘画以及希腊的雕塑为主题，对艺术又有了新的理解。

　　意大利和尼德兰的艺术主要表现在人体方面，并且是近代两个独创的重要宗派。其中最能解释意大利绘画的一件作品便是达芬奇所著的《维特鲁威人》。这幅画取自于古罗马杰出建筑家维特鲁威，他在其著作《建筑十书》中道出了人体比例以及黄金分割的奇妙关系，而后来数学中出现的黄金分割比例也与其有着千丝万缕的联系。意大利文艺复兴时期的绘画产生的一批理想的形体，仿佛在向自然界指出他该如何造人而没有造出来。

　　同样的，尼德兰绘画也有其独特的魅力。尼德兰由于受世界宗教神权统治的时间比较长，使得祭坛画成为主要表现形式。它的特点是色彩黯淡却具和谐美，笔触细腻，画风细致。本书作者则认为尼德兰独特画风与它潮湿而不多变的自然环境和追求精神满足的文化环境有着巨大关联。尼德兰人比起艺术的表面形式，更加注重其所蕴含的思想内容。另外他们普遍追求艺术的纪实性和画面的完整性，缺少同时期欧洲其他画派的戏剧或史诗元素。

　　再来看看希腊的雕塑。上初中的时候语文新课标要求认识文艺复兴三杰——达芬奇，米开朗琪罗以及拉斐尔，而米开朗琪罗的著名雕像《大卫》却给我留下了深刻印象。完美的形体是每一个男生都在不断追求的目标，大卫的完美身材也是我们想要拥有的。

　　虽说意大利和尼德兰的人体艺术非常优秀，但是希腊的雕塑文化也是令人惊奇！虽说现代留下的古代雕像已所剩无几，与曾经毁灭的部分相比更是微不足道，但庙堂上色像庄严的巨型神像，却是将古希腊所拥有的思想表现的淋漓尽致。希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调共性的、典雅精致的，用外在的形式表现内在的力量，西方美术崇尚的典范模式可以说都是从古希腊开始的。古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉，也是古希腊雕塑的题材，是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。

　　其实所谓艺术，一百个人眼中有一百种说法，每个人的理解都不尽相同。但是可以肯定的是，艺术能够让人满足内心世界的需求，并且持之以恒的提供动力，有时间多出去走走，了解自然，亲近艺术！

　　《艺术哲学》读后感(五)：艺术大餐如此丰盛

　　收到《艺术哲学》全彩配图版一套五本书时，立即就被书的精美纸张和配图吸引。好奇的想，是不是跟艺术有关的都是这么讲究呀？而“艺术”到底奥妙神奇在什么地方呢？都说兴趣是最好的老师，果不其然，我带着这急切而又浓厚的探究兴趣读完了这五本书，发现原来艺术也是有条件和规律的，真是收获满满的。

　　书的作者伊波利特.阿道尔夫.丹纳，法国著名的文艺理论家和史学家，历史文化学派的奠基者和领袖人物。这一套书其实是丹纳在巴黎美术学校讲课时的讲稿讲义的整理，却对19世纪的文艺研究产生了深远的影响。而本套书的翻译者是我特别喜欢的，我国著名的翻译家、教育家和评论家傅雷。因为他对此书的极为欣赏，才有了我们今天这些读者的一饱眼福。无论是翻译用词的精准，还是配图的用心，以及每本书后面的附录对照表，无不反应出傅雷老师做事认真、严谨、用心、细心的态度，透过文字也能深深的感受到（很惋惜一代英才走的太早）。 翻开第一本《艺术品的本质及其产生》时，作者正文前的一段话跃入眼帘：诸位先生，我开始讲课的时候，先向你们提出两点要求，第一是集中注意，第二是你们的好意：这都是我极需要的……未入正文以前，我想先说明我讲课的方法和旨趣。后来读者在读书的过程中，才发现丹纳的第一点要求真的很重要。只要读者一不注意走了神，完全不知道你读的字加在一起是什么意思。读这套书确实得用心，一旦认真读进去，沉浸在艺术的海洋里你会觉得自己身心愉悦的很。 丹纳的方法出发点是在于认定一件艺术品不是孤立的，在于找出艺术品所从属的，并且能解释艺术品的总体：第一步，一件艺术品属于一个总体，属于作者的全部作品。丹纳打的比方就是艺术家许多不同作品都是亲属，好像一父所生的几个女儿，彼此有显著的相像之处；第二步，一个艺术家连同他的作品也不是孤立的，隶属于他同时同地的艺术宗派或艺术家族；第三步，这个艺术家庭本身还包括在一个更大的总体之内，就是在它周围而趣味和它一致的社会。也正如作者所说，要了解一件艺术品，一个艺术家，一群艺术家，必须正确地设想他们所属的时代的精神和风俗概况。艺术这个精神文明的产物，也和动植物界的产物一样，只能用各自的环境来解释。 丹纳认为，对于艺术哲学是从历史出发，而不是从主义出发，他不愿意提出一套法则叫人接受，他从种族，环境，时代三个原则出发，只是证明一些规律。他很幽默的说：我没有什么可以指导你们的，所谓教训只有两条：第一条是劝人要有天分；这是你们父母的事，与我无关；第二条是劝人努力用功，掌握技术；这是你们自己的事，与我无关。我唯一的责任是罗列事实，说明这些事实是如何产生的。他认为诗歌、雕塑、绘画这三种有一个共同的特征，就是多多少少是“模仿的”艺术，并由此得出结论：似乎艺术家应当全神贯注地看着现实世界，才能尽量逼真地模仿，而整个艺术就在于正确与完全的模仿。但音乐和建筑这两门艺术又不能这样解释了，它们一方面有结构与精神的联系，另一方面还得运用数学关系。音乐是音乐家对于事物体会到某个重要的突出的特征，如喜悦或悲哀，温柔或愤怒等；而建筑确是建筑师心目中有了的某一特征，如罗马的宁静，哥特式的怪异等，让读者瞬间有点了解艺术的感觉。 第二本《意大利文艺复兴期的绘画》，作者的前言又是很有趣：诸位先生，去年开始讲课的时候，我给你们说明了一条普遍的规律，就是作品与环境必然完全相符；不论什么时代，艺术品都是按照这条规律产生的。今年研究意大利绘画史的时候，我又找到一个显著的例子，使我能够在你们面前应用这条规律，证实这条规律。第一页就是达.芬奇的《蒙娜丽莎》，神秘的微笑令人捉摸不定，却也正是意大利最了不起的辉煌的时代。丹纳说，人要能欣赏和制作第一流的绘画，有三个必要的条件，而我看完却没有完全弄的很明白（还得细看一遍）。如果早些时候看过这本书，或许我在2018年初去法意瑞梵的旅行时必然会更有意思些，至少在那些名画和雕像面前不至于那么一脸茫然吧。这本书让读者了解到意大利的文艺复兴是一个绝无仅有的时期，人从封建时代的风俗习惯过渡到近代精神，这个转变在意大利比任何地方都发生得早。他们过早地学会运用“外交代替了武力”，一方面统治者成为鉴赏家，成为文人学士，爱好渊博的谈话，把精神生活的享受看作高于一切，艺术家们之间也有“大锅会”和“泥刀会”。而另一方面，性情脾气仍旧凶暴。那些文人、鉴赏家、上流人物同时又是武士、凶手、杀人犯。他们的行动像野蛮人，推理像文明人，是聪明的豺狼。而环境却能把艺术带来或带走，有如温度下降的程度决定露水的有无，有如阳光强弱的程度决定植物的青翠或憔悴。因此，要同样的艺术在世界上重新出现，除非时代的潮流再来建立一个同样的环境。好或不好的历史，只能是过去式，人类每天只需要上演自己当下的故事。 第三本《尼德兰的绘画》，翻阅时心情会比较轻松平和。这可能是作者介绍的尼德兰地区的日耳曼人：反应比较迟钝，所以不容易受急躁和使性的影响。普通人贪逸恶劳的本能，有教育的人不愿意劳动的可笑的虚荣，都被日耳曼人清醒的头脑和坚强的理性克服了。相反，拉丁民族人最喜欢事物的外表和装饰，喜欢形式。而日耳曼民族更注意事物的本质，注意真相，注重内容。因为尼德兰是一片低湿的平原，随便挖个洞都看得见水，在这等地方需要有深思熟虑的头脑，因为“困难大得不得了，全部聪明只能集中在克服困难上面”。几百年的压力造成了民族性，习惯成为本能，清洁成为需要，安乐成为自然。读者看到这就会自然地想像荷兰阿姆斯特丹近郊的村庄，随便什么样的村舍一尘不染的样子。然而人民太安乐了，刚毅的古风衰退了，1672年只有四个法国兵就攻下了，城市不战而降。而尼德兰的画家主要优点之一，是色彩的美妙与细腻。因为眼睛受着特殊的教育（空气中永远飘着一层迷蒙的水汽），引入注意的是物的体积，而不是线条，在佛兰德斯，景物的色调必然随着日光的变化和周围的水汽一同变化。这也正是尼德兰派与意大利派绘画在艺术上的不同，因为艺术家的手不由自主地听从眼睛的感觉支配。 第四本《希腊的雕塑》，读完后让我对人体的美有了新的认知。了解到每个希腊人都有水手的素质，每个希腊人都有舞蹈和体育的本领，这是一个怎样的民族？人们不仅外表健康、俊朗，还勤快、机警、迁就，什么行业都肯干，什么角色都肯当。这是他们生活的主要特点，因此机能的活动更自由，人生观更健全。他们看到裸体毫不奇怪，因为“贞洁的观念还没有变作大惊小怪的羞耻心”，所以整个身体毫无遮蔽的放在座子上，陈列在大众眼前，受到欣赏，赞美，绝没有人为之骇怪，就因为此，才适合雕像。希腊人认为娱乐神明最好的场面莫如展览娇艳俊美的肉体，表现健康和力量的姿势都发展到家的肉体。而锻炼身体的两个制度，舞蹈与体育，遍及整个希腊，为战争与宗教服务。其中斯巴达人是所有的希腊人中最健全的，他们中间有希腊最美的男子，最美的女人，因为新出生的婴儿就要筛选，凡是太软弱或者有缺陷的一律处死，儿童从七岁就编入队伍训练。原来，奥林匹克运动会是从这种时期开始的。其实，这种体育训练还是有点残忍的。所以说，美的（好的）东西得之不易，这种自律和自虐，现代人可能学不来。 第五本《艺术中的理想》，作者开头序言比较轻松：诸位先生，我这一回要和你们谈的题目似乎只能用诗歌咏叹。一个人提到理想，必然充满感情；……。丹纳认为：凡是历史所暴露的，都由艺术加以概括。任何一种艺术，一朝放弃它所特有的引人入胜的方法而借用别的艺术的方法，必然降低自己的价值。而艺术品的目的就是表现基本的或显著的特征，比实物所表现的更完全清楚：特征的重要与否，特征的有益与否，效果的集中与否。艺术家要对基本特征先构成一个观念，然后按照观念改变实物，经过这样改变的物就“与艺术家的观念相符”，就是说成为“理想的”了。而谈到绘画的元素，特别是人体上三要素：骨骼、皮肤、姿势与相貌，提到米开朗基罗研究人体“才做了12年的尸体解剖”，所以大师绝对不是全靠天赋的。 读完《艺术哲学》全套五本，除了眼睛被书的质感美到外，心也被艺术熏染了一番。我想，艺术的感染魅力大抵如此。丹纳先生的这五本讲义真是精彩，更佩服傅雷先生的翻译如此传神和精准。世上正因为有了他们这些艺术大师，才能让我们这些普通人也能享受到如此丰盛的艺术大餐吧。

　　《艺术哲学》读后感(六)：《艺术哲学》--源于生活的艺术，时刻无声述说着高于生活的哲理

　　上溯来自古希腊的雕塑和建筑对美的极致崇拜，追思意大利文艺复兴时期的诸多艺术杰作，细细探究能够在资本主义的“平民轻奢”（原谅笔者姑且这样称呼）之路上还走在英国前头的尼德兰的绘画······不难发现，能够流传至今的艺术，往往自有其生发的土壤。但是，如果想考证这片土壤能否进行“人工培养”，或者在某一时刻能否刻意达到切实的“复兴”，所获取的来自一般大众的回应又会是怎样的，就需要更全面、细致的视角，对堪称浩繁的艺术作品，从文学、艺术、历史等角度进行全面分析，形成艺术批评。

　　在艺术批评尚未成熟之时，人们一贯认为，艺术，就是源于人类独有的激情、天才灵感、丰富的想象与联想能力······所以，诸如酒神的神话传说大行其道，酒神所代表的狂欢精神被人们不拘一格地体现在所有的欢乐场合，算得上是颇具代表性的、对艺术自有的娱乐性的一种诠释方式了。但是，就如再无极无尽的宴饮游乐类的狂欢，也有曲终人散之时；再不受“拘押”的情感释放，也要经过提炼，清晰地表现作者或当时的人对“美”的认识。希腊人“就这么愉快地决定了”--他们的雕塑将不约而同地选择，以被锻炼的更加健美的肉体来表达自己对神的敬慕，因为：“那么纯粹肉体的作用也把他所有的欲望与思想消耗完了”，“用不到强烈和意外的效果去刺激他们迟钝的注意力，或者煽动他们骚扰不安的感觉”。“他们所要欣赏的是和器官与处境完全配合的人，在肉体所许可的范围以内完美无缺；他们不要求别的，也不要求更多；否则他们就觉得过火，畸形或病态。--这是他们简单的文化使他们遵守的限度，我们的复杂的文化却使我们越出这个限度。”（摘自《希腊的雕塑》第75页）

　　历经了一代又一代人的生死存亡，越过千年的流转动荡，的确足以改变很多东西，但永远不变的，是人类对美的本能向往，人们对自己所处的独有时空里的美的不尽追求，以及艺术家们穷尽变化的匠心。“一切艺术都要有一个总体，其中的各个部分都是由艺术家为了表现特征而改变过的；但这个总体并非在一切艺术中都需要与实物相符；只要有这个总体就行。所以，倘若有各部分互相联系而并不模仿实物的总体，就证明有不以模仿为出发点的艺术。”（摘自《艺术品的本质及其产生》第41页）所以，当艺术批评家们提出，艺术，是源起于种种平淡生活中最难以受控的情感以及由此“外化”出的能力，从而让人们觉得，观赏、投身艺术，就是找到了“去释放另一个自己”的绝佳途径，人们才能够正式将被视为“生活情趣的一部分”的艺术，看作是历史文化中，最特别的一部分。

　　这种思想被渗透的较早的地方，是容易为人所忽视的尼德兰。那么在此之前，不能不先提及意大利。作为拉丁民族，诸如身体机能和基本需求方面对食物和饮品的克制、天然具有种族优势的形貌、行动和精神的开阔与追求，造就了意大利人天生的聪明敏捷，也因为“不曾被日耳曼人同化，侵入的北方民族把他们压倒和改变的程度，不像欧洲别的地方那么厉害”，“因此，把15世纪的意大利同欧洲别的国家做一比较，就会觉得它更博学，更富足，更文雅，更能点缀生活，就是说更能欣赏和产生艺术品。”（摘自《意大利文艺复兴时期的绘画》第25、26页）他们对绅士和淑女的“规范要求”，放在今天也不是一般人能够仅凭优雅的天性就做到的。也因此，他们对艺术的看法自然要发展的早，而且提前经历了如何在从前文明的基础上进行“提纯”，又在艺术的美感下如何调和自身的实际生活与艺术关系的思考。“文明过度的特点是观念越来越强，形象越来越弱。教育，谈话，思考，科学，不断发生作用，使原始的映象变形，分解，消失；代替映象的是赤裸裸的观念，分门别类的字儿，等于一种代数。日常的精神活动从此变为纯粹的推理。如果还能回到形象，那是花足了力气，经过剧烈的病态的抽搐，依靠一种混乱的危险的幻觉才能办到。”（摘自《意大利文艺复兴时期的绘画》第51页）人们对随处可见的肉体之美，一方面产生探求更多美的向往，一方面又在自己的生活不能如愿占有更多美的时候，愿意轻易地拔刀相向，以未来和生命为代价，去挑战这令他们感到美已经缺失的世俗的一切规范（本韦努托、卡拉瓦乔都是暴脾气）。而个性太过突出意味着，要想脱颖而出，周围的环境也刺激着一个人的才能尽量发挥，“这种共同的观念，情感和嗜好”无疑是最有效的艺术助推力了。

　　可是这样犹如“魏晋清谈”的生活方式变味儿之后，就会从所谓的高尚生活方式演变成理直气壮地懒惰。而尼德兰，则在18-19世纪间，以“尽量制造有益的东西供自己享受，认为是荣誉”的氛围里，以“日耳曼人清醒的头脑和坚强的理性”，精于“建立和维持各式各样的社会关系，首先是配偶关系”，所以，也更能欣赏生活中更质朴实际的美，鲁本斯、伦勃朗等人为此做出了巨大的贡献。但是，当过后的尼德兰艺术家开始不满足于自己的风格，想要学习意大利现有的辉煌高峰时，却会发现，意大利对健全强壮的人体美的欣赏，一旦被移植到佛兰德斯（泛指古尼德兰地区），只能徒增尴尬：“他生长在寒冷而潮湿的地方，光着身子会发抖”，“那儿的人体没有古典艺术所要求的完美的比例，潇洒的姿态；往往身材臃肿，营养过度”，“画家从罗马回来，想继续走意大利艺术的路，但周围的环境同他所受的教育发生抵触；他没有生动地现实刷新他的思想感情，只能靠一些回忆”。（摘自《尼德兰的绘画》第79页）而“佛兰德斯的画家一朝受到完全相反的规则束缚，只会丧失他原有的长处，而并不能获得他所没有的长处”，“他的本能只能向他的教育屈服一半”，“意大利气息和佛兰德斯气息在同一幅画上轮流居于主导地位”，“这种不明确的，不完全的，依违于两个倾向之间的绘画，只能成为历史材料而不能成为艺术品”。（摘自《尼德兰的绘画》第82页）

　　面对艺术方面盛衰相生的累累硕果，越是出色的批评家越需要有着清醒的认识：“现在一个批评家知道他个人的趣味并无价值，应当丢开自己的气质，倾向，党派，利益；他知道批评家的才能首先在于感受；对待历史的第一件工作是为受他人判断的人设身处地，深入他们的本能与习惯中去，是自己和他们有同样的感情，和他们一般思想，体会他们的心境，又细致又具体地设想他们的环境；凡是加在他们天生的性格之上，决定他们的行动，指导他们生活的形势与印象，都应当加以考察。”（摘自《艺术中的理想》第13、14页）法国史学家兼批评家丹纳博闻强识，通晓拉丁文、英文、德文、意大利文等多国的语言与文字；又身处时代变化的重要节点，深受19世纪自然科学的影响；同时被时代风潮下国家发展、文化更迭的暗涌所驱动，即使身处平静的书斋，也在多重积累和对照之下，以哲学的思辨，带着力图科学地解释艺术规律的目的，在对画作、雕塑、建筑、诗歌等多种艺术形式进行阐述分析时，有意识地将哲学思考，引入对艺术品的品鉴中。所以，本系列丛书的行文，加之傅雷先生的翻译口吻恰好符合关于艺术那种朦胧的、“意境”特有的感觉，都使全书不自觉地洋溢着对艺术本身的激赏所以显得愈加丰沛的情感，也满含着晓畅深沉的例证与说理性文字，让人不自觉地被其学说所打动。但很明显，他本人作为“种族、环境、时代”三大因素制约下的一个个体，虽然也堪称是“以个体站在前辈的角度、超出同时期人的天才”，承上启下地将“物质文明与精神文明的性质面貌”很好地归结在三大因素的决定范围内，也不可避免地要被时代潮流所能产生、容纳的理论认知所局限，以一个艺术评论者貌似总要带着点儿的“清高”，把经济在艺术方面所起到的重要社会作用有意无意地忽略掉了。因此，例如在对尼德兰的绘画进行评述时，较少地谈及“资本的力量”起到的更多的选择的作用。--也许，这也是“源于生活的艺术，时刻无声述说着高于生活的哲理”，却也能够有着超脱生活、合于哪怕现世未曾发现以后才能归纳的哲理特性的真谛吧。

　　《艺术哲学》读后感(七)：做生活的创造者，实践者，守护者

　　生活中，我们常常听到艺术，艺术家、艺术品......

　　现如今艺术已成为人们生活中不可缺少的一部分。“艺术” 给人带来的启迪也是永恒的。

　　究竟什么才算是艺术：为什么有艺术家要搞艺术？

　　说起艺术，我应该算是外行。不说去创造艺术，可能连审美的能力也很欠缺。

　　艺术是人类表达真理的一种特殊意识形态；也展现了人类对一切美好事物的向往。艺术聚集了人们丰富的智慧和辛勤的劳动，艺术家用美学来表现对现实生活的反应，人类心理的需求、道德情感的塑造，政治阶级的进化等等。可能可以说艺术表现形式是准确、适当、便捷而纯粹的。

　　《艺术哲学》对我这个外行人来说可是难啃的骨头啊，感觉真的不太能看的下去。我捧在手里边看边琢磨，边想象，进度很慢。需要慢慢消化。

　　这套书是一部值得收藏的艺术经典。共分为五册，包括：艺术品的本质及其产生、意大利文艺复兴期的绘画、尼德兰的绘画、希腊的雕塑、艺术中的理想。作者是法国文艺理论家和史学家丹纳，他的艺术哲学对19世纪的文艺研究产生了深远的影响。傅雷先生译。

　　装帧还是我喜欢的样子，图书赏心悦目，硬质封皮和书籍内容是分开的，双封面特殊工艺设计，纸张轻便、翻开书，是内容提纲的部分，对作者以及这部作品一个宏观的介绍、让读者有了大概的了解。整个作品的文字介绍比较抽象晦涩，但是作者对于一些知识特意给了注释，彩色插图部分印制的也非常好！选取一百余幅高清油画、壁画、雕塑、建筑图片，彩色印刷，专业学者为配图做精炼文字解读，图文并茂，方便读者理解与学习。

　　我先看的是《艺术品的本质及其产生》，艺术是高级又通俗的东西，用什么形式把内容传达给大众呢，艺术品。每一件艺术品并不是孤立存在的，我们欣赏一件艺术品，要了解他的作者和产生的时代背景，也就是他的从属。这样我们就能更好的明白是在什么样的时代背景下，作者是怀着什么样的心情制作的，艺术品的诞生和要表现出来的东西就不言而喻了。

　　比如德国的克隆大教堂，高耸壮观，很好的展现了建筑的力与美，这种建筑是在封建制度正式建立的时候才有的，这个时期，社会摆脱了诺曼人与盗匪的骚扰，开始稳定，了解了这些，就不难了解当时那个时代的艺术家对稳固和平的向往。又比如这幅，十字架上的圣多梅尼克，这幅画产生在意大利的文艺复兴时期，用这种壁画来表现反应基督教信仰。

　　所以我们要了解艺术品的产生，了解人与作品的联系。了解背后的时代背景与环境。

　　再来看《希腊的雕塑》，为什么先读这本呢，因为我觉得雕像艺术更直观一些。可以立体的，三百六十度的去观察想象理解。这本从种族、时代和制度，三个方面来叙述。首页的维纳斯是不陌生的，断臂，残缺的美，总是让人更加深刻。希腊的雕塑是最伟大最有特色的，他用雕塑来表现人体，是那么庄严而细腻。就像男神阿瑞斯，这是希腊神话中的一位战争之神，雕塑将他的俊美帅气，男神的阳刚之气，描绘的淋漓尽致。欣赏雕塑，也是要先了解他的时代背景，比如这幅马赛曲，上半部分是一位象征自由、正义、胜利的自由女神，指引人们奋勇冲锋，下面是战士，这幅创作表现了马赛人民参加战斗的英勇，渴望和平的呐喊。从雕塑也就不难想象当时法国的大革命战争了。

　　正如作者所说，无论什么时代，理想的作品必然是现实生活的缩影。是的，其实，每部作品的背后都是一段故事，我们看他能看到很多很多。

　　儿子看我正在看的雕塑，说最近他们课程有陶艺课，他说要给我做一个写有我名字的罐子。是的，如果去想象，也可以作为一个艺术品，那么，想必这个作品应该表达的是儿子对我浓浓的爱吧！

　　接下来我看的是《意大利文艺复兴期的绘画》，介绍了意大利绘画的特征，基本和次要形势。作者再次强调，作品与环境必然完全相符，不论什么时代，艺术品都是按照这条规律产生的。蒙娜丽莎是达芬奇的经典作品，完美而古典，画中的女子双手交叉与腹前，露出浅浅的微笑，这微笑那么迷人却又神秘让无法琢磨她的心理。意大利绘画，多以庄严健美，生活高尚的人体出现，让人想到了豪迈、强壮、安静、而又活跃的人类。意大利艺术的中心是人体，是自然。

　　文艺复兴时期的西欧，两个艺术繁荣的主要地区，一个是意大利，另一个是尼德兰。它们的艺术，南北辉映，各有特色。我们看完了意大利的绘画，再来看看尼德兰绘画。《尼德兰的绘画》也是重要的一派，受到意大利艺术家的重视。细细看书中的绘画，感觉透露着贵族的气息，真的是值得我们去探究学习啊。尼德兰绘画中祭坛画成为主要表现形式。特点是色彩黯淡却具和谐美，笔触细腻，画风细致。丹纳认为尼德兰独特画风与它潮湿而不多变的自然环境和追求精神满足的文化环境有着巨大关联。尼德兰人更加注重其所蕴含的思想内容。普遍追求艺术的纪实性和画面的完整性。

　　无论是雕塑还是绘画，这些作品有的表现的是作者的思想感情,或道德宗教,或政治法律,或风俗人情,总之是一切属于上层建筑的东西，不是我们只凭眼睛可以看得到的。

　　《艺术中的理想》，艺术中的理想还是理想中的艺术？不管怎样，我觉得艺术就是人类对某种事物想要很好的表现的一种形式。丹纳说大师：“艺术品的目的是表现基本的或显著的特征，比实物所表现的更完全更清楚。艺术家对基本特征先构成一个观念，然后按照观念改变实物。经过这样改变的物就‘与艺术家的观念相符’，就是说成为‘理想的’了。而对于我们平凡人来讲，吃穿住行，哪一个领域都能称职为艺术，大到建筑，小到衣服。如果你懂艺术，似乎美食也能称之为艺术。我认为人类的理想便是自由和平、幸福、爱与被爱！可以用诗歌去朗诵，也可以用艺术去展现。我们不是不懂艺术，是缺乏一颗欣赏美的心灵！

　　每本书的后面还附录了艺术家文学家佚名原名对照表，我大致看了一下，大部分都没听说过，可见自己的艺术底子是多么的薄啊。要加紧补课了！但是对于以后看到某些作品时能联想到作者还是有所帮助的。

　　艺术，种类纷繁，科目众多，大到社会，小到生活，几乎充斥着我们生活的每一个角落，这套书是一套值得收藏的套书，里面的知识如果能慢慢消化，不仅可以提高我们的知识面和气度。同时也教会了我应该做生活的创造者，实践者，守护者，学会去发现美，去展现美！

　　究竟何为艺术？我想，应该没有一个准确的定义。正因为这样，所以也就留给了人们极大的想象空间，任人们在想象中自由的驰骋，也许，这就是艺术真正的魅力所在吧！

　　《艺术哲学》读后感(八)：腹有艺术气自华

　　《艺术哲学》一套五册，分别是《艺术品的本质及其产生》《意大利文艺复兴期的绘画》《尼德兰的绘画》《希腊的雕塑》《艺术中的理想》，是伊波利特阿德尔夫丹纳的讲课稿，由傅雷翻译。全稿翻译历经了三十年，从1929年至1959年，正因为其精雕细刻的匠气，使时隔了近60年之后，仍然不失为一本优秀的艺术概论。我想，作为读者，看到这洋洋洒洒的五大册，内心是怵的，不过一旦你跟随了丹纳的叙事逻辑，就发现不仅有趣，而且有料。书的体制是夹文夹图的，文字方面简约但不简单，对文艺现象有着独到的见解，指出了什么是艺术，什么是艺术的方向，对具体的艺术形式如绘画、雕塑指出了其成功及不足之处，而且为了避免说教的枯燥，几乎每隔两三页就出现一幅名画，不仅如此，对名画出名之处作了画龙点睛的解释。

　　每册书都有一页，暂且定义为“开场白”，如第一册《艺术品的本质及其产生》中提及“我开始讲课的时候，先向你们提出两点要求，第一是集中注意，第二是你们的好意，这都是我极需要的”突出的是丹纳的博学与谦虚，联想到当下，我们对于艺术的学习，不能是人云亦云，更不能附庸风雅，把艺术当作自己的标签，就像穿着绫罗绸缎一样展示自己的高人一等，其实艺术对于学习者品行要求是极高的，你只有热爱才能有兴趣，也只有兴趣才能保持长久的注意力，才能学有所成。

　　虽然不是严谨的艺术史，但对于国人而言，西方艺术家的生平我们多半不了解，译者傅雷特辟了章节，对艺术家文学家译名原名进行了对照，这种方式有效地纠正了读者一边看正文一边看注释的不良习惯，把读者的关注力集中在艺术理论的叙述上，而不是对艺术家姓名与生平的识记上。

　　艺术品的本质不是孤立的，一方面是指欣赏艺术品要有总体的观念，不要过分执迷于色彩、结构之类，而要从色彩与结构的组合中洞察创作者的思想与品位，另一方面是指艺术家属于一个特定的时代，正如经济基础决定上层建筑的理论一样，他不可能超越所生存的时代，作品是对现实的主观反映，现实是“像”，艺术作品是“镜”。

　　丹纳受到自然科学界的影响至深，无时无刻不在影响着其艺术观，他从意大利绘画、尼德兰绘画、希腊雕塑中引发的议论，完全是基于达尔文的进化论，而且通过自我觉醒与比较研究，丹纳最终将艺术的性格与定位归纳为种族、环境与时代三个主要方面 ，继而在每种艺术形式中都提出了主要特征与次要特征。丹纳同时还认定了艺术欣赏并不是一个仁者见仁、智者见智的过程，而是将若干个欣赏者的结论归纳提炼到一起，就能形成一个较为固定、较为统一、较为客观的评价，如同当代的大数据，在样本充足的情况下是可以得到艺术创作与欣赏的规律。

　　丹纳认为艺术的诸多形式是相通的，但是他的能力有限，相对而言只能对具有模仿性质的雕塑、诗歌、绘画有着独到的见解，而对于音乐、建筑则涉猎不多。模仿不是艺术所要追求的，但是模仿却是艺术的起步，任何一位作家都有其成名作，而成名作与处女作的区分除了技艺的高低，还有思想认识的深浅，“像”与”不像”对于初学者很重要，但是对于功成名就者而言，就是一种束缚，他需要超脱需要提升，把内心的情感倾注于作品中，从而赢得与受众的互动与共鸣。无论是文学作品，还是绘画作品，创作者有充分的特征选择自主权，师承只是告诉他应该表现什么、怎么表现，而没有对为什么表现给出确切的指引，相对于“一千个读者就有一千个哈姆雷特”，创作者所表达的完全是内心的体验，只是读者，无论当时代的还是后世的，对于回到创作者所在的时代是无能为力的。

　　丹纳心中的文艺复兴，具有划时代的意义，不仅名家辈出，而且风格类似。丹纳以山坡上的葡萄园为例，说最好吃的葡萄只有两三株，而绝大多数 葡萄由于受到泥土的性质、小山的屏障、水源的供应等因素影响而没有产生令人称赞的美味。文艺复兴之所以在意大利兴起，源于这儿远离政治斗争，少受战火，更源于当时的创作者拥有着较强的动手能力，从金银细工和雕塑中了解了隆起的肌肉、弯曲的线条以及骨头的接榫，他们要展示的是健康、活泼、强壮的人体，而不是那些风景。在他们的笔下，风景是对人体的陪衬，人才是自然界的主人。先一个时代，艺术尚未成熟，后一个时代，艺术已经衰落！

　　如果说意大利艺术所代表的是拉丁民族，那么尼德兰则是日耳曼民族艺术的源泉，丹纳指出一位合格的近代艺术史研究者，必须拥有辩证的观点，对拉丁民族及日耳曼民族的融合与背离要做到全面、深入的理解。他定义的日耳曼人缺乏健全的头脑、完美的理智，但正因为如此，他们显得更安静更慎重，对快感缺乏追求，对内容的倾向性胜于形式，因此在艺术史中日耳曼人占有很重要的一席之地。正同一植物的几颗种子播在气候不同、土壤各别的环境中，任由它们自由生长，他们必然在时光的推移下产生不同的变种，如果气候与土壤的差异性越强，则此后的走向更是不可估量，而作为一位追求统一性的欣赏者而言，他需要的是包容与理解，而不是指责与嘲笑。须知，要了解与爱好绘画，我们的眼睛需要对形体与色彩极度的敏感才行，如果不经过刻苦的学习与持久的练习，是无法在创作者与受众中产生同频共振的，这就是德国与英国没有产生一流绘画的原因，因为他们太理性、太冷酷、太执着。相对而言，尼德兰则显得感性、温柔、和善一点。

　　丹纳心中艺术史最辉煌最独到的时代是希腊一派，而代表希腊的特色不是绘画，而是雕塑，客观原因是古代绘画在时代的推移下湮灭了，留下来的只能是风吹雨打不变型的雕塑，主观原因是一代时代的特色不可能平均分布到所有的艺术形式，就像我们提及唐朝，是诗，提及宋代，是词，并不是说宋代没有诗，而是在与词的对比下，诗显得过于单薄。即使是把雕塑作为古希腊文明的象征，但我们也必须冷静地看到，保存下来的古代雕塑与毁灭部分相比是多么微不足道，只有朱诺的头像、朱庇特的头像可以作为当时当世巨型雕像的推测依据。地图上的希腊是一个三角形的半岛，以欧洲部分的土耳其为底边，向南拓展，直入海中，这特殊的地理位置去孕育了那么早慧那么勇毅的民族，与地理位置相关联的是那儿的气候，天气温和宜人、冬无严寒，随之而来是生活的安定、生产的发展，一切都变得顺理成章，那么对于古希腊人而言，唯一值得费心费力的事情 就是点亮思想的 火花，建成艺术的殿堂。

　　艺术中的理想不是“大而全”的，而是“小而精”的。当创作者谈到理想，必然充满情感，他能想象到的意境是线条与色彩无法表达的，那么理想的诞生正生逢其时，或者指尖轻轻地接触，或进合着双手，以理想的符号去洗涤自我的内心。艺术品与现实最显著的区别，就在于前者可以抓住最基本的或者最显著的特征，而不是像实物那般将特征融入到一团浑沌之中。当特征移植至艺术品之后，特征不再是可有可无的符号，相反将成为艺术品中最有意义 的价值所在，艺术品创作者从来不可能寄希望于特征的某个方面来充分表达理想，而理想的表达是众多艺术特征共同努力的结果，丹纳所揭示的“效果的集中”理论，在所有的艺术形式中都得到了积极的验证。

　　《艺术哲学》读后感(九)：于闲暇处 品尝艺术之美

　　知道傅雷，还是初中语文课的时候，老师和我们讲《傅雷家书》，那时候傅雷在我心中一直是个合格的父亲形象。后来了解之后，对于他深厚的文学功底和艺术修养深感佩服。从小对艺术有着莫名的执着的我，家中一直没能有人带着我领略艺术的美，一直是我一大憾事。每次刷手机的时候，都会不自觉的去看相关内容。惭愧的是，我始终没能深刻理解艺术的美。随处乱逛的时候，看到了这套由化学工业出版社出版的《艺术哲学》。

　　书的封底有着傅雷曾在《傅雷家书》中曾写道的：比如丹纳的《艺术哲学》之类，若能彻底消化，做人方面，气度方面。理解与领会方面都有进步，不仅仅是增加知识而已。这为我这类想学习艺术知识的人无疑是打了一定强心剂。

　　丹纳，法国著名的文艺理论家和史学家，历史文化学派的奠基者和领袖人物，被称为“批评家心目中的拿破仑”。这套《艺术哲学》是丹纳在巴黎艺术学校讲课时讲稿的辑录，也是丹纳最重要的文艺理论著作，集中体现了他的文艺理论思想。

　　整套书包括五本《艺术品的本质及其产生》《意大利文艺复兴期的绘画》《尼德兰的绘画》《希腊的雕塑》《艺术中的理想》。整本书是用我最爱的线封装订的，可以直接平展开来，方便我们阅读。质感超好的纸张，看着就赏心悦目。封面也是按照主题选择适合的图片，插图穿插文字之中，让你更深刻的理解文字内容。书后还根据每本不同的主题内容附赠了艺术家文学家原名译名对照表，书中的译注不仅可以帮助我们了解相关的艺术家，还能学习很多西方文化历史，真的获益颇多。整套书看得出来是用心制作的。

　　看完全套书之后，对于我这种业余爱好者都有着非常大的启迪。更棒的是，不同于教科书式的枯燥无聊，以深刻见解讲述，读起来轻松愉悦。五本书有着不同的主题思想，但是共同的一点就是政治的风波是会影响艺术的发展的。接下来就我个人所学到的知识与大家分享一下。

　　一.《艺术品的本质及其产生》：什么是艺术，我们又该如何去理解艺术。

　　一件艺术品，属于作者的全部作品，艺术家本身，连同他所产生的全部作品，也不是孤立的。艺术家庭还包括在一个更广大的总体之内，就是在他周围而趣味和它一致的社会。要了解一件艺术品或是一位艺术家，必须正确地设想他们所属的时代的精神和风俗概况。某种艺术是和某些时代精神和风俗情况同时出现，同时消灭。书中以希腊悲剧，哥特式悲剧，荷兰悲剧，法国悲剧为例进行了详细地讲解。

　　其实一段艺术的衰落是最让人心痛的，刻板的语言，学院派的文体...在这些重重束缚之下的思想是得不到发展的。就如我国的文字狱和八股文，看起来为了文化，其实反而禁锢了文学艺术的发展。同时，艺术需要模仿，但是一味的模仿是起不到作用的，只会局限你的发展。艺术应当力求形似的是对象的某些东西而非全部。

　　一件艺术品的本质在于把一个对象的基本特征，至少是重要的特征，表现的越占主导地位越好，越显明越好。我们所熟知的断臂的维纳斯，她虽残缺了双臂，但是这不影响她的美，反而更衬托出了她的完好无损。残缺的美，更显出她高贵典雅的形象，那个纯洁美好的女神形象。

　　二.《意大利文艺复兴期的绘画》：更深刻详细的了解意大利的绘画文化。

　　这本对于喜欢意大利的艺术文化的朋友一定是件幸事。从意大利绘画特征到形势都进行了详细的讲解，对于想要了解意大利的朋友超级有益。

　　意大利被称作是最了不起的创造，出现了许多成就卓越的艺术家。意大利画派不重视风景画，虽然也会去画，但是是作为装饰出现。意大利文艺复兴期的画家创造了独一无二的种族。艺术是随着才能的变化而变化，才能在一个时代的结束，预示着在一个时代的开始。那么同样，才能朝着一个方向的发展，艺术也会朝着这个方向发展。

　　一个人人能够欣赏和制作第一流的绘画，有三个必要的条件：有教养，绘画的才能和学识，平衡的精神。这个倒是与我们现实社会很多时候是一样的条件。首先有教养，一个只知道田地耕种的人，或者只知道颓废生活的人，是不会去了解形式的美和色彩的和谐。他需要知道修饰与欣赏是怎样的，该如何去点缀生活。其次，才能和学识。他要求的不仅是你欣赏或是鉴别一件事情的能力，更重要的是你如何去把握一个度。怎样才是合时宜，进退得当。最后，精神的平衡。不是说只对少数东西有涉猎，而是有一个总括的观念，一套包罗万象的哲学。这三个条件，看似简单，但是对于现在的我还是很困难的，未来还需更努力学习。

　　三.《尼德兰的绘画》：形成的永久原因和历史历史时期

　　尼德兰：包括今荷兰，比利时及卢森堡的全部，也即包括除法国各州以外的全部佛兰德斯地区。老实说，尼德兰的文化对我来说几乎算是陌生的，我好像很少接触过相关文化。整本书里我印象最深刻的应该是拉丁民族和日耳曼民族的对比。比如，拉丁民族喜欢形式，日耳曼民族喜欢挖掘事物的实质。拉丁民族的文学是古典的，而日耳曼民族是浪漫的...书中对这些不同进行了深刻的讲解，我就不多赘述了。除此之外，也让我对于听说已久的巴洛克风格有了更深的理解。

　　在表现人体方面，意大利和尼德兰是近代两个独创的重要宗派，感兴趣的朋友可以看看本书，更深入的了解。

　　四.《希腊的雕塑》：更普遍完美，更全民性的艺术

　　希腊对我来说应该是接触最多的，从小开始就喜欢看古希腊神话，也会有意识无意识的接触到希腊的文化。作为最大的艺术家，他们性格中三个特征至关重要：第一个，感觉的精细，善于捕捉事物的微妙关系完美联合内在。第二个，力求明白，强调明确而不是模糊，让所有人都可以了解。第三个，对现实生活的爱好和理解。不浮夸的文体，健全的人物，紧凑的体裁，都是得益于这三个特点。希腊的艺术，舞蹈，建筑都是值得欣赏的。书中也对此进行了详细地讲解。

　　五.《艺术中的理想》：艺术理想的等级与艺术特征的重要性

　　在这书中印象最深刻的当属这句话了：表现肉体的的艺术，最有益的是健康，生气蓬勃的健康。健康的身体这一点真的到哪里都通用。日常生活中，健康能为我们工作生活带来便利。而在艺术中，健康的身体也能为绘画带来更好的美的观感。丹纳在书中提到过，艺术家先构成观念，再按照观念改变实物。这本书中也非常细致的分成几部分讲解了。

　　亚里士多德曾说：视觉是人类最高贵的感官。眼睛会为我们的生活带来很多美好的事物。学会用眼睛去理解，欣赏这些美好的事物是一件幸福的事情。

　　学识渊博的原作者丹纳，优秀翻译能力的傅雷，精美的书籍制作，都让这本书具有非常大的收藏价值。但是，其中最重要的是内容。真的能够让你学到了很多艺术知识和历史文化。作为一个小白的我，现在看到一些绘画作品或是其他艺术品的时候，也开始慢慢的提出了我自己的见解，从这套书中真的收获良多。当然，这套书也绝不是翻一次就可以束之高阁的，丰富的知识，让你可以随时翻阅，并且体会到新的感觉。最后，书中内容知识很多，大家可以做好笔记慢慢消化。

　　《艺术哲学》读后感(十)：让人看的如痴如醉的艺术评论——《艺术哲学》

　　我一直都觉得自己看书速度很快，虽然不说一目十行，一目三行大约是可以做到的。但是读这本傅雷先生的译作《艺术哲学》的时候，看的真是慢极了。一字一句，眼睛都舍不得离开。真的是字字珠玑，句句珠玉。

　　大约我是学习美术的关系，每次书里写到丹纳描述一件具体的艺术作品的时候，都忍不住反复把文字图片对照很久，以揣摩文字的汉字，艺术品的表现和译者的理解。是的，看这本书的时候，不光是读者和作者丹纳的对话，旁边更是有一个傅雷先生，在你身边替你讲解，把这些艺术流派，风格娓娓道来。

　　这套《艺术哲学》分为五个部分，分别是《艺术品的本质及其产生》《意大利文艺复兴期的绘画》《尼德兰的绘画》《希腊的雕塑》《艺术中的理想》，。这五本书基本上把艺术的基础流派全部都归纳的整整齐齐。这套书本是伊波利特阿德尔夫丹纳的艺术哲学课的内容，归纳成册，便是极好的艺术史和艺术评论。

　　丹纳，法国文艺理论家和史学家，历史文化学派的奠基者和领袖人物，实证主义的杰出代表。曾任巴黎美术学校美术史和美学教授，他的艺术哲学对19世纪的文艺研究产生了深远的影响。

　　傅雷，翻译家、作家、教育家、美术评论家，中国民主促进会的重要缔造者之一。 早年留学法国巴黎大学。他翻译了大量的法文作品，其中包括巴尔扎克、罗曼·罗兰、伏尔泰等名家著作，这套丹纳的《艺术哲学》经傅雷先生翻译之后，再也没有其他的译本了。翻译水平之高，至今无人能出其右。

　　这套书的第一册，或者说首先看的应该是《艺术品的本质及其产生》。

　　丹纳首先阐述了一个可以说是全书最重要的观点。当我们看一件艺术品的时候，常常是单独的去欣赏。比如达芬奇的《蒙娜丽莎》，莫奈的《莲花》等等。我们往往会惊叹这些艺术品的美丽和艺术家的天才。但是丹纳让我们把眼界打开，让我们看到和这些著名的艺术家同期的那些并不太为人所知的艺术家们，你会发现他们的艺术风格会出现惊人的一致性。而你熟悉的那些天才们只是其中成就最高的那一个。

　　这就带来了一个理论。对于艺术品，我们可以不止欣赏艺术品本身。眼光放到这件艺术品产生的年代和周围的环境，就会发现这件举世闻名的艺术品出现简直是必然的。它是一个时代的产物，并不是艺术家偶然的灵光一现。

　　气候、农业都可能会影响艺术品的风格。因为艺术品最终是由这些农产品养活的艺术家们创造的。他们靠自然环境为生，收到了大地的滋养，反刍了文化，并且由一群这样的人奠定了这个时期的艺术风格，并流传到了后世。

　　艺术品的本质又是什么呢？

　　当事物的某一个特征打动了人们，人们想把它记录下来。但是这种打动人的特征可能是辅助于事物存在的。于是艺术家们会加强这种特质而成为艺术。

　　所以我们看中世纪的一些绘画的时候，会很郁闷怎么那时候的女人都长的如此的丰腴。而这正是说明那时候的丰腴是美的，经过了艺术家们的放大滤镜。变成了一种基于事实的但是高于事实的美感。

　　看完第一本已经对丹纳像手术刀一般剖析艺术品的理论折服了。他把艺术和科学理论一结合，虚无缥缈的艺术变成了一种可以够得到的实质的学科。而傅雷先生信达雅的文字又给这种理论增加了一种古典的美感。虽然几乎是纯理论的书。但是学美术的我看的真是如痴如醉。

　　第二本我看的是《希腊的雕塑》

　　为什么先看这本，因为我在各大艺术品中对雕塑还是情有独钟。尤其是雕塑的始祖，希腊风格的雕塑。希腊美学可以说奠定了后世的审美，是一切美学的基石。美术生都对希腊的雕塑特别有情节，是因为从开始学素描，希腊的雕塑风格就已经开始刻画在美术生的血液中中。

　　希腊的雕塑是以健美，裸体著名的。每一个雕塑的人体都几乎是完美无缺的个体。他们无惧于裸露身体。每一个身体部位都一视同仁。丹纳没有从雕塑本身来阐述美学。他从希腊的地理位置，历史风俗才阐述了希腊雕塑形成的原因。

　　希腊因为是靠近海的关系，风景极美，物产极贫乏。导致了人物的精神食粮远远的大于物质食粮。于是整个民族都呈现出一种艺术的，轻盈的状态之中，仿佛只喝露水的仙人。他们善于学习和计算，追求精神的升华。古希腊的哲学家比其他的民族的哲学家多的多。著名的柏拉图与亚里士多德就诞生于这个时期。

　　他们的民族精神都聚集在了体育与舞蹈之中。体育锻炼了希腊人的体魄，舞蹈不仅陶冶了他们的情趣，也锻炼了他们的纪律。所以说希腊人是天生的军队。生下来就是为了打仗而存在。著名的斯巴达人就是其中的翘楚，直到罗马人来临。所以希腊的雕塑受到这样的感染，每一件作品都是那么的英武和健美，体态轻盈飘逸，从希腊的雕塑和建筑中能看到早期希腊人的历史和艺术成就。

　　第三本是《意大利文艺复兴期的绘画》

　　意大利的文艺复兴是世界艺术史上的一个奇迹。历史和文化在某一个点出现了交汇，诞生了一种战乱与稳定，华丽与奢靡，宗教与言论自由的时期。在这个时期因为封建社会与近代社会相接，于是思想上也出现了极大的一种解放。艺术品虽然也有很多依然是以宗教和神话为题材，却也明显的接地气了很多，神不再高高在上，让人仰视，而更多的出现了脂粉气。

　　这样的时期，人的创造力的想象力得到了极大的发展，几乎人人都是设计师，艺术家。所以现在的我们惊叹达芬奇不仅仅是一个画家，还是一个机械建造师，设计师等等诸多技能于一身。而达芬奇在那个时期并不是一个特例，这种会十八般技能的人在那时候比比皆是。人人仿佛在这种喷射绽放的时代爆发了无穷的力量，达到了一个人所能做到的极限。

　　但是历史能带来这种文化爆发，也能带走这种创造力。所以仿佛只经历了灿烂的一代人，这种繁华的文化便趋于枯萎。大师的继任者们都普遍失去了这种力量。想要重现这样的盛世除非这样的历史重现。

　　第四本选的是《尼德兰的绘画》

　　说实话，这本描述日耳曼民族美学的部分，我看的并不是太懂。日耳曼民族我们印象中就是德国的严谨，精确。这样的民族似乎与艺术格格不入。然而日耳曼民族曾经出现过十分艺术的一段时期。我们熟悉的伦布朗和维梅尔就是其中的代表。维梅尔代表作《带珍珠耳环的少女》，其中就能看出，尼德兰的美学风格很明显的区别于希腊完美神族艺术和文艺复兴时期的热烈的风格。这一时期的艺术风格更趋向于平民化，探索底层人民的状态。

　　这种风格和当时的政治文化平民化石分不开的。这个时期的画作颜色阴沉，尤其是伦布朗的画作常常就是黑漆漆的一团，用阴暗的底色来凸显脸部的光。维梅尔的画作更柔和一些，但也是十分的朴素，对细节要求十分的高。从这一点能看出日耳曼民族从古至今的严谨性。

　　《希腊的雕塑》、《意大利文艺复兴期的绘画》、《尼德兰的绘画》是丹纳为了证明第一本《艺术品的本质及其产生》中的结论而找出的三个著名的绘画风格，无一不是证明了丹纳的论点：艺术品不是孤立的产生，而是伴随着社会的进程与人文的观念。

　　在最后一本《艺术中的理想》中，丹纳又反复的重复了这个观点。看完这几本书之后，乍然一看，似乎丹纳说的并没有错。但是思及前言之中，傅雷先生的观点：丹纳的研究与理解虽然有他自己的道理，但是丹纳是从社会发展的表面现象来推理了这套理论，他并没有看到社会内在的生产力发展与生产关系的改变。所以得出的结论未免有一些的偏颇，而且采用的论据基本上都是对自己的论点有利的案例。但是在研究上，这一点偏颇并无可厚非。

　　不得不承认，丹纳的这一套艺术的产生理论是有事实根据的，艺术家也是社会动物，经由社会影响而产生的艺术品不免会收到社会动荡的影响。这套理论实在是艺术生必看的一套佳作。

　　最让我感动的还是傅雷先生的翻译，不仅流畅而且文辞优美，读起来完全没有外国作品的生涩感。即使是纯理论，也能让人看的津津有味，欲罢不能。这一版的配图也是十分的精美，和文字结合起来看，更能理解画作风格，更能领会文字的意义。