《听音乐（全彩插图第11版）》经典读后感10篇

　　《听音乐（全彩插图第11版）》是一本由[美] 罗杰·凯密恩 / Roger Kamien著作，后浪丨北京联合出版公司出版的精装图书，本书定价：350.00元，页数：614，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。

　　《听音乐（全彩插图第11版）》读后感(一)：从这里进入古典音乐的花园

　　古典音乐，至少其中最为伟大的作品，可以和人类其他优秀文明成就比美而毫不逊色。《马太受难曲》《第九（合唱）交响曲》《尼伯龙根的指环》……这些作品，其思想之深邃，境界之崇高，技巧之精湛，都足以巍然屹立于人类文明的巅峰。你可以只看肥皂剧而拒绝《第七封印》，你可以只读网文而躲开《卡拉玛佐夫兄弟》，同样，你也可以只听流行歌曲而不听《第九（合唱）交响曲》；然则这样的话，你便失去了领略人类文明的最高成就、与文明史上最伟大的灵魂对话的机会。更何况簇拥着这些伟大作品的，还有一大批或许成就上略逊一筹，但同样精彩、同样迷人的作品。它们或则优美，或则哀怨，或则雄壮，或则低回，而都能给我们带来妙不可言的聆赏感受。

　　因此，我们应该把聆赏古典音乐，作为日常文化生活的组成部分，作为接触伟大心灵、丰富自身情感的重要途径。

　　但另一方面，古典音乐往往规模庞大、技巧精深，加之作曲家所赋予的深刻思想与情感，因此不像流行音乐那样易于入门。故而如何帮助有志聆赏古典音乐的初学者顺利入门，向来是音乐教育方面的重要课题。概言之，古典音乐入门，大抵可循“循序渐进”和“耳濡目染”两种方式。

　　余生也早，在文革结束时的文化荒漠之中开始聆赏古典音乐，遂不能不采用耳濡目染的方式。那基本上就是充分利用能找到的任何作品反复聆赏，在自己身边制造出古典音乐的氛围，逐渐熟悉、亲近之。这种方式自然而无压力，但亦有效率较低的缺点，需要聆赏者保持对于音乐的长久热情。在学习与生活节奏极快的今天，人们宁愿采用循序渐进的迅速入门方式，借助课程、讲座等手段，在较短时间内掌握聆赏古典音乐的基本知识和习惯。使用音乐欣赏类图书，也是便捷高效进入古典音乐世界的好办法。

　　罗杰·凯密恩所著《听音乐——音乐欣赏教程》，即是引导有志聆赏古典音乐的读者入门的优秀读本。凯密恩本人也是钢琴家和音乐教育家，曾师从演奏贝多芬作品的权威阿劳学习钢琴，也有在大学教授音乐欣赏课程的丰富经验。他的音乐欣赏教程《听音乐》，2015年已经出到第11版，可见其在西方世界受欢迎的程度。后浪出版公司继2008年出版此书的第6版中译本后，又推出此书第11版的中译本，且按照原书开本与版式制作成全彩插图版，将该书做成一部不折不扣的精品。

　　在本书第一部分末尾，作者引用美国作曲家科普兰《怎样欣赏音乐》一书中提出的聆赏音乐三阶段说，即美感阶段、表达阶段和纯音乐阶段：

　　在美感阶段，听众沉迷于音响之中，纯粹为了音响的趣味和美感而听。……在表达阶段，听众寻求音符背后的意义。……在纯音乐阶段，听众为理解音乐作品对音乐元素的独特处理，即如何运用与整合音乐元素而聆听。（第72页）

　　如果说这三个“并非互不相容”的阶段约略能表现聆赏技巧和能力的逐渐提高，则《听音乐》一书的编写原则，大体上可说是引领读者进入美感阶段，训练读者熟悉表达阶段，并在一定程度上为帮助读者达到纯音乐阶段做准备。

　　基于这一原则，作者对此书的设计颇具匠心。从结构上说，此书与其他同类著作并无大差别，都采用基本乐理到音乐史诸流派的模式；然而作者选取的作品，如巴赫《第三组曲》、康塔塔BWV140，亨德尔《弥赛亚》“有一个婴孩为我们而生”，莫扎特《唐璜》“让我们手拉手”，柴可夫斯基《罗密欧与朱丽叶幻想序曲》，勃拉姆斯第三交响曲的第三乐章，都是优美动听且初学者易于接受的曲子。加之作者设计了“作品导聆”部分，提供这些作品的音频供读者下载欣赏，便于读者直接接触这些充满美感的优秀作品。

　　当然，作者并无意让读者停留在聆赏的美感阶段，他分布于全书的“作品导聆”，最重要的意义即在于提供循序渐进的训练，以帮助读者熟悉聆赏的表达阶段。这实在是本书最有价值的部分。作者把他选取的作品分成段落，详尽描述每一段落的音乐要素，为读者把握相关作品“音符背后的意义”给出提示。他的导聆，涉及演奏乐器、速度和力度、所抒发的情感，亦涉及作曲家的意图、技巧和乐曲的象征意义。若能认真阅读作者的导聆，同时反复聆赏给出的音频，相信读者在聆赏时会有一种耳目一新的感受，会对于作曲家的音乐语言有全新的理解。

　　至于聆赏音乐的纯音乐阶段，要求读者具备深刻的音乐知识和相当程度的音乐分析训练，显然不是本书的重点。然而古典音乐不是专业人士的专有物，无需先学得高深的音乐理论才有资格聆赏。另一方面，作者也在全书的第一部分，对聆赏音乐必需的音乐理论做了通俗介绍；在参考书目里亦推荐了查尔斯·罗森等人更加高深的音乐分析著作。从这一意义上说，本书既有似于古典音乐的一座花园，又类似提高聆赏境界的桥梁：你固然可以循着桥梁走向纯音乐欣赏的境界，然而满足于停留在聆赏音乐的表达阶段，也未尝不可。这里的境界同样妙不可言，同样会令你流连忘返。（《听音乐——音乐欣赏教程》全彩插图第11版，罗杰·凯密恩著，韩应潮译，后浪出版公司2018年7月）

　　《听音乐（全彩插图第11版）》读后感(二)：耳朵知道

　　去年十一月我听了一场音乐会，演奏的是穆索尔斯基的《荒山之夜》和其他几首俄罗斯民族乐派的作品，演奏乐团来自英国伦敦。我买的票是便宜的“前半区”票，位置在乐团右侧，靠近低音提琴和管乐组的方向，看上去离乐团最近，但是从聆听体验上来说，会有细微的差别，某一组乐器的音量会在某些时候变得失衡。

　　音乐会到了下半场，我俯身在栏杆上趴着，注意到两把巨大的低音提琴发出的拨弦声，这是我第一次非常清晰地听见“通奏低音”的旋律线。在整首音乐作品中，通奏低音通常作为和声中最稳定、最不易被发现的声部出现。我突然想到德国小说家聚斯金德的短篇小说《低音提琴》里，一个拉低音提琴的中年男人的抱怨：

　　“低音提琴是一个两性人，它的下身像一把很大的小提琴，而它的上身却犹如一把古代的嘎巴琴。低音提琴是有史以来人类发明的最丑陋、最笨拙、最无风度的乐器。有时候我这真想干脆把它打烂、锯开、砍小、劈碎，碾成粉末喷撒，装入一个木质的气化箱里，让它彻底消失！——是的，我的确不能说，我很喜欢它。它太难拉了，拉三个半音时要把整个手都张开，而且只是拉三个半音！”

　　想起来就忍不住笑。但是又觉得蛮心酸。我平常自诩为“爱乐者”，喜欢拉小提琴，但哪怕是在“弦乐家族”里最醒目的低音提琴，我也并没有了解多少，更遑论键盘乐器和木管、铜管乐器。有关低音提琴有些规矩，比如小孩是拉不了低音提琴的，一般的低音提琴手都是在快成年的时候才接触到它；低音提琴不喜欢雨天，不喜欢冬季，所以必须进行严格的恒温处理。

　　后来我想，国内对古典音乐的普及似乎恰恰漏了最基础的部分，乐器本身的“偏好”和它独特的音质、个性，直接跳到了像一个乐评家一样评论某个音乐家弹得如何，乐感如何，和乐团配合如何。实际上有点主次颠倒，而且也会让古典音乐里的“人”变得太过重要。如果听众能更了解乐器，比如钢琴踏板的使用，小号发出来的声音是怎么样的，或者为什么会有低音提琴这种蠢笨而看上去又没有什么用这样的问题，就能辨识出它们如何互相模仿、轮着唱主角、相互烘托，乐手如何驾驭它们，从而更好地欣赏音乐。

　　最近这一个月，每天晚上我都看一点《听音乐》。介绍乐器家族每一个成员的第一章，我读的时间最长，书上配套的音乐作品用手机可以直接听，最好的是它很精确地标上了几分几秒是“圆号独奏”，旋律如何进入，到了几分几秒变成“乐队全奏”，主旋律在哪里，哪种乐器在后面加入。这本书的精华就在“听”，以及如何“听”。

　　这种对作品的音乐分享和分析，比起乐理层面的分析，哪里“用不协和和弦营造出紧张、悬疑的气氛”这种，要更适合普通的爱乐者。大多数爱乐者在去现场听交响乐团的时候，其实很难注意到每种乐器各自的旋律线和出彩的部分，而着重于整体听感。对我说来，如果能够听出木管乐器里长笛的清脆婉转，以及双簧管在弦乐器后悄悄模仿，是更有意思也更训练耳朵的。

　　《听音乐》这本书的体例也很有趣，除了常规的“中世纪”、“文艺复兴时期”“巴洛克”、“古典主义”和“浪漫主义”外，它还介绍了“20世纪以后的现代音乐”，“爵士乐”，“电影与歌剧配乐”，“摇滚乐”和“非西方音乐”。我个人非常喜欢爵士，尤其是新奥尔良风格的爵士，会让我想起《教父》第一部里影片开头举行的那场欢乐宴会，还有《猫和老鼠》里面逗趣打闹的场面。一本关于严肃音乐的书，如果能带入你的个人记忆，让你回忆到某些和音乐本身毫不相干的场面，就会更吸引人。

　　新奥尔良爵士只要一放出来，会让所有的人想跳舞。它是那种蕴含着幽默、乐观和自由的音乐；每一种乐器都有展示自我的机会，一首歌曲中萨克斯、小号、单簧管、班卓琴和鼓轮番独奏，其他人自由伴奏；在乐队全奏的时候，每一种乐器会同时即兴演奏几条不同的旋律线，这种集体即兴是新奥尔良爵士最特别的地方。美国作家托尼·莫里森曾经写过一本书叫《爵士乐》，这本小说里，每个章节如同一种乐器，它们同时发声，诉说不同的情感，给你一种奇妙的感觉：视角在自由流动，声音在不断变换，合成了一个故事。这个故事不要求你理解它，只要求表达自身。

　　我看《听音乐》是跳着看，专拣自己喜欢的章节看。“爵士乐”这一章确实出乎我的意料。可能因为作者罗杰·凯密恩本人是美国人，对于美国风格的音乐品种非常熟悉且津津乐道。不看这一章，我只大概了解爵士乐里分拉格泰姆，蓝调和新奥尔良风格，对于什么是“比博普”、酷爵士和爵士摇滚就很茫然了。但是正如书中所说，不论风格和流派如何多远，爵士乐最重要的底子仍然是自由和即兴。

　　二十世纪后的音乐风格和前面几章的古典音乐相对照，会发生有趣的映照。美国的音乐家在做音乐教育这一块，我其实特别佩服。因为他们非常重视基本乐理的普及和对乐器特质、表演心理学的研究，通过不断训练听感和分析能力，让学习音乐变成一种建立在理解层面上的热爱。希望以后国内出更多像《聆听音乐》这种音乐普及书。

　　《听音乐（全彩插图第11版）》读后感(三)：去魅能手凯密恩

　　记得不久前，我和我的豆瓣友邻刚进行过一次关于“音乐是否可说”的讨论。我的几位专业音乐家朋友，认为音乐根本没有被阐释的必要。作为一个学音乐学的，这种观点不啻让我的饭碗受到威胁。于是我心血来潮写了一篇裹脚布日记，中心意思是我认为音乐可说，且可说的部分并不比不可说的部分少（裹脚布戳此）。然而，按现下流行的趋势看，我的立场非但算不上新颖，简直有废话之嫌。铺天盖地的公众号文章、层出不穷的知乎大V、无数“教你如何听懂古典音乐”的线上课程……其中不乏讲者的个人表演膨胀得比音乐本身还大的。总而言之，音乐看上去非但不是没人说，而是信息溢出，塞得人耳朵脑袋都要爆炸了。

　　在无数人对“说音乐”进行的尝试之中，凯密恩的《听音乐》（及其配套的线下课程）是目前我个人认为最好的成果。他把音乐“可说”的部分以最经济有效的方式全部讲明了。本书前五分之一关于音高、节奏、和声、调性等音乐参数的讲解对于爱好者来说极为友好。例子全部是耳熟能详的儿歌，配合扫二维码听音响，了解这些让人望而却步的“专业知识”甚至都不需要识谱。

　　书的后五分之四是音乐史的内容。不过凯密恩完全没有把书做成“xx通史”的野心，他对于作曲家和作品的选择首先取决于它们出现在演出和唱片中的频率，而非全凭历史地位。所以巴洛克时期直接从蒙特威尔第开始；20世纪有格什温和巴托克，但没有约翰凯奇和施托克豪森。在书写“历史”时，某时期音乐总体特征的总结永远安排在详细的名曲导赏之后，这使得音乐史化身成为作品的历史，并且在最大程度上避免了读者死磕音乐史后一堆概念和具体音响匹配不上的尴尬。

　　每章之后的“课堂之外” 为读者平时的聆听实践提出了一系列引导性的问题。我尝试用相似的办法对我的学生进行聆听作业“布置”，效果良好。毕竟，主动地带着问题找答案远比被动接受要高效。

　　当然，书中也存在着某些“不平衡”，比如20世纪部分对于美国作曲家有明显的侧重。然而对于一门脱胎于美国大学线下课程的教本而言，这根本无可厚非，而且并不影响读者在读完全书后对于“经典-古典音乐”文献有一个全局的了解。

　　古典乐的普及工作我本人也干过好几年。我一向主张要对音乐“去魅”，没必要的神秘感要用知识去补足，这样才会无限接近音乐真正的“魅”，也就是那“只可意会”的部分。对于想要“揭开音乐神秘面纱”的爱好者，《听音乐》极为经济、高效和靠谱。译者韩应潮是与我同专业的前辈，亦是中国目前翻译速度最快（由翻译速度第二快的schonne老师钦定）、质量最好的译者。

　　总之，希望大家不要因为《听音乐》这过于低调和实在的名字而忽略这本实际上可以充当聆听者圣经的书。

　　《听音乐（全彩插图第11版）》读后感(四)：听音乐

　　这本沉甸甸的书花费了太多太多时间，简直是一个编辑新手的血与火的洗礼。真的希望它能够为想读的人提供一些帮助。而且个人觉得，热爱音乐的人总是能从这本书里得到一些收获。

　　当我在六月末摸到样书的内封时，真的非常心动，里里外外摸了一遍，非常感激设计总监做出这款很有尊严的封面。顺手翻开，看到第172页，BWV 140，《醒来吧，一个声音在呼唤》的众赞歌。旋律、结构、唱词……全都清楚细致。

　　顿时眼泪哗哗流出来。

　　原来我自己编辑的书里对这首众赞歌分析得这么仔细，我却没记住唱词，三天前加迪纳邀请观众一起加入众赞歌的时候因为不知道唱词而左顾右盼。一些我们以为自己很熟悉的东西，其实可以了解得更多更深入。不同时候看到和听到，会有新的触动。可能就像科普兰说的那样，除了在音乐厅里短暂地逃离日常性以外，还可以探入音乐欣赏的另两个更高的层面。对音乐的理解越深入，所能捕获的感触越多。希望这本书能够在我们探寻的道路上提供任何一点帮助。

　　《听音乐（全彩插图第11版）》读后感(五)：流动的音乐，流动的品味：大众需要怎样的音乐教育？

　　潮流推动的艺术

　　翻开厚重的新版《听音乐》，介绍巴洛克音乐的某章这样开篇：“在十九世纪前，不论要满足教会和宫廷的需求，或者是面对歌剧院的市民，听众们都要求新的作品，他们不想听过时的音乐。”

　　实际上在任何时代，音乐都是一种由潮流推动的艺术，不论是与贝多芬同时代的胡梅尔，还是二十世纪的浪漫主义守护者阿诺德·巴克斯。所有在音乐史上坚守既有道统的人，都更难以被历史所青睐。但是，书中这句话将时间定在了十九世纪前，那是因为从十九世纪后，虽然潮流依旧不能接受新人的旧酒，但人们从此开始回望过去，热衷于从故纸堆中挖掘故去大师们的作品。自此，经典的音乐成为永不过时的东西，人们不满足于艺术对感官的愉悦，而是用理性和领会智慧的态度去接受他们。

　　主流音乐史的演进仿佛时间老人的背影，永远无法回头。“伟大的艺术必然不朽”，这只是一句理想化的说辞。假如放任伟大的艺术作品被潮流冲刷，经典也会被越来越少的人们知晓，逐渐凋谢。为了让这些瑰宝不会随时间的冲刷而逐渐变色，人类希望通过基础教育来稳固这一切。作为一本引进的音乐欣赏教材，《听音乐》已经出了第11版了。作者罗杰·凯密恩的讲解深入浅出，系统性地展现了音乐的魅力，并且充满了历史的眼光。这本大书面向的读者是非专业的音乐爱好者们，既然如此，本书的理念和我们的基础音乐教育自然具有了比照的价值。国内的音乐教育是否成功呢？

　　尴尬的“双基”

　　在中国社会的大中城市中，音乐教育贯穿了整个九年义务教育。基础音乐教育从来没有接受商业唱片产业形成的定见，即先将音乐粗暴地划分为所谓“流行音乐”“古典音乐”，再将自己划到所谓的“古典”“民族”一方去。虽然在通常印象中，基础音乐教育的立足点自然而然就是“古典”与“民族”这些领域。

　　经过九年义务教育以及高等中学头一年之后，多数的学校教育不再开设音乐课程。经历了高中、大学的音乐教育断层后，多数年轻人对音乐课本上的伟大作品早已经非常模糊。也许可以想起寥寥几个名字，贝多芬、施特劳斯等等，但对他们的代表作张冠李戴是常有的事。至于记住这些艺术家是哪里人，他们在时间上孰先孰后，更是不可完成的任务。这样的现状是怎么产生的呢？

　　在我们的基础教育事业中，有一个广为人知的提法：双基。双基是基础知识和基本训练的统称。对于音乐这个学科而言，所谓的双基大致指向音乐学的初级知识与音乐实践的训练教学。基础知识当然指向并不以该学科为职业方向的群体。不管一个人今后要做什么，他都要通过国家的义务教育之手，获得音乐的基础知识，从而获得全面的智识发展。基本训练则严重依赖于演唱。

　　相比器乐来说，声乐的一个最大特点是可以脱离乐谱而学会演唱，具体方式就是跟唱。老师在钢琴上弹奏一句，学生就可以脱离乐谱硬记住旋律。这样的教学方式比逼迫所有学生视唱乐谱当然要轻松得多，但后果就是：无法形成任何音乐的阅读能力。如果用语言作类比，跟唱式教学就像幼童用学舌掌握了母语，但是无法阅读书籍。

　　与此相对的是，只要掌握任何一门乐器，都可以相对轻松地完成识谱的过程，不管是小提琴、钢琴、筝、笛、吉他，甚至葫芦丝。因为用乐器跟奏一段旋律时，演奏者需要将旋律在脑中转换成唱名。也就是说，乐器演奏者为了完成演奏必须训练自己，从而轻松地找到任何唱名之间的音程关系，当他们看到一个五线谱时，脑中更可能快速地找到调。更重要的是，普通音乐教育中大多使用首调思维处理音乐（首调思维就是不考虑每个音的绝对音高，将所有大调的主音都唱成do,固定调思维则反之），因此几乎只有器乐学习者和专业声乐练习者用固定调思维处理音乐。

　　实际上，任何人都可以经过视唱，训练出简单的读谱能力。但现实是，既然可以靠跟唱硬记住旋律，那老师何苦要求学生认读课本上的乐谱呢？于是基础教育中的双基训练也就成了镜花水月，在现实环境中，为美育课程安排严厉的视唱考试很不现实。教育改革者只好退而求其次，寻找其他的出路。

　　如此一来，国内的基础音乐教育索性淡化了音乐知识技能的一面，将音乐视为对美学的感知教育。当然，也通过音乐课程比较成功地完成了民族文化的宣扬以及意识形态教育，所以音乐欣赏当然会作为更加重要的部分而存在。在课本的内容设置上，处于弘扬民族文化的需要而进行了中外作品的平衡。例如在芭蕾舞剧曲目的单元中，以《丝路花雨》、《红色娘子军》对应《天鹅湖》的两首场景音乐，“歌剧”单元中，以《看天下劳苦人民都解放》对应《魔弹射手》、《茶花女》。这种设置方式的缺陷其实是明显的，在学习者看来仿佛是中国和西洋乐曲的相互“缠斗”，很难对音乐建立起最可靠的架构——以历史的角度认识音乐。实际上，按照中学历史教育曾经的方法，索性将音乐作品分为民族和西洋两大板块其实是有优势的。

　　当音乐教育撞见青春期

　　那么以鉴赏为手段的教育方法是否完美无缺呢？基础音乐教育希望有意识地将艺术经典喂食给学生们，所谓的古典音乐和艺术音乐经常被看作升华于感官之上的东西。理解这些需要相当的理性和智识，需要超越追求愉悦，甚至超越欣赏者本身的代入角度。但青春期的荷尔蒙冲动需要的却是感性、明快的发泄。

　　事实上，让孩子们对音乐课程保持兴趣是相当困难的，年幼时尚且可以被动接受许多内容，一旦青春期到来，一切就都变了。流行乐和摇滚音乐简单明快、直奔主题，主歌的惆怅不安，引出副歌对问题的酣畅解决，能够瞬间直击心灵中最软的部分，这种魅力是青春期无法抵抗的。相比之下，一部奏鸣曲的再现部相对呈示部经历了怎样曲折的抽象思考，这些至少不是他们所急需的东西。

　　一个十三四岁的孩子因为参加优秀的课外音乐社团而获得了更多的音乐知识，但是在数不尽的流行、摇滚金曲面前，哪一种是主动的，哪一种是被动的，这一切是显而易见的。也许音乐教材可以投他们所好，设置所谓“通俗歌曲”“通俗唱法”单元，然而选曲必然会拘泥于“健康向上”之类的条件。而青春期少年们向往的是什么呢？也许是爱，然而“以情歌，以叛逆意味的音乐作为音乐课程”，这在我们的社会环境中显然是笑话。

　　于是音乐教育者和商业音乐两方发生了古怪的矛盾。至少在笔者的少年时代，遇到相当多的音乐教育者采取不智的态度，将流行音乐视为“糟粕”当众批判，或者采取不屑的态度。而他们换来的自然是不合作与消极对抗，于是当这一代人长大后，一遇到“古典音乐”，通常以“抱歉，听不懂”来应对。实际上，真正的古典音乐爱好者都知道，古典音乐绝对不是让人听不懂的东西，而这句“听不懂”正是那种“不合作”心态延续的产物。在中学时，笔者的一位表亲被许多人羡慕，一切只因为他就读于北京丰盛中学，那时丰盛中学的音乐老师正是艺名为小柯的柯肇雷。在这个人的音乐课上，每一位学生几乎都能够得到愉悦和满足。

　　出路何在

　　音乐教育的出路也许应当基于两点，那就是尽量早期涉入，以及对学习者创造力的激发。二十世纪六十年代初，西德音乐教育家卡尔·奥尔夫努力将他的教学法推广到东方，奥尔夫推翻了练习唱歌、欣赏外加乐理的灌输方式，更何况普通音乐教育当然应该和专才音乐教育采取不同的模式。

　　奥尔夫主张即兴的唱奏。甚至鼓励肢体动作与音乐韵律的配合，在基础音乐教育领域，卡尔·奥尔夫的套路被尊为三大音乐教学法之一，主张音乐、舞蹈、语言为教育的一体，这种观念来自于青年时对整体艺术理论的认同。这其中带有极其浓厚的理查德·瓦格纳色彩，毕竟在他观念成型的二十世纪前期的德国，正是瓦格纳主义甚嚣尘上的时代。

　　诚如前文所述，掌握音乐阅读能力的不二法门，是练习一种乐器，而奥尔夫主张的正是器乐对主题的即兴发展，以及音乐与肢体的合一，这些是培养艺术创造力的必要之径。在孩子们幼年的时候，正是培养他们音乐素养的最好时机。

　　我相信，世界上几乎没有任何人后悔自己少年时曾学习一种乐器，哪怕他们明知自己并不会以此为业。

　　至于荷尔蒙旺盛时的青春期孩子们，还请人们放他们一马吧。摇滚乐本来就该是他们此刻的精神食粮。这好比当一个人正在缺乏蛋白质时，绝不可逼迫他只吃青椒。只要不让他们对“艺术音乐”产生不必要的反感就足够了。实际上，随着经历过的岁月更多，他们会开始寻找抽象而丰富的东西，然而前提依然是——不要让他们从青春期时已经产生出“这东西听不懂”“这东西好难”“这玩意高雅”的刻板印象。

　　也许《听音乐》这本书正好适合此时的他们，随着年龄的增长，已经培养出一定的阅读耐性，第一部分的“要素”帮助他们追忆儿时——比如奥尔夫式教育下的音乐基础知识。随后以音乐史架构，描绘从中世纪直到现代音乐世界的一切，甚至包括了他们所追忆和怀念的摇滚音乐！粗看之下，这本书中充斥了吓人的五线谱谱例。选取的部分虽然很简单，但毕竟是固定调思维下存在升降号的内容，对没有学过任何器乐的人似乎不够友好，然而，既然标题为“听”音乐，那么作者罗杰·凯密恩索性将多数的例子精心选取录音作为附件，甚至将讲解的例子在录音中处于几分几秒也详细标注出来，完全照顾到了无法读固定调乐谱的爱好者们。

　　一般来讲，笔者判断一本音乐普及读物够不够平易近人，通常会关注“属和弦”“属调”这些术语是否非常频繁。粗略浏览，笔者在一百多页的位置上才第一次发现了“属和弦”三个字。也就是说，阅读本书的基本条件其实只有两个而已：第一、已经热爱音乐，或者想要热爱音乐的人；第二、没有“古典音乐很高雅”“这东西我听不懂”之类定见的人们。

　　也许世界上根本就没有“一辈子只听阳春白雪”的人。我们的人生都会经历不同的阶段，处于不同的心境。能够经历不同的生活，主动施加不同的自我教育，这无疑是美好的事.